My 10 Favorites, Amazona.de-Autor Torsten Bäumer

Nachdem die lieben Kollegen schon kräftig vorgelegt haben, ist nun auch Toby dran, seine Top 10 Alben zu kommentieren, die ihn am meisten geprägt haben. Hier muss ich ausführen, dass die Liste durchaus dreimal so lang sein könnte. Also wurde ganz einfach von links nach rechts getindert. So kann man sich seine Liste auch zusammenwischen ;-) Es dürfte auch klar sein, bei so einer Entscheidung kommt die Musik aus dem Bauch. Und ist nur lückenhaft. Es fehlen Manic Street Preachers, The KLF, Lloyd Cole, The Smiths, Cocteau Twins, Clannad, Alice in Chains, Westbam, SOS Band, die Spider Murphy Gang (!), Fury in the Slaughterhouse, Saga und guilty Pleasures wie ABBA, Quincy Jones, SOS Band, Kylie Minogue und Dolly Parton. Der komplette Katalog von Stax Records und Blue Note Records.

Propaganda

A Secret Wish – LP Version

Es gab drei ZTT oder Trevor Horn, Steve Lipson Produktionen, in denen die Achtziger aus britischer Popsicht auf den Punkt kamen, Dollar, FGTH und eben Propaganda – A Secret Wish. Dies Album kostete ZTT ein Vermögen, zum einen für die Technik und zum anderen ging es für diverse Gastmusiker drauf. Und die nimmt man enttäuschender Weise noch nicht mal wahr. So homogen und zeitlos ist A Secret Wish produziert. Was macht den Reiz aus? Auf der einen Seite haben wir den Gesang und die optische Präsenz von Susanne Freytag und Claudia Brücken und ich teile ausdrücklich nicht die Meinung, dass es sich hier um austauschbare Puppen handelt.

Vielmehr kontrastieren beide Damen die harten Beats, schneidenden Synthie-Lines und Orchester-Hits. Und das so, dass es hier ein Bild gibt. Und zwar ein in sich stimmiges Hörbild. Man muss nur „kein Zurück für dich – there is no way back“ hören und dann geht der Film ab. Dream Within a Dream klingt für mich wie die Blaupause zum Schiller-Sound. Hier auf der einen Seite ein Text von Edgar Allan Poe und auf der anderen Seite Propaganda. Die rohe Energie und dieser bittersüße und eingängige Gesang sind für immer hängengeblieben.

Frankie Goes To Hollywood

Welcome to the Pleasuredome – LP Version

The World is my Oyster … hahahahhahaaaaaaaaaaaaaa. Sterbendes Lachen. Die Eröffnungsseite des Doppel/Doppel-Albums, mit dem Titel F – Pray Frankie Pray, ist aus der Zeit gefallen. Progrock mit mäandernden Soli und Songstrukturen war eigentlich nicht mehr zeitgemäß, aber die Maxi-Single war es. Man könnte die Titel der Seite F auch so verstehen, eine aufgeblähte 12 Inch, Diskoprogrock. Oder als eine Trilogie auf die Themen, Sex, Krieg und Liebe sehen. Das alles in HiNRG. So als die britischen Village People, nur krasser. Fakt ist, Holly Johnson ist ein begnadeter Sänger und eine Seele von einem Mensch. Liebhaber von Vintage-Equipment, nennt er Junos, Jupiter-8 und TR-808 sein Eigen. Mit Big in Japan, dem Nukleus von FGTH, konnten er und Teile von FGTH schon Erfolge feiern. Funfact, in der Band Big in Japan kreuzen sich die Wege von The Lighting Seeds, Siouxsie and the Banshees und The KLF. Im Prinzip war FGTH ein Kind von Paul Morley und Trevor Horn, der die Band eigentlich „groß machen“ wollte und dann ein Major verkaufen wollte. Während Trevor Horn für FGTH eine Klangvision hatte und auch heute noch der Meinung ist, dass die Musiker (The Lads) nicht ausreichend qualifiziert waren, seine Vision umzusetzen. Frankie says … Das kann man sehen, wie man möchte und sich auf die Suche der John Peel Session von FGTH mit den Titeln von WTTPD begeben.

Das Album ist die perfekte Symbiose von Disco, Rock, Punk, Pathos und Energie. Man darf sich nicht von den als Singles auskoppelten Tracks, Relax, Two Tribes und vor allem The Power of Love blenden lassen. Die Highlights des Albums sind andere Titel. Black Night White Light, San Jose. Oder Ferry (Go), die Hymne an Liverpool und eine Verbeugung an ein großes Vorbild von Holly Johnson, Gerry Marsden.

Was mich hier fasziniert, ist die Produktion, die Detailverliebtheit, Holly Johnsons Gesangsleistung. Die LinnDrum und die Sequencer-Bassläufe.

Rage against the Machine

Das Album, das aus dem Nichts kam. Und direkt in die Magengrube traf. Textlich, Musikalisch. Einfach auf den Punkt. Eine der wenigen Bands, wo zwischen der CD/Vinyl und dem Liveauftritt kein Unterschied in der Energie besteht. Es ist einfach der Wahnsinn, was dieses Quartett hier abgeliefert hat. Der Opener „Bombtrack“ macht uns bereit.

Zitat:
Hey yo, it’s just another bombtrack
And suckas be thinkin‘ that they can fade this
But I’m gonna drop it at a higher level
Cause I’m inclined to stoop down
Hand out some beat-downs
Cold runna train on punk ho’s that

Think they run the game

But I learned to burn that bridge and delete
Those who compete at a level that’s obsolete
Instead I warm my hands upon the flames of the flag
As I recall our downfall
And the business that burned us all
See through the news and the views that twist reality

Harter Tobak. Aber genau das klappt hier, wenn man an dieser Stelle den Basslauf und Tiraden von Zack de la Rocha, die Gitarre von Tom Morello noch ertragen kann, ist man bereit für den „higher level“. „Killing in the Name“, das Statement gegen Rassismus. Und hier in der wütendsten Form, ich hab die Schnauze voll. „And now you do what they told ya. And now you’re under control“, “Fuck you, I won’t do what you tell me! Motherfucker!“

Man muss dieses Album wirken lassen. Es hat nichts von seiner Wirkung verloren. Textlich, musikalisch und der Performance nagt die Zeit nicht an diesem Album. Mehr Cowbell geht nicht!

Massive Attack, Blue Lines

Muss man dieses Album erklären? Die Neunziger waren jung und frisch. Deutschland gerade wiedervereinigt und der Autor hatte sein erstes Roskilde Festival überstanden. Und kam mit frischer und neuer Musik aus Dänemark retour. So lief das damals ab und das funktioniert wesentlich besser als Spotify.

Crossover war das Thema. Und wer ein Album mit Helvetica Black Oblique und dem Gefahrgutzettel Klasse 2 versieht, kann nicht schlecht sein. Oder? Wer damals an MTV nicht vorbeikam, insbesondere im Nachtprogramm, dem entging nicht „Be Thankful for What You’ve Got“, ein bemerkenswertes Video, gedreht in einer Einstellung und so scharf, dass man es nur im Nachtprogramm hart rotieren ließ. Zwar eine Coverversion, macht ja nichts. Wenn das Cover besser als das Original ist, wird es selber zum Original. Zur Strategie dieses Video und den Titel nicht als Single auszukoppeln, kann man Virgin Records nur gratulieren, Toby war heiß auf die Scheibe. Und er wurde nicht enttäuscht. Shara Nelsons Gesang, die popkulturellen Referenzen, aka Samples und Vinyls Loops gepaart mit allerfeinsten britischen Beats. Das Album kommt mit einem Feuer und Energie daher, dass man nur ein Intro hören muss und weiß, dass die Tanzfläche gleicht bebt. Mein Anspieltipp Hymn of the Big Wheel.

Johnny Cash

American IV: The Man Comes Around – LP Version

Die Coverversion in der Popmusik ist quasi das Werkzeug, wenn die Karriere starten soll, der Künstler ein Comeback feiert oder man heißt Johnny Cash und ist der letzte Outlaw des Rock and Roll. Dann kann man Trent Reznor, Rick Rubin und seinen Sohn ins Studio bitten. Und hat dann im Schlepptau Nick Cave, Fiona Apple, Don Henley und viele andere mehr. Und haut ein Album als Vermächtnis raus. Und das ist es, ein Album als Vermächtnis. Und ich möchte meinen, so einen Abgesang haben zuvor nur Queen mit „Innuendo“ hinbekommen. Das Album hat keine einzelnen Hits, sondern ist in seiner Reihenfolge, auf der einen Seite eine Entschuldigung und Liebeserklärung an June Carter und seine Familie. Eine Reflektion über das eigene Leben, in all seinen Höhen und Tiefen. Und eben auch eine Verbeugung vor den Kollegen, die er hier interpretiert. Trent Reznor sagte über „Hurt“: „This song isn’t mine anymore.“ Was wiederrum eine Verbeugung vor Johnny Cash ist. „Give my Love to Rose“ war mehr oder minder der Start von Cashs Karriere. (Cash covert Cash, im Original war das Sun Records VÖ 279, für die jüngeren Leser, bei Sun Record und Sam Phillips in Memphis Tennessee startete auch ein gewisser Elvis seine Karriere.)

Und wenn man bis jetzt noch keine Tränen in den Augen hat, bei „Bridge over Troubled Water“ (mit Fiona Apple) ist es dann so weit. Die Fallhöhe ist gegeben und viele andere sind schon grandios an der Nummer gescheitert, aber Cash und Apple funktionieren wie June und Johnny in ihren besten Zeiten. Und nach dem Ende der Seite A heißt es, tief Luft holen und wir bereiten uns seelisch und moralisch auf ein Sting und  Depeche Mode Cover vor. Wenn man so will, ist die Seite B der Moment in einem Requiem, wo die ersten Emotionen durch sind und nun haben wir einen klaren Kopf zur Reflektion und genauso funktioniert das auf dieser Seite. Und auch der folgenden Seite C, aus der ich „Danny Boy“ und „Desperado“ hervorheben möchte. Johnny Cash musste den Desperado nicht spielen, er war einer. Teilweise und phasenweise war er in seinem Leben immer auf der innerlichen Flucht. Auch als er schon die Liebe seines Lebens June Carter traf, holten ihn das Schicksal und der Tod seines Bruders immer wieder ein, was in Drogen und Alkoholmissbrauch endete. Und so sollte man sich auch Danny Boy nähern. Auf der einen Seite die Melodie von Londonderry Air, einem irischem Traditional, das in der irischen Diaspora sehr populär ist und war. Dazu dann der Text. „The Pipes are Calling …“. Und die Darbietung. Bewegend.

Wir werden uns wiedersehen, „We’ll Meet Again“ das große Finale der Seite D. Was ein Bild, so sehr der Man in Black auch mit dem eigenen Dämonen kämpfte, er blieb am Ende doch zuversichtlich.

Simply Red

Picture Book

Der Autor kannte UK in den Achtziger nur aus dem Fernsehen und Erzählungen von Freunden aus UK beurteilen, wenn man so will ist Picture Book eine gefühlsmäßige Beschreibung der frühen Thatcher Ära. In Summe haben wir hier den Sound der Stax-Records House Band, The MG’s, mit einer Soul Röhre. Oder Motown Soul mit brennendem sozialistischem Herzen. Auf der einen Seite die Reflektion über das eigene Erlebte, Holding Back the Years, mit einer zarten Gospel oder Northern Soul Repetition:

I’ll keep holding on,
I’ll keep holding on,
I’ll keep holding on,
I’ll keep holding on.
So tired.

Und dann als ganz starker Kontrast, Money too tight (to mention). Als rotziger Protest und Anklage gegen die „over the hill“. Sprich Thatcher und das Establishment. „Father, Father, almighty Father“ und dann als Antwort „Money’s too tight to mention“, das muss man einfach mal wirken lassen.

Seine stärksten Momente hat Picture Book, wenn Fritz McIntyre und Mick Hucknall ihre Egos zurücknehmen und einfach laufen lassen. Da kommen dann solche Perlen wie Picture Book raus. In Summe hat mich das nicht abgehalten, eine Weile in UK zu leben.

Paradise Lost, Host – CD-Version

Host – CD-Version

Die „Depeche Modes“ der Gothic- und Death-Metal-Szene. So titulierte man damals das siebente Album von Paradise Lost, der Autor hat mittlerweile sein neuntes Roskilde Bändchen um den Arm und nachdem Klaus Fiehe dem Album seinen Segen erteilt hat, hören wir doch mal rein. In Roskilde verhinderte diese Erbensuppe aus der praktischen 5 Liter Büchse und Bier zum Frühstück selbiges.

Wenn man alle vorherigen sechs Alben hörte, ist der Sprung zu Host ein logischer. Und die Entwicklung ist gelungen, warum eine Metalband nicht mit Synthies spielen darf, erschließt sich mir nicht. Eine Korg M1 steht auch einer Metalband gut. Entscheidend ist der Vortrag und was rauskommt. Und hier glänzt „Host“ nun. „So much is Lost“ muss man erst mal als Opener hinbekommen, „Nothing Sacred“ und „In all Honesty” einfach klasse. Und das auf hohem Niveau, einschließlich dem Titel gebendem Track „Host“. Klar ist es das „darkest“ Album der Band, aber für mich definitiv ein Highlight. Weil es eben anders ist.

Nightmares on Wax

Carboot Soul

Eigentlich müsste dieser Eintrag Quincy Jones „Summer in the City“ oder dem Album „The Dude“ gehören. „Les Nuits“ in der finalen Version auf „Carboot Soul“ oder „Nights Interlude“ basieren auf „Summer in the City“. Dennoch schaffen es Nightmares on Wax, hier den „Northern Soul“ in das Album zu packen, Les Nuits ist vielleicht der bekannteste Moment. Das Album hat aber weitere Perlen. Und ist nicht einfach ein Easy-Listening-Album. Es funktioniert gerade, weil man den Hit an den Anfang der Platte stellte. Weil man es wie ein Hörbild inszenierte. Einfach die Augen schließen und fallen lassen. Und genau dies hebt das Album in meine Top 10.

Beastie Boys

Ill Communication

1994, Nachtschicht bei Siemens im Berliner P-Werk. Hip-Hop-Nacht. Das wird keine schöne Schicht. Frischgestärkt mit Mettbrötchen und weiteren sieben Köstlichkeiten der gastronomischen Versorgung Berliner U-Bahnstationen, hier Rohrdamm, geht’s erstmal ans Radio, die Spätschicht hatte wieder Schlagerparty. Erst mal gibt’s Fettes Brot, Friedhof der Nuscheltiere, feat. Heißes Eisen Nina.

Und dann kam „Sabotage“.

Hätte es damals eine Repeat-Taste für Radio gegeben, dieser Track wäre die Nacht durchgelaufen.

Schichtende, 06:04 h. Erst mal eine Molle zischen. Und ab zum Plattenhändler des Vertrauens. CD oder Vinyl kaufen. 09:20h, CD erstanden. Dann mal rein in den tragbaren CD-Player und ab dafür.

Man kann dieses Album schwer greifen, auf der einen Seite Hip-Hop, auf der anderen Punk und irgendwo mittendrin Rock.

Und genau das hebt dieses Album auf die Liste, ein bunter Strauß an Ideen. Gerade wenn man denkt, so jetzt hab ich es, dann „peng“. Wenig Sampling, dafür Beats und Scratches vom Feinsten. Und eine Energie!

Silly

Battaillon d‘Amour

Last but not least, Battaillon d‘Amour! Hier finde ich, dass es eben nicht einfach, ein oder „das“ Ostrock-Album ist. Silly waren zwar eine DDR-Band, jedoch entstand dieses Album als Ost/Westproduktion. Und das war zu der Zeit ein Husarenstück. Zum einen Micky Meuser ist nun kein Leichtgewicht als Produzent. Auf DDR-Seite waren dies als Mitproduzenten Klaus Peter Albrecht/Helmar Federowski und als Texter Werner Karma auch nicht.

Und Silly wollte und musste den Mont Klamott verlassen, nicht nur künstlerisch und musikalisch. Sondern auch persönlich. Hier muss man sehen, dass Silly sich von einer Spaß- und Kasper-Combo mit Tamara Danz zu einer Band mit Tiefgang entwickelt hatten. Sprich Silly hatte vor Battaillon d’Amour schon einen wesentlich Beitrag zum „Ostrock“ geleistet. Und wenn man „Mont Klamott auf‘m Dach von Berlin“ gehört hat, fragt man sich, wie sie die Dachlatte noch höher legen konnten. Zumal es zu dieser Zeit innerhalb der Band private und künstlerischen Spannungen gab.

Barton und Karma lieferten mit „Bataillon d’Amour“ den Abgesang auf eine Liebe in einer kalten nebligen Stadt. Das konnte man nun als junger Mensch so oder so verstehen. Tatsächlich war die Liebe vieler DDR-Bürger zu ihrem Staat schon erkaltet. Das Umfeld war grau und Smog lag in der Luft. Tamara liefert hier einfach ab und haut raus. Ich glaube ihr die innere Zerrissenheit, die Zweifel den Frust. Dazu die Musiker, man kann hier keinen auf den Sockel stellen. Es funktioniert, von den Drums, Gitarre und Keyboards und Synthesizer. Hier funktionieren die Zwischentöne oder auch das grelle Neonlicht. Silly waren hier über den Punkt der grünen Elefanten weit hinaus und haben in ihren Worten und ihrer Musik ein Statement gemacht. Mir haben sich hier „Jeder“ was als fluffige NDW Nummer daher kommt, in das Hirn gebrannt.

Zitat: Jeder Silly:

Jeder Mensch hat seine Zäune
Einzureißen, aufzubau’n
Jeder hat so eine Freude
Am Verraten, am Vertrau’n

Mehr stiller Protest gegen die DDR ging nicht, das hat viele auch aus meiner Generation ermutigt und ermächtigt. Wer wie der Autor Jahrgang 1970 in der DDR geboren und aufgewachsen ist, kann das vielleicht nachvollziehen. Du bist grade 16, dein Individuum wächst gerade heran und dann stellst du fest, dass die DDR gar nicht so nett ist, wie sie scheint. Pankow und Paule Pankes Werkstatt Song klingelt in der Omme und dann hörst du Silly. Und du fragst dich, ob der Film richtig ist, der gerade abläuft. Und Ritchie Barton liefert dazu ein Keyboard-Solo für die Ewigkeit ab. für Silly begann damit auch eine weitere Häutung, Uwe Hassbecker und Hans-Jürgen Reznicek verjüngte sich die Band und lieferte den Soundtrack für die Wende. Lass das mal in dein Hirn sickern!

Und spätestens bei, „Dein Cabaret ist tot“,

Zitat: Dein Cabaret ist tot – Silly

Wenn du bei Hofe aufmarschierst
Salutiern die Wachen
Man räumt dir ein Ventil zu sein
Man lässt dich lachen machen
Dein Carbaret ist tot, Monsieur

… beginnen die Fragen aufzukommen.

Treppenwitz an der Geschichte des Albums „Bataillon d’Amour“: Der titelgebende Titel wurde im Westen zensiert. Welch eine bittere Ironie. Das Album „Bataillon d’Amour“ muss man technisch, politisch und künstlerisch als Meilenstein sehen und gäbe es eine gesamtdeutsche Rock and Roll Hall of Fame, gehört dieses Album und Silly hier rein.

Nachsatz

Die Liste hätte wesentlich länger werden können. Aber es heißt ja nicht die Hundert Lieblingsalben für die Insel. Sondern nur die zehn Alben, die am meisten bewegt oder Einfluss haben. So habe ich die Liste angeordnet. Meine Einflüsse sind hier wie Perlen an einer Schnur aufgereiht. Frankie, Propaganda, Massive Attack, Nightmares on Wax auf der einen Seite. Mit viel Elektronik und Maschinen-Musik. Aber mit Herzblut und Leidenschaft. Und auf der anderen Seite Rock, Alternative Funk, Soul oder Hip-Hop. Technisch ist hier alles drin, von Rhodes, LinnDrum, Juno, Jupiter, E-mu (Silly). Gepflegte Wortspiele und klare Ansagen.