My 10 Favorites, Amazona.de Autor Markus Schröder

Elektronische Klangfarben, Samples und ich waren offenbar schon immer für einander bestimmt. Deswegen habe ich mich für Alben entschieden, die vor allem mein musikalisches Schaffen geprägt haben bzw. Musik, wie ich sie immer selber hätte machen wollen, aber zu spät kam. Wobei man ja   immer mit dem Bekanntesten anfängt und sich dann zu den Gourmetstücken vorarbeitet. So muss des Umfangs wegen etliches unter den Tisch fallen und Löcher erzeugen, die zu füllen oder abzugrenzen (gegen das, was ich nicht mag) ich noch etlicher Worte mehr bedürfte. Deswegen nicht alles auf die Goldwaage legen und immer auf die Breitseiten des Lebens achten. In diesem Sinne hier meine 10 Alben und meine sehr persönlichen Blicke darauf.

1. Peter Thomas – Raumpatrouille (1966)

Als Kindergartenkind (ca. 10 Jahre nach der Uraufführung) im Fernsehen zufällig aufgeschnappt, war die Raumpatrouille Orion schon damals absolut außerirdisch für mich, von den Dekors und besonders von der Musik her. Erst ca. noch mal 10 Jahre später zeigte das lokale Kino wieder ein paar Folgen, was die Faszination noch vertiefte und die Serie für mich endgültig zum Kult machte. Die herrlich stacheligen Dialoge, eigenständige Frauenfiguren, die gesellschaftlichen Seitenhiebe, das aufbrausende Schauspiel, alles mit einem unglaublichen guten Gespür für Selbstironie und Style und vor allem natürlich die Sets, die alltägliche Gegenstände in völlig neue Kontexte setzten – eine barocke Zukunftstechnik in der die Form nicht mehr der Funktion folgt, sondern frei ist. Das ist bei Science-Fiction zwar fast immer der Fall, aber dafür umso seltener mit so viel Unverfrorenheit und Witz inszeniert, wie bei Orion.
Alles absolut perfekt und stimmig begleitet mit Sounddesign und Musik von TV- und Filmkompositionsgigant Peter Thomas, der sich hier selbst übertroffen hat – stylisch, lasziv und völlig schräg zugleich. 
Neben dem phänomenalen Soundtrack halte ich noch heute Raumpatrouille für die futuristischste – und beste – SciFi-Produktion die je gemacht wurde. Dagegen wirkt auf mich bis heute das meiste andere was als „SF“ über den Bildschirm flimmert einfach nur bieder.


2. Christian Bruhn – Captain Future, Soundtrack 1979/80

Das hat nicht nur mit der Seltenheit zu tun, mit der japanische SciFi-Animee in den 70/ 80igern in Deutschland zu sehen waren. Bei einem Sommerurlaub in Italien 1982 sah ich was an japanischen SciFi Animee wirklich ging, wo hierzulande zeitgleich Lady Oscar noch lange die Speerspitze bildete, die erst um 1993 in der bislang einzigen Ausstrahlung von der „Königin der 1000 Jahre“ (Leiji Matsumoto) überrundet wurde. Es dauerte aber noch ein bisschen bis Animee und Manga auch in Deutschland an Relevanz und Anerkennung gewannen und nicht wenig davon ist dem Anime „Akira“ von Otomo Katsuhiro (1988) zu verdanken. Der absolut überragenden Soundtrack des japanischen Künstlerkollektivs Geinoh Yamashirogumi, beeindruckte mich fast noch mehr als der Film und der Zenith ist natürlich Mamoru Oshiis „Ghost in the Shell“.

Der Captain Future Soundtrack von Christian Bruhn, mit dem Gesang seiner Frau Erica Bruhn, die mindestens jede zweite Titelmelodie der im deutschsprachigen Fernsehen gezeigten Animes gesungen hat und extra für das deutsche Fernsehen komponiert wurde, gehört aber auf jeden Fall für mich immer noch zu den schönsten Synthesizerlastigen Instrumentalalben. Funky und stylish. Zumindest war es für mich die Musik, die die Weichen stellte.

Eine Anekdote hier ist, dass ich im Jahr 2001 meine Anime-VHS-Sammlung verkauft habe, um mir meinen ersten eigenen Synthesizer, den Waldorf MicroQ, leisten zu können, den ich heute noch habe. Bis dahin hatte ich ausschließlich mit Commodore und Samples (zuletzt Digitracker 16 Bit) gearbeitet und dem Synthesizerbestand im Studio für Elektronische Musik an der (damaligen) Uni Karlsruhe, aber das waren wie gesagt, leider nicht meine. Animes sind zwar nie von meinen Radar verschwunden, aber man muss eben Prioritäten setzen.

Beim Thema des Einsamen Königs läuft es mir heute immer noch eiskalt über den Rücken runter:

3. Jean Michel Jarre – Zoolook (1984)

Eigentlich hat es mit der Compilation „Musik aus Zeit und Raum“ (1983) angefangen, die ich als Cassette zu Weihnachten bekommen habe. War nett, aber erst Zoolook hat mich völlig weggeblasen. Die Neuheit und Neukontextualisierung der Klänge war einfach zu überwältigend und sollte später meine eigenen Musikkreation mit Amiga und Tracker nachhaltig prägen. Zu seiner Zeit war Zoolook aber noch für mich ein Buch mit sieben Siegeln und die darin aufgeführten Geräte auch. Zoolook war für mich wohl das erst bewusste Interesse für elektronische Klangerzeugung.

Eine Anekdote dieser Zeit ist, dass ich mich als Teenager mit meiner Gitarrenlehrerin zerstritt, weil sie meinte die (Klassische) Gitarre wäre nur ein Begleitinstrument (zum Gesang). Ich war da völlig anderer Meinung: die Klangfarben und Klangformungsmöglichkeiten wären mindestens gleichberechtigt. Das schätze ich im Übrigen noch sehr an Saiteninstrumenten, dass man „direkt am Ton“ ist und nicht durch eine Mechanik davon isoliert. Mit dem Commodore C-128/ C-64 zwei oder drei Jahre später war es mit der Gitarre dann allerdings auch vorbei und die Musik von C-64 und Amiga hat mich wahrscheinlich mehr geprägt als alle andere Musik zusammengenommen.

Beim Nachschlagen für diesen Artikel ist mir im Booklet von Zoolook ein Name aufgefallen: Alan Moulder (später mit NIN), der als „Tape-Operator“ aufgeführt wird. So fügt sich alles zusammen.

6. Bomb the Bass – Unknown Territory 1991

Durch das Bitmap Brothers Spiel Xenon 2 Megablast aufmerksam geworden (der Hook war von John Carpenters Precinct 13), war Into The Dragon für mich ein Highlight einer neuen Sound-Ära die vorwiegend auf Sampling setzte. Doch erst mit Unknown Territory hob Tim Simenon so richtig ab. Den Zeitgeist in trippe, tanzbare elektronische Formen gegossen, frech, frisch und bombastisch, wurde Simenon dann mit jedem Album noch besser und raffinierter. Das letzte Album war bisher „In The Sun“ und kam 2013 heraus. Erst mit MIA, die 2006 mit „Arular“ die Bühne betrat, kam für mich wieder etwas vergleichbar inspirierendes „von der Insel“ und während der 90er kamen so einige coole Sachen aus England (Drum & Bass, Public Enemy, Asian Dub Foundation… ). Ich kann eigentlich sagen, dass ich mit Bomb the Bass das Samplen und die Sample-Bearbeitung lernte.

Bomb The Bass – Start, 2010

4. Clock DVA – Man Amplifed 1991

Zu Clock DVA kam ich leider erst als „Sign“ (1993) herauskam und zufällig eine Rezension des Albums im WOM-Magazin las und mein Interesse weckte. Der Verkäufer dort meinte aber „Man Amplified“ wäre besser. Clock DVA lehrten mich, dass man sich bei elektronischer „Pop“-Musik auch „was dabei denken“ und strukturalistisch und intellektuell an die Komposition herangehen kann. Eine Idee, die sich dann während der Studienzeit mit der institutionalisierten Neuen Musik fortführte. Auch der esoterische Ableger von „Frontman“ Adi Newton, The Anti Group (Conspiracy / Collaboration) / T.A.G.C. und der ganze 70/80er Sheffield-Sound, angefangen bei Cabaret Voltaire, Throbbing Ghristle, Hafler Trio etc. rückten so in mein Sichtfeld und ganz weit nach oben bei meinen All-Time-Stars. Sie veränderten meine Wahrnehmung von (anti-) Sinn und -Konstruktion in der Musik grundlegend. Leider markierte „Sign“ auch gerade das Ende von Clock DVA und den Anfang von gut 20 langen Jahren der Zurückgezogenheit von Adi Newton aufgrund schwerer Erkrankung und anderen Problemen. Erst 2008 gab es wieder kreative Lebenszeichen von Newton und 2014 dann das erste neue Album „Clock2“. Seitdem ist er wieder aktiv und veröffentlicht neues und archiviertes Material.

https://www.youtube.com/watch?v=6do1HolMWUM

T.A.G.C. / The Anti Group – Magnetic Pharmacology

5. Nine Inch Nails – Downward Spiral (1995)

Als MTV tatsächlich noch Musikvideos spielte, sah ich spät nachts „Broken“ und dachte: entweder ist das der größter Mist oder die größte Musik die jemals geschrieben wurde. Es lief dann für mich auf letzteres hinaus.
Die Bedeutung von Downward Sprial kann für meine „Musikbildung“ gar nicht deutlich genug herausgestellt werden. Es hat meine ganze Musikrezeption mehr verändert als alles andere davor und danach. Es hat alles kaputt gemacht, meine komplette Haltung zur „Popmusik“ wurde völlig zerstört – das meiste andere erschien mir dann nur noch trivial. Es war nicht die Neue Musik die das erreichte, es waren NIN. Die Bedeutung von Sounds, die Konstruktion von Songs, die Härte von Elektronik, das verzweifelte Schreien einer verletzten Seele. Ich hab nie wirklich kapiert warum so viele immer nur die Bühnensau Trent Reznor gesehen haben. Natürlich war er das, keine Frage, aber dahinter war mehr und er selbst meinte auf der Bühne wäre er ein anderer. Es war vielschichtiger als das übliche, langweilige Endzeitgerassel der anderen Industrial-Bands dieser Zeit. Hier gab es einen Menschen der sich, trotz all des Umsichschlagens, dennoch offenbarte. Sicher hat Reznor den „leidenden Künstler“ auch kultiviert, aber wenn er selbst, von sich aus ein Konzert unterbricht, weil sich einige Fans während „Hurt“ mit Zwischenrufen ungebührlich aufführten (ich hab das von einem Freund der dabei war erzählt bekommen – das war, falls ich mich richtig erinnere,  während der With Teeth-Tour – dann kann man ihm zumindest keine Inkonsequenz dabei vorwerfen. Es gibt aber auch noch andere Quellen die darüber berichteten, wie angemifft Reznor reagieren konnte, wenn er mitbekam wenn Hurt „nicht mit dem angemessenem Respekt“ behandelt wurde. Für mich ist „Hurt“ dann auch der zentrale Angelpunkt von Downward Spiral und nicht Closer und außerdem ich bin auch nicht der Meinung, dass die  Johnny Cash-Version besser ist als das Original.

Spiral Downward ist brutal, zerbrechlich und authentisch. Ebenso die NIN-Remixe dieser Zeit zeigten mir auf, wie weit ein Remix gehen kann und das dass meiste was einem sonst bis dahin als „Remix“ verkauft wurde (meist) nur billiges Cash-In war. Man muss „den anderen“ aber auch zugute halten, dass viele zu dieser Zeit sehr wahrscheinlich auch noch kein Digidesigner/Pro Tools hatten. Spiral machte alle „Popmusik“ für mich kaputt. 
Warum Spiral für mich jetzt keine „Popmusik“ darstellt, ist ein gute Frage. Die Antwort liegt darin begründet, das NIN ganz andere Kästchen bei mir abhakt als, sagen wir mal, Filter („Shortbus“ mit Brian Liesegang, 1995 bis 97) oder Marylin Mansons „Antichrist Superstar“ aus dem NIN Umfeld dieser Zeit.
Aber seit Reznor nun eng mit Atticus Ross zusammenarbeitet, hört sich alles von NIN (so ab 2010) für mich so angestrengt und überproduziert an – wir haben uns wohl irgendwie auseinandergelebt. „Ghosts I-IV“ markiert für mich deshalb den krönenden Abschluss dieser Periode.

Daher will ich jetzt auch kein ausgelutschtes NIN-Video verlinken, sondern stattdessen zwei  Anekdoten anbringen. Beide handeln davon, wie sich erst ab 2008 mein Verhältnis zu „Popmusik“ wieder besserte. Zum einen sind meine japanischen Freunde alle nicht nur Noise-, sondern auch (Frühzeit) NDW-Nerds. Deswegen hier Der Plan mit „Alte Pizza“, das quasi zu unserer Hymne wurde – und natürlich Fraktus.

Der Plan – Alte Pizza (1985)

Bei der zweiten Anekdote geht es um Opa Jott, Trap-Lyriker aus dem Rhein-Necker-Delta, der mich mit seinen Texten und seiner Stimme schon seit langem beeindruckte und nach über 2 Jahrzehnten von ausschließlichen Live-Noise-Improvisationen und -konsumption wieder mein Interesse am Produzieren von „normalen“ Songs geweckt hat und das liegt nicht nur daran, dass ich bisher drei Alben von ihm gemixt und/oder gemastert habe. So gesehen hätte ich vielleicht ehr über ein Album von Opa Jott schreiben sollen, anstatt über NIN, aber das eine bedingt halt das andere.

Opa Jott – Himmelwaerts (feat. Lil Jiggy) (2020)

7. Haus Arafna – Children of God (1998)

Haus Arafna schocken gleich zu Anfang mit beim Namen des grauenhaften Ortes, an dem der KZ-„Arzt“ Josef Mengele seine menschenverachtenden Experimente an Kindern durchführte. Der Betrachtungswinkel ist dabei dem von Hannah Arendth auf Otto Adolf Eichmann sehr ähnlich: wie kann ein Mensch massive Greueltaten vollbringen und danach zu seiner Familie heimkehren, als käme er von einem 9-to-5 Bürojob. Der Holocaust ist aber nicht das grundlegende Thema des Duos. Es geht vielmehr um das Versagen der Menschheit generell und die Eingeschlossenheit im eigenen Körper im speziellen und den kathartischen Effekt des Zulassens dieser Erkenntnisse. Doch im Gegensatz zum Hang einiger andere Noise-MusikerInnen mit Tabuthemen zu schocken, die jetzt nicht direkt von der Musik her motiviert werden – ein Hang, der sich durchaus vom Futurismus, dem gewaltbereiten und provokanten Ursprung des Noise (damals: Bruitismus), herleiten lässt -,  konzentrieren sich Haus Arafna allein auf die schockhafte Wirkung ihrer Musik selbst, für die Begriffe wie „morbide“ und „traurig“ noch zu den positivsten Beschreibungen gehören.

Die Arafnas selbst bezeichnen ihren Stil als „Angstpop“, in Kontrastierung zur (80er/90er) Industrial-Genredominanz von Throbbing Gristle und stellen eine gute Balance zwischen konsumierbarer Konserventauglichkeit (denn Haus Arafna treten niemals live auf) und Harsh-Noise-Stilen dar, die nur Live ihre volle Wirkung entfalten. Was für mich ein Kriterium ist, denn viele Noise-Acts, so sehr ich Noise (außer Powernoise) liebe, interessieren mich nur, wenn ich sie live erlebe. Das gilt auch für meinen eigenen Noise: nur der spontan erzeugte Moment zählt. Wobei es mir ziemlich egal ist, ob das jetzt mit Noise, (Post-) Industrial, Experimental, Field Recording, Neue Musik oder sonst wie etikettiert wird. Wichtig ist mir nur das aktive Auseinandersetzen mit der Deformalisierung von evokativen Material. Das ist für mich „Noise“.

Unwiederbringliche Momente erzeugen aktuell aber auch  z.B. das Noise-Duo „Kaffee und Kuchen“ (KuK) die Sauerei(en) mit Kaffee und Kuchen im Publikumsraum machen und ist es eher besser nicht in der ersten Reihe zu stehen. Diese Spannung zwischen Verunsicherung, Amüsement und „Kunst“ ist sehr erfrischend. Ihre kuchenzerstörenden Shows erlebt man nicht alle Tage. Im Übrigen vertrete auch ich die Ansicht, dass, wer guten Noise machen will, auch eine gewisse Lust an der Zerstörung haben muss und wenn es nur die Zerstörung von Publikumserwartungen und Hörgewohnheiten ist.
Einer der komischsten und bizarrsten Momente dbzgl. war für mich, als mich einmal mitten in der Performance (2018 oder so) mehrere Leute nacheinander und unabhängig von einander anquatschten und absolut nicht realisierten, das ich gerade meinen Auftritt hatte. Da wurden dann mal meine Erwartungen an das Publikum auf die Probe gestellt.

Produktionstechnisch waren Herr und Frau Arafna, wie die beiden sich nennen, seit ihrem Debüt immer ganz vorne dabei, was umso erstaunlicher ist, da sie in einem 2021 erschienenen Interview erzählten, die Idee zu dem Projekt kam ihnen aufgrund des Demotapes eines Freundes, das mit ganz billigem Equipment produziert wurde. Für mich beweist das wieder einmal mehr, dass der Mensch die Musik macht, nicht die Technik und ein Paradebeispiel dafür, wie viel man mit sehr wenig Produktionsmitteln erreichen kann. Damit stellen sie quasi die Essenz all dessen dar, was mich an kreativen Prozessen und Ergebnissen interessiert. Auch wenn Frau Arafna beim neusten Werk „Asche“ (2020) mittlerweile auf eine ganz ordentliche Eurorack-Wand zurückgreift (zu sehen im Video). Ich habe auch kaum eine CD gehört die so „natürlich lebendig analog“ klingt wie „Children of God“. Erst Kraftwerks „Tour de France Soundtracks“ (2003) und Arnaud Rebotinis „Music Components“ (2009) konnten danach für mich diese Messlatte wieder höher legen.

Als abschließende Anekdote möchte ich einen meiner schönsten Noise-Momente weitergeben, als wir (Wolfgang Kirchheim und ich) nach einem Gig in Augsburg, zu dem wir vom attenuation circuit-Label eingeladen wurden, von Martin vom Elektroduo File Not Found als „Chansoniere des Noise“ bezeichnet wurden. Denn Noise muss keineswegs immer nur stumpf auf die Zwölf hauen oder humorlos sein.  So hat z.B. auch die Performance eines Peter Strickmann, der Noise mit einem Sammelsurium von Gegenständen macht, schon kabarettistische Qualitäten, ebenso die Geräuschapparate eines Petr Válek.

Haus Arafna – Golgatha In Flames, 1998

Haus Arafna „Für Immer“ (Singles 1993 – 2000)

Haus Arafna „Kreise Um Das Nichts“ (2020)

8. Funkstörung – Appetite for Distruction (2000)

Autechre, Squarepusher, Mouse On Mars, Aphex Twin oder Funkstörung? Für mich gehörte das alles zusammen, aber letzten Endes war für mein Musikschaffen Funkstörung das wichtigere, wenn auch kurzlebigere Element. Womit wir wieder bei Samples und digitaler Audiobearbeitung, neuen digitalen Artefakten, Störungeinflüssen und Störgeräuschen sind, die alle gleichberechtigt musikalisch wertvoll dastehen. Die Zeit in der ein „Track“ zur einer Momentaufnahme wurde, die auch ganz anders hätte werden können, wenn man sie zwei Tage später gemacht hätte und meist sammelten sich so diese Takes dann auch zu einem Album zusammen. So wurde damals produziert.

Christian de Luca und Michael Fakesch hatten die Gabe auf ihrem Debut „Additional Produktions“ (1999) aus den Originalen noch bessere Remixe zu machen und ihnen eine neue Spannung zu geben, in dem sie zum Teil völlig frei vom Taktmaß und Rhythmus neue Arrangement erstellten, die trotzdem ohne Ende groovten. Dass sie auch eigene Songs machen konnten bewiesen sie mit „Appetite for Destruction“. Aber nach „Vice Versa“ 2001 schlugen sie eine Richtung ein, die mir viel zu poppig wurden und mit der ich nichts mehr anfangen konnte. Bis 2001 waren Funkstörung jedoch ein Monument für mich, weil ich mich so total identifizieren konnte mit dem „Was“ und „Wie“ sie ihre Musik produktionstechnisch auf die Beine stellten. Langfristig sind die anderen Bands aber musikalisch an ihnen vorbeigezogen, vor allem Mouse on Mars.

9. Steve Reich – Come Out (1966)

Nach Renaissance, Barock und Rokoko konnte mich musikgeschichtlich und gefühlsmäßig erst wieder die Neue Musik und deren Institutionalisierung nach 1945 begeistern. Durch „Come Out“ wurde ich während des Studiums mit dem „Minimal“ bekanntgemacht. Die Einfachheit des Konzepts und die Veränderung über die Zeit hinweg, waren echte Augenöffner, wie dann auch das weitere Gesamtwerk des Komponisten. Was ich über Mikrotiming, die kompositorische Phasenverschiebung und Musik als Prozess weiß, hab ich von Steve Reich.

10. Atsuhiro Ito – Optron (2016)

Ok, eigentlich ist „Optron“ kein Musikalbum, sondern „ein Konzept und viele Live-Auftritte“ des Multimedia-Künstlers mit Schwerpunkt auf elektroakustischen Installationen und sein sehr spezielles Instrument – das Optron, mit dem er lange auf Tour gegangen ist. Das Optron ist eine Leuchtstoffröhre plus ein paar eingebauten Extras, mit der Töne per Ein- und Ausschalten erzeugt werden. Bei seinen Ausstellungen setzt Ito-sama sehr stark auf von den Besuchern persönlich erfahrbare Experimente und z. T. auch vor Ort benutzbare Kunstobjekte und ein Besuch ist jedes Mal ein Abenteuer.
Als wir in Japan im Bullet’s Club (Roppongi/Tokyo) auftraten, kam es auch, dass Ito-sama gerne auch mal mit „unbekannten“ Künstlern spielte und wir (und andere) zu einem Jam mit ihm eingeladen wurden.
Das Inferno des mir bis dahin unbekannten Optron aus Licht und Krach beeindruckte mich so sehr, dass er mir im späteren Gespräch erklärte, wie er auf der Leuchtstoffröhre spielte. Das Prinzip adaptierte ich für meine Gigs in Deutschland (in Tokyo konnte ich das ja nicht mehr bringen), wo das Instrument gänzlich unbekannt war, nimmt man die oftmals verwunderten Reaktionen des Publikums, die wir jahrelang erhielten, als Maß. Die „Leuchtröhre“ war auch mitunter der Grund, warum wir überhaupt eingeladen wurden, oder das andere Noise-Musiker mit mir zusammen spielen wollten. Den Einfluss den Ito-sama somit auf mein musikalisches Schaffen hatte kann also gar nicht deutlich genug herausgestellt werden, deswegen an dieser Stelle, nach all den Jahren, hier mal ein ganz riesiges und herzliches:

„Danke für alles, Ito-sama!!“