Interview: Manfred Miersch und das Subharchord (1962)

Manfred Miersch am Subharchord

Über die Online-Ausgabe der BERLINER ZEITUNG wurden wir durch eine spannende Reportage auf einen Ausnahmemusiker und seiner Suche nach einem verschollen geglaubten Instrument, dem Subharchord aufmerksam. Der besagte Artikel (HIER LESEN) dokumentiert die Geschichte dieses Instruments, welches 1962 erstmals fertiggestellt wurde, dessen Anfänge sich aber bis 1959 zurückverfolgen lassen.

Viele Jahre später hört Manfred Miersch erstmals von diesem Instrument, fahndet, findet und nutzt das seltene Stück für eigene Kompositionen.

Manfred Miersch (Jahrgang 1961), geboren in Westberlin, ist multimedialer Künstler und sicher auch „Klangforscher“, der seit 1997 elektroakustische Musik spielt und komponiert. Er ist Mitbegründer der Berliner Medienwerkstatt im Kulturwerk des Berufsverbandes Bildender Künstler Berlins (BBK) und dort schwerpunktmäßig beschäftigt mit dem Ausbau und Betrieb des Audiostudios. Wer mehr über seine Vita und Werke wissen möchte, dem empfehlen wir, die Website des BBK zu besuchen. HIER KLICKEN.

Schon bei unserem ersten Telefonat erlebten wir mit Manfred Miersch einen unkomplizierten und sympathischen Künstler, der uns bereitwillig Einblick in sein Denken und Schaffen gab.

Amazona.de:
Hallo Manfred, erzähl uns uns doch zunächst ein bisschen über dich.

Manfred Miersch:
Wenn ich nach meiner Tätigkeit befragt werde, sage ich meist, dass ich ein Künstler bin, der nebenbei auch Musik macht. Als „offizielle“ musikalische Ausbildung kann ich bestenfalls den einjährigen Gitarrenunterricht geltend machen, den mir ein versierter und ziemlich virtuoser Jazzmusiker erteilte, als ich 16 Jahre alt war. Diesem Lehrer verdanke ich auch einige theoretische und praktische Grundlagen zur Musik.

Denn Musik habe ich nicht studiert, sondern Bildende Kunst, und zwar an den Kunsthochschulen in Berlin und Hamburg. Vorher habe ich an der Berliner Freien Universität noch einige Semester Kunstgeschichte besucht, was sich als sehr hilfreich erweisen sollte, denn ich konnte mir dort die Methoden seriösen wissenschaftlichen Arbeitens aneignen. Das ist bis jetzt die Basis meiner Recherchen und diverser Schreibarbeit zur Geschichte elektronischer Musikinstrumente, zur Musikliteratur und was die kleinen Texte zu Kunstgeschichte und Gegenwartskunst betrifft, die ich manchmal für Freunde verfasse.

Amazona.de:
Stimmt es, dass du noch in anderen Bereichen aktiv bist?

Manfred Miersch:
Hin und wieder betätige ich mich auch als Veranstalter, z.B. im Rahmen meiner zweijährigen Reihe zum ZODIAC (auch „ZODIAK Free Arts Lab“ genannt), eine der zwei wichtigen Geburtsstätten der sogenannten Berliner Schule der elektronischen Musik. Von 2009 bis 2011 war ich diesbezüglich eigenverantwortlich tätig als Entwickler und Organisator der fortgesetzten Veranstaltungsreihe, mit Musik, Film, Ausstellungen, Lesungen und Gesprächen am Originalort des ehemaligen Clubs.

Ansonsten gebe ich manchmal Workshops und werde zu Vorträgen eingeladen oder stelle meine künstlerischen Arbeiten aus. Alles ist ziemlich unspektakulär.

Amazona.de:
Wie bist du zur Musik gekommen?

Manfred Miersch:
Rückblickend begann das Musikmachen bei mir vermutlich mit diversen Bastelarbeiten, ohne dass ich damals an den Begriff „Musik“ überhaupt dachte:

So gab es, als ich noch Schüler war, in Berlin ein kleines gelbes batteriebetriebenes Transistorradio mit eingebautem Lautsprecher zu kaufen, mit dem man die Sender der Mittelwelle empfangen konnte. Das ca. handtellergroße Radio wurde von einer westdeutschen Kaffeefirma importiert und in deren Läden als großangelegte Werbemaßnahme hierzulande verkauft. Da man eine derartig geschrumpfte Audiotechnik hier weitgehend noch nicht kannte, stieß der Verkauf auf allgemeinen Zuspruch. Fasziniert von einem derartigen Wunderwerk und vom Mittelwelle Hören nach kurzer Zeit gelangweilt, öffnete ich das Gehäuse und schloss mittels diverser Drähte willkürlich, ahnungslos und todesmutig Kontakte zusammen, bis ein Ton ertönte, irgendwo zwischen Sinus- und Sägezahnschwingung, die durch Drehen an den Reglern verändert werden konnte. Durch weitere Manipulationen ließ sich zusätzlich ein weites Spektrum von Knatter- und Störgeräuschen erzeugen.

Vom Begriff des „Circuit Bending“ habe ich erst Jahrzehnte später erfahren. Meine nächsten Testobjekte waren ausgediente Kassettenrekorder, bei denen ich versuchte, den Motor, der die Capstanwelle antreibt, massiv zu verlangsamen, um mit der Geschwindigkeit von Aufnahme und Wiedergabe zu experimentieren. Ein weiteres technisches Wagnis bestand im Ausbau des Löschkopfes des Rekorders.

Hatte ich die Geräte dann irgendwann erfolgreich geschrottet, so wurden sie komplett zerlegt. Komponenten, die ich als optisch besonders interessant empfand, habe ich dann zu kleinen collagenhaften Maschinenobjekten zusammengebaut. Ein Beispiel derartiger früher Objektbastelei aus Teilen von Alltagsdingen, mit der ich im Alter von ca. 10 Jahren anfing, habe ich noch.

Dabei habe ich nie an Kunst gedacht, erst viel später bemerkte ich, dass es so was Ähnliches im Werk von Künstlern wie Kurt Schwitters oder Jean Tinguely gab und dass derartige Dinge manchmal in Museen ausgestellt sind.

Amazona.de:
Wann hast du angefangen, Musiker und Komponisten bewusst wahrzunehmen?

Manfred Miersch:
Was das bewusste Hören von Musik betrifft, da geschah der Einstieg teilweise auch über die Kunst: z.B. hatte ich als Jugendlicher eine Ausstellung zu Surrealismus und Dadaismus gesehen, in der ein Film von René Clair gezeigt wurde. Der Film hieß „Entr‘ acte“ und die Musik dazu stammte von Erik Satie. Saties repetitiv angelegte Komposition, deren Struktur sich fast unmerklich wandelt, begeistert mich bis heute. Satie war und bleibt mein „klassischer“ Lieblingskomponist.

Über mein damaliges Interesse für Pop Art und Andy Warhol musste ich dann zwangsläufig auf die Band „Velvet Underground“ stoßen. Schnell war ich von John Cale fasziniert und der Art und Weise, wie er elektrische Viola und Piano spielt. Auch erst Jahre später erfuhr ich, dass Cale ein klassisch ausgebildeter Musiker ist, der u.a. bei Avantgarde-Komponisten wie Cornelius Cardew oder Iannis Xenakis gelernt hatte und stark von John Cage beeinflusst war. Vor seiner Mitwirkung bei Velvet Underground war Cale Mitglied der Gruppe „The Dream Syndicate“, gemeinsam mit den heutigen Berühmtheiten LaMonte Young, Marian Zazeela und Tony Conrad und dem etwas in Vergessenheit geratenen Angus MacLise. Ich musste daran denken, als ich Young und Zazeela mit ihrem „Just Alap Raga Ensemble“ im Jahr 2012 live erleben durfte.

La Monte Young gilt ja als einer der Begründer der Minimal Music, dies führt wieder zurück zu Erik Satie.

Von Tony Conrad führt wiederum ein Querverweis zu der deutschen Krautrockband FAUST, da beide bereits in den 1970er Jahren zusammengearbeitet hatten, und in 2015 standen Tony Conrad und FAUST sogar in Berlin gemeinsam auf der Bühne. Inzwischen gab es auch gemeinsame Auftritte von mir und meiner Band „atelierTheremin“ mit FAUST, deren bis heute durchgehaltene musikalische Konsequenz ich sehr schätze. Was mein musikalisches Interesse betrifft, da hängt offensichtlich alles mit allem zusammen.

Manfred Miersch in seinem Berliner Studio

Amazona.de:
Wie wurdest du erstmals auf elektronische Instrumente aufmerksam?

Manfred Miersch:
Auf Synthesizer wurde ich, wie viele andere Menschen meiner Generation, aufmerksam durch Fotos und Musik von Keith Emerson von „Emerson, Lake & Palmer“, durch „Switched-On Bach“ von Walter Carlos und durch den Hit „Popcorn“ von „Hot Butter“. Gemocht habe ich die Musik dieser Leute nicht wirklich, aber die Bilder von Emersons „Monster Moog“ waren beeindruckend. Wesentlich näher war mir diesbezüglich das, was Brian Eno in den Anfangsjahren von „Roxy Music“ am EMS VCS3 produzierte.

Auf das Theremin, auch „Termenvox” genannt, kam ich auch durch eine Ausstellung: diese war 1995 in Berlin zu sehen und hieß „Berlin – Moskau“. In einem Raum dort stand ein U-förmiges Objekt, dahinter stand ein rautenförmiges Ding auf einem Stativ. Ich dachte erst, es würde sich um eine konstruktivistische Skulptur handeln, und war dann gleichermaßen verblüfft wie hingerissen, als ich erfuhr, dass es sich um ein Instrument handelt, das man berührungslos spielt, und um den dazugehörigen Lautsprecher. Das ausgestellte Theremin war eine von 1968 stammende Weiterentwicklung des Erfinders, der die ersten Modelle seiner Erfindung bereits um 1920 präsentiert hatte.

1997 habe ich als Hommage an Lew Sergejewitsch Termen, auch bekannt als Leon Theremin, meine Band „atelierTheremin“ gegründet. Bei Andre Smirnov, dem Gründer des Moskauer Theremin-Centers am Staatlichen Konservatorium und bei Lydia Kavina, der Großnichte des Erfinders Leon Theremin, habe ich dann im Rahmen von Workshops in den Jahren 1998 und 2000 das Theremin-Spielen professionell gelernt. Einerseits in der eher konventionellen Form (Kavina) und andererseits in einer stark experimentellen Variante (Smirnov). Mittlerweile habe ich versucht, einen eigenen Stil zu entwickeln, auch mit Hilfe meiner selbst gebauten oder umgebauten Theremin-Instrumente.

Amazona.de:
Welche Art von Musik hat dich in deinem Leben am meisten begleitet und geprägt?

Manfred Miersch:
Einerseits alle Arten von Musik, bei der sich Konzepte und Methoden von Avantgarde und experimenteller Musik mit Formen von Pop- und Rockmusik im weitesten Sinne mischen. Andererseits höre ich immer wieder gern Stücke von den Repräsentanten der „Neuen“ Musik der 1950er – 1970er Jahre (und ihren Nachfolgern), wie z.B. György Ligeti, Henk Badings, Francois Bayle, Ernst Krenek, Luigi Nono, Luc Ferrari, Peter Ruzicka, Hans-Joachim Hespos, AMM und natürlich Karlheinz Stockhausen.

Ich mag keine Musik, bei der die musikalische Form zugunsten irgendwelcher zu vermittelnder dominierender Inhalte vernachlässigt wird. Umgekehrt möchte ich behaupten: Wenn die musikalische Form, bzw. die künstlerische oder kompositorische Idee, stark genug ist, dann trägt das auch die banalsten Inhalte. In der Bildenden Kunst ist das genauso.

Inhalte und Bedeutung können natürlich auch ausschließlich über die musikalische Form vermittelt werden, ohne dass dabei Sprache, Worte, Textbotschaften benutzt werden müssen. Explizit in den Vordergrund gestelltes Können im Sinne von überbetonter Kunsthandwerklichkeit, wie z.B. oft beim Free-Jazz zu finden, geht mir auf die Nerven.

Inspirierend finde ich manche musikalischen Experimente mit reiner Stimmung (just intonation), sofern das nicht in Richtung Esoterik abdriftet.

Manfred Miersch am Theremin

Amazona.de:
Darf man fragen, was du gegenwärtig so hörst?

Manfred Miersch:
Na klar, wenn ich auflisten soll, was ich in den letzten zwei Wochen u.a. gehört habe, d.h. welche Tonträger hier bei mir zuhause noch griffbereit herumliegen:

• Transfargo: „Mil Transit“ von 2003.
• Charles Wilp: „Charles Wilp fotografiert Bunny“ von 1999 (Reissue eines Albums aus den Sixties).
• Agitation Free: „Malesch“ von 1972.
• Oren Ambarchi: „Hubris“ von 2016
• Tonto: „It´s about Time“ von 1974.
• Terry Riley: „Songs for the ten voices of the two Prophets“ von 1982 (gemeint sind zwei „Prophet-5“ Synthesizern der Fa. Sequential Circuits).
• Gottfried Michael Koenigs „Klangfiguren 1“ von 1955. Koenig ist mein Favorit unter den elektronischen „Neuen“ Musikern.
• Aphex Twin: „Selected Ambient Works“ von 1994.
• Tangerine Dream: „Phaedra“ von 1974 (Chris Frankes Arbeit am Moog-Sequencer ist fantastisch. Er hat den Sound, mit dem TD bekannt wurden, so genial gestaltet, wie später nur wenige. Franke war für TD so wichtig, wie z.B. Chrislo Haas am Korg MS-20 für die frühen DAF.)
• 13th floor elevators: „Bull of the Woods“ von 1969.
• Spylab: „This Utopia“ von 2002.
• Diverses von Pauline Oliveros´ „Deep Listening Band“ aus den 1990ern.
• Frühe Stücke von Eliane Radigue („Geelriandre“ und „Arthesis“, realisiert am ARP- und Moog-Synthesizer in 1972 und 1973).
• „Frequencies“ von den Techno- und Acid House Pionieren „LFO“ (die ihr Album u.a. der Band „Tangerine Dream“ gewidmet haben) von 1991.

Abgesehen davon höre ich auch gern traditionelle indische Bordun-basierte Musik und sonstige Musik, die auf Drones aufbaut. Da muss keine Tambura oder Tanpura im Spiel sein, es kann sich auch um Gitarren handeln, wie bei „Sunn O)))“. Deren Album „Monoliths & Dimensions“ von 2009 halte ich für das Interessanteste, was in der ersten Dekade dieses Jahrhunderts erschienen ist. Dazu beigetragen hat sicherlich die Kooperation zwischen Sunn O))) und dem zeitgenössischen Komponisten Oren Ambarchi (s.o.).

Musik, die mir gefällt, sollte eine Art „Vision“ repräsentieren, einen eigenen Entwurf, eine Art utopischer Vorstellung, ein interessantes Konzept.

Amazona.de:
Wie lässt sich deine Tätigkeit als Künstler mit der Leidenschaft für die Musik verbinden?

Manfred Miersch:
Ich habe da noch nie einen Unterschied gemacht. An die Musik gehe ich nicht wie ein Musiker heran, sondern wie ein konzeptueller Bildhauer, als der man mich bezeichnen könnte. Töne, Klänge, Sprache, Sounds, das sind für mich Materialien wie Holz, Plexiglas, Aluminium oder Silikon. Ich bringe alle diese „Materialien“ in Beziehung zueinander und denke da an Konstruktionen, an Schichtungen, Reihungen, an Bezüge zum umgebenden realen oder virtuellen Raum etc. Meine Band „atelierTheremin“ war von Anfang an in erster Linie als Kunstprojekt gedacht.

Amazona.de:
Kommen wir zu diesem seltenen Synthesizer, dem Subhachord, Was genau kann man unter dem Subharchord verstehen?

Manfred Miersch:
Stark vereinfachend gesagt: Das von dem in Berlin geborenem Ingenieur Ernst Schreiber erfundene Subharchord ist ein großes, schweres elektronisches Instrument, mit dem subharmonische Mixturen erzeugt werden können. Es ist aber auch in übertragenem Sinne kein Leichtgewicht, sondern der bedeutendste Beitrag der DDR in Sachen Elektronischer Musik und des diesbezüglichen Instrumentenbaus. Insgesamt gesehen ist das Subharchord für mich persönlich nicht nur ein technischer Gegenstand, sondern ein Repräsentant gesellschaftlich-kultureller Entwicklungen und Umbrüche.

Der Subharchord-Erfinder Ernst Schreiber kam ursprünglich vom Orgelbau. Schon um 1954-56 arbeitete er an der Entwicklung einer elektronischen Orgel. Seine „Toccata-Orgel EKI 1“ kann in Berlin im „Industriesalon Schöneweide“ besichtigt werden.

Im Jahr 1960 hatte Schreiber dann ein „Verfahren zur Erzeugung subharmonischer Frequenzen für elektronische Musikinstrumente“ zum Patent angemeldet. Und zwar sowohl bei Patentämtern der DDR, der BRD aber auch der USA.

Im Jahr 1965 wurde das Subharchord auf der Leipziger Messe präsentiert. Der damalige Werbeslogan lautete: „Subharchord – Ihr Vorteil. elektronische Klänge für Studios und Bühnen“. D.h. mit dem Subharchord sollte ein universeller Klangerzeuger in die elektronischen Studios der Welt Einzug halten, hier war also ein „großer Wurf“ geplant.

Demgegenüber steht die Tatsache, dass das in den 1960er Jahren entwickelte, gebaute und zum Kauf angebotene Instrument bis zum Publik werden meiner Recherche in keinem Lexikon, in keinem musikhistorischen oder musikwissenschaftlichen Werk und in keinem sonstigen Buch über Musik auftauchte. Lediglich in ein paar vereinzelten technischen Fachmitteilungen oder speziellen Infos, die nur im Umfeld damaliger Beteiligter zugänglich waren, konnte man weniges im Fachjargon darüber lesen.

Nur ein Beispiel von vielen, das die beschriebene Auslassung verdeutlicht:

1990 erschien im „Lied der Zeit, Musikverlag, Berlin“(DDR) das auch dort in der DDR gedruckte lexikalische Buch „Soundscapes / Elektronische Klangerzeugung und Musik“ von André Ruschkowski. Das lesenswerte Buch gibt einen Überblick über alle nur denkbaren elektronischen Instrumente, die im Laufe der Geschichte weltweit erfunden wurden. Der westdeutsche Reclam Verlag gab 1998 eine noch wesentlich erweiterte und überarbeitete Ausgabe von „Soundscapes“ heraus. Diesmal mit dem Untertitel „Elektronische Klänge und musikalische Entdeckungen“. Aber: In keinem der beiden Bücher wird das Subharchord erwähnt!

Die Situation änderte sich erst, als meine umfassenden Recherchen und Veröffentlichungen zum Subharchord immer bekannter wurden. Meine Recherche zum Subharchord begann im Jahr 2000. Um die Jahreswende 2002/2003 startete meine Subharchord-Website. In 2003 hatte ich im Fachmagazin KEYBOARDS eine mehrteilige Serie zum Subharchord publizieren dürfen. Um die Jahreswende 2003/2004 sind erstmals nach Jahrzehnten wieder neue eigenständige Subharchord-Kompositionen erschienen, die ich vorab am Instrument neu eingespielt habe. Es folgten zahlreiche Radio-Interviews, in denen ich gebeten wurde, die spannende Geschichte des Subharchords zu erzählen.

Das traditionsreiche ostdeutsche Blatt „Das Magazin“ schrieb im Dezember 2015 in einem mehrseitigen Artikel über meine Arbeit u.a.: „Manfred Miersch ist der Wiederentdecker eines vergessenen Instruments, das ein technologischer Urbaustein der elektronischen Musik ist: das Subharchord.“ Ich gebe zu: Ein Lob aus ostdeutscher Sicht freut mich in dieser Sache immer besonders.

Video: The Subharchord · Das Subharchord von Manfred Miersch

Amazona.de
Was waren deine wichtigsten letzten Unternehmungen bezüglich des Subharchords?

Manfred Miersch:
Neue subharmonische Mixturen mit dem Subharchord habe ich in 2014 an dem Typ des Instrumentes eingespielt, das am weitesten entwickelt ist. In der Fachzeitschrift „SYNmag“ wurde meine CD „Das Subharchord – The Subharchord“ schon kurz nach dem Erscheinen als „DIE Vorführ-CD“ gelobt (Zitat).

Im Vorfeld der Ausstellung „Ohne Ton kein Bild. / Der Ton im DEFA-Animationsfilm“ (2015 – 2016 in den Technischen Sammlungen Dresden) wurde erstmals nach Jahrzehnten wieder ein Animationsfilm mit dem Subharchord vertont. Der Animationsfilm „Kontrapunkt“ der ostdeutschen Künstlerin Gaby Schulze wurde mit modernster Software realisiert („Blender“), die Filmmusik stammt von mir. Ich hatte sie am Subharchord Typ II/III eingespielt.

Um alle meine zurückliegenden und aktuellen Aktivitäten bezüglich dieses faszinierenden, aber leider auch äußerst anfälligen Instrumentes aufzulisten, dazu fehlt hier der Platz.

Wer sich nicht nur anhand meiner Website informieren möchte, dem sei eine einstündige Radiosendung empfohlen:

in der Reihe „WDR 3 open: Studio Elektronische Musik“ erschien am 16.09.2015:

„Das Subharchord – eine Geschichts- und Klangreportage“ von Stefan Amzoll.

Auf einer der Archivseiten des WDR ist die Sendung bis heute als Podcast/Audiostream verfügbar. (Zum Archivbeitrag HIER KLICKEN, zum MP3-File HIER KLICKEN)

Auf das Subharchord hat mich übrigens im Juli des Jahres 2000 jemand gebracht, dessen Textbeiträge den Besuchern der Online-Plattform AMAZONA bekannt sein sollten: Der Jim. Die Information, die mich neugierig machte und mit der alles anfing, fiel beiläufig in einem Nebensatz, als wir über Doepfers damals noch neuen subharmonischen Generator sprachen. Wenn der Jim damals gewußt hätte, was er damit alles ins Rollen bringt!

Manfred Miersch am tVox tour Theremin

Amazona.de:
Besitzt du selbst ein Subharchord oder warst du an der Restaurierung beteiligt?

Manfred Miersch:
Ein Subharchord habe ich nicht, ich darf aufgrund meiner angesammelten Fachkenntnisse aber hin und wieder mit einem Subharchord in Museumsbesitz arbeiten.

Die alten Synthesizer, die ich spiele, habe ich ganz überwiegend von Freunden oder Bekannten erhalten. Ich restauriere die auch, soweit es meine Kenntnisse zulassen. Eine mechanische und optische Restaurierung ist für mich kein Problem. Wenn Schaltpläne vorhanden sind, schematics, service notes, bin ich in der Lage, einfache Reparaturen selbst auszuführen, sofern die benötigten Bauteile noch zu haben sind. Ohne derartige Unterlagen jedoch nicht, da müssen dann Fachleute ran!

Amazona.de:
Wie würdest du deine Musik bezeichnen?

Manfred Miersch:
Der Schwerpunkt liegt ganz überwiegend auf live improvisierter Musik. Dies einem sonstigen Genre oder irgend einer „Schublade“ zuzuordnen, gelingt mir nicht. Dazu ist unser Stil inzwischen zu eigentümlich. Meine Band „atelierTheremin“ hat sich in positiv-musikalischem Sinne im Laufe der Jahre immer mehr radikalisiert. Die ganz jungen Leute, die zu unseren Konzerten kommen, kennen derartiges gar nicht mehr und sind zum Teil schockiert und zum Teil fasziniert. Bei unserem letzten Auftritt meinte jemand, der uns vorher schon einige Male gesehen hatte, wir würden „immer sinfonischer“ werden. Das war offensichtlich als Lob gemeint …

Mir wird allerdings mit jedem Auftritt immer bewusster, wie sicher und perfekt das Zusammenspiel von uns drei Bandmitgliedern über die Jahre geworden ist. Das vermittelt sich wohl auch unserem Publikum. Sehr befreiend ist, dass wir nicht von Verkaufszahlen und den Launen irgendwelcher Produzenten abhängig sind. Obwohl das, was wir machen, schon sehr speziell ist, haben wir ein Stammpublikum mit Leuten ganz unterschiedlichen Alters.

Vielleicht ist es gerade das, was die Leute suchen: authentische Positionen mit „eingebautem Risiko“, abseits vom Mainstream. Vermutlich hat das Equipment, das wir auf die Bühne bringen, auch einen gewissen Attraktivitätswert.

Amazona.de:
Wie setzt du deine Instrumente live ein?

Manfred Miersch:
Hinsichtlich der Sounds, mit denen ich gegenwärtig selbst live experimentiere, da hat sich eine Art Rückbezug ergeben: im Umfeld eines Kompositionsauftrags, den ich mal vom Rundfunk Berlin-Brandenburg (RBB) erhielt, hatte ich schon vor längerer Zeit mit Alltagsgeräuschen gearbeitet, aus denen mittels unterschiedlicher Analyse- und Tracking-Verfahren Steuerspannungen und -Impulse abgeleitet wurden. Diese wurden dann im Rahmen subtraktiver oder additiver Klangsynthese weiterverwertet. Das ist zwar zugegebenermaßen etwas altmodisch, führt aber zu schönen Ergebnissen und bietet live viele Variationsmöglichkeiten …

Amazona.de:
Was planst du als nächstes Projekt?

Manfred Miersch:
Im letzten Jahr habe ich eine vierteilige Reihe im „Acker Stadt Palast“ Berlin präsentiert. Der Titel war „RECALLING UTOPIA: 1967 – 2017“. Dabei ging es, wie man sich denken kann, um einen Rückblick auf 1967. Die nordamerikanische Counter Culture der 1960er Jahre gab die Impulse für das Entstehen einer Alternativ- und Gegenkultur mit neuen Formen des Zusammenlebens, der Musik und der Kunst auch in Deutschland. Der Synthesizer-Pionier Don Buchla z.B. war in die Westcoast-Szene stark eingebunden, wenn man an das berühmt-berüchtigte „Trips-Festival“ von Januar 1966 denkt.

Bestimmte Ereignisse im legendären Jahr 1967 wirkten transatlantisch und setzten Zeichen, die weltweit wahrgenommen wurden und die darauf unmittelbar folgende gesellschaftliche und politische Entwicklungen initiierten. Ich war und bin der Meinung, dass es wert ist, daran zu erinnern. Dabei ging es weniger um Retro-Kult, als umso mehr um praktizierte Kulturarchäologie hinsichtlich einer schwierigen, aber hoffnungsvollen Epoche, in der das längst postulierte „Ende der Utopien“ noch nicht absehbar war.

Jeder Termin meiner Reihe nahm mit seinem Datum exakt Bezug auf ein jeweils wichtiges Tagesereignis in 1967.

Es gab jedes Mal eine Vorführung von seltenem Filmmaterial, das ich ausgesucht hatte und für jede der vier Veranstaltungen wurde ein/e andere/r Lichtkünstler/in eingeladen, um eigene Projektionskunst zur Live-Musik zeigen. Die Live-Musik kam von meiner Band.

Als nächstes Projekt plane ich eine neue Reihe, deren Veranstaltungstermine nicht auf eine bestimmte Anzahl begrenzt sind. Diesmal gibt es keinen historischen Bezug. Worum es sich handelt, das wird erst verraten, wenn die allgemeine Werbung anläuft.

Amazona.de:
Wann und wo können wir dich das nächste Mal live erleben?

Manfred Miersch:
Was die Band betrifft: Die Auftrittstermine werden immer recht kurzfristig auf unserer Website veröffentlicht (die endlich mal upgedatet werden sollte!). In diesem Winter sind wir vorrangig damit beschäftigt, dokumentarisches Filmmaterial zu sichten und zu schneiden, um es als Blu-Ray veröffentlichen zu können.

Was meine eher seltenen Solo-Auftritte betrifft: Da überlasse ich die Ankündigung und Werbung gerne dem jeweiligen Veranstalter mit seinem jeweiligen Netzwerk und sage im Vorfeld aber natürlich meinen Freunden und Bekannten Bescheid.

Amazona.de:
Wo kann man sich deine musikalischen Werke anhören, wenn keine Gelegenheit besteht, dich live zu erleben?

Manfred Miersch:
Hörproben von meiner Band gibt es hauptsächlich auf der Website des Labels, dort wo CDs und Vinyl angeboten werden. Wer sich speziell über meine Soloprojekte informieren möchte, dem empfehle ich drei kurze Filme auf YouTube:

Manfred Miersch / Klangkonstruktion

Amazona.de:
Was hat es denn mit deinem Label Krautopia auf sich?

Manfred Miersch:
Damit betreiben wir ganz klassisches Self-publishing. Es sind jedoch auch Kooperationen möglich. Ein schönes Beispiel: Anlässlich einer Ausstellung zu Ehren der Gruppe CAN, welche im September 2011 in der Stuttgarter Galerie ABTART gezeigt wurde, und dann im November und Dezember desselben Jahres in Berlin im Künstlerhaus Bethanien, gab es einen umfangreichen, sehr liebevoll gestalteten Ausstellungskatalog, dem auch eine CD beilag.

Die CD ist auf meinem Krautopia-Label erschienen. In der Auswahl der Künstler/Musiker, die auf der Kompilationen vertreten sind, war Krautopia völlig frei. Vertreten sind u.a. Robert Lippok, Station Rose, The B-Men etc.

Amazona.de:
Deine außergewöhnlichen Instrumente  würden sich sicher gerne einige Leser persönlich ansehen.

Manfred Miersch:
Meine Instrumente sind auf drei verschiedene Orte in Berlin verteilt. Zwecks einer Begutachtung müsste ich eine Art Stadtrundfahrt machen. Das ist aus Zeitgründen leider nicht möglich. Abgesehen davon besitze ich auch keine wirklich raren Synthesizer. Als die noch erhältlich und bezahlbar waren, wollte ich ja unbedingt eine Gitarre … (s.o.).

Man findet bei mir also keine Buchla Box und auch keinen alten Serge-Synthesizer. Es steht auch kein EML ElectroComp 100 in der Ecke und im Regal steht kein Syn-ket oder ähnliches und im Keller keine Ondes Martenot …

Amazona.de
Lieber Manfred, wir bedanken uns vielmals bei dir für dieses Interview und wünschen dir weiterhin eine kreative Zeit.