Geschichte der elektronischen Musik: 1900-1970

Geschichte der elektronischen Musik: 1900-1970

Vorwort der Redaktion

Holger Gerdes hat uns vor 7 Jahren einen wunderbaren Dreiteiler über die Geschichte der elektronischen Musik erstellt. Die umfangreiche Serie haben wir nun überarbeitet, aufgehübscht und ergänzt – und hoffen nun auf einen regen Austausch mit euch. Die anderen beiden Teile erscheinen jeweils an den kommenden Samstagen.

Elektronische Musik – Das 19. Jahrhundert

Die Geschichte der elektronischen Musik begann im 19. Jahrhundert. Als die Menschheit gerade die ersten Steckdosen ins Haus bekam, konstruierten kreative Bastler auch schon die ersten elektromechanischen und elektronischen Instrumente. Sie legten damit den Grundstein für eine völlig neue Art der Musik, die im Laufe der letzten 100 Jahre eine enorme Vielfalt an Stilrichtungen hervorgebracht hat.

Diese Artikelserie wird die wichtigsten Stationen der Elektronischen Musik von den Anfängen bis hinein ins 21. Jahrhundert behandeln, unterteilt in drei Kapitel (Pionierzeit, Blütezeit und Moderne).

Zunächst muss man eine Frage beantworten: Was eigentlich ist elektronische Musik? Fasst man den Begriff etwas weiter, dann ist alles Klangliche, was mit Hilfe elektronischer und/oder elektromechanischer Gerätschaften erzeugt wird, EM. Das können auch Tonbänder, Hallfedern, Plattenspieler, rückgekoppelte Verstärker usw. sein, und in der Tat wurde vor der Entwicklung leistungsfähiger Synthesizer so ziemlich alles verwendet, was die Elektronen irgendwie hörbar machen konnte. Außerdem war bis hinein in die 80er Jahre nur ein kleiner Teil der als elektronisch bezeichneten Musik auch hundertprozentig elektronisch erzeugt, meistens wurden zusätzlich elektromechanische und akustische Instrumente verwendet. Ab dieser Zeit dann ist ein großer Teil der populären Musik fast rein elektronisch, möchte aber gar nicht so einsortiert werden. Er wird deshalb hier auch nicht erwähnt.

200 Tonnen dampfbetriebene Klangerzeugung: Das Telharmonium (Quelle: 120years.net)

Im 19. Jahrhundert waren elektronische Instrumente noch recht sonderbare Konstrukte und hatten diverse technische Unzulänglichkeiten. Der Musical Telegraph (1867) konnte Töne nur per Telefonleitung übertragen, erst später wurde er mit einem einfachen Lautsprecher ausgestattet. Das Telharmonium (1897) war allen Ernstes dampfbetrieben und arbeitete mit rotierenden Zahnradwellen, die durch Induktion Wechselstrom mit verschiedenen Frequenzen erzeugten, mit dem dann direkt die Lautsprecher angesteuert wurden – ein Apparat wie aus einem Roman von Jules Verne. Entsprechend groß und schwer war das Ganze dann auch, satte 200 Tonnen. Dabei war es sogar transportabel, verteilt auf zwei Güterzüge. Der Alptraum eines Roadies. Auch der Singing Arc aus demselben Jahr, der Summtöne mit Bogenlichtlampen erzeugte, war aufgrund der starken Hitze- und Rauchentwicklung der Lampen nicht gerade praxistauglich.

…und eine Rotorwelle des Telharmoniums (Quelle: 120years.net)

Das Audion Piano von Lee De Forest 1915

Als erste brauchbare und tatsächlich elektronische, mit Röhren arbeitende Instrumente gelten das Audion Piano von Lee De Forest (USA, 1915) und das Theremin (1919), das in Russland von Lew Termen erfunden wurde (er fiel nach anfänglichem Ruhm leider in Ungnade und musste dann in einem sibirischen Gulag für das KGB Wanzen basteln). Aufsehenerregend war damals, dass es berührungslos über Antennen gespielt wurde. Wohl auch deshalb ist auch das dienstälteste seiner Art, transistorisiert wird es heute noch gebaut.

Das Audion Piano (Quelle: 120years.net)

Lev Termen am Theremin (Quelle: 120years.net)

In den folgenden Jahrzehnten wurden weitere elektronische und elektromechanische Instrumente gebaut, genannt seien hier das Sphäraphon (1923), das Ondes Martenot (1928) und das Trautonium (1930). Der erste Sampler stammt ebenfalls aus dieser Zeit, das Superpiano (1929) arbeitete nach dem Tonfilmprinzip mit geloopten Tonaufnahmen. Auch der Vocoder wurde bereits 1940 in den Bell Labs entwickelt, einer Einrichtung der Bell Telephone Company. Er sollte ursprünglich der Verschlüsselung von militärischen Nachrichten und der automatischen Textansage dienen, die musikalische Nutzung ist also ein früher Fall von Spin-Off-Effekt.

Röhrenorgel von Coupleux-Givelet (Quelle: 120years.net)

Zunächst kamen die neuen Instrumente im Rahmen klassischer Orchestermusik zum Einsatz. Das Theremin wurde in den 20er Jahren auf Welttournee geschickt (auch um den sozialistischen Fortschrittsgeist zu demonstrieren) und das Publikum zeigte sich begeistert. Neben Lew Termen selbst trat Clara Rockmore als Solistin auf, die bald als „Hohepriesterin des Theremins“ bezeichnet und so zum ersten Superstar der EM wurde. Es wurden aber schon bald Stücke speziell für die neue Instrumentengattung komponiert, z.B. von Konstantin Kowalski, Joseph Schillinger und Leopold Stokowski, auch die ersten teilelektronischen Filmmusiken entstanden. Für „L’Idee“ von Berthold Bartosch (1930) wurde ein Ondes Martenot, für den sowjetischen Film „Odna“ (1931) von Dmitrij Schostakowitsch ein Theremin verwendet.

Da die elektronische Musik in einer Zeit entstand, in der das Wunder der Elektrizität noch neu war und die Menschheit ziemlich fortschrittsgläubig, war das Publikum weitgehend aufgeschlossen für die merkwürdigen Apparate, die da vorgeführt wurden. Es gab aber diverse Ressentiments gegen die neuartigen Töne seitens konservativer Kritiker und Komponisten, auch tauchten immer wieder ideologisch gefärbte Bedenken auf. Ein Zitat aus der New York Times 1929: „Wir wollen nicht über eine Bevölkerung nachdenken müssen, die von der Gnade dieses furchterregenden verstärkten und kraftvollen Tons abhängig ist, den Professor Theremin in die Welt brachte“. In der Musikgeschichte ist das kein Einzelfall. Dem Piano erging es ein Jahrhundert vorher nicht anders, sein Klang wurde zunächst von vielen als zu „hart“ und „kalt“ empfunden.

Zwölftontechnik, Atonalität und Geräuschcollagen

Bei der Avantgarde der damaligen Musikszene, den Vertretern des Futurismus und der Neuen Musik, stießen die neuen Instrumente dagegen auf reges Interesse. Komponisten wie Arnold Schönberg, Anton Webern und Luigi Russolo hatten sich bereits mit Zwölftontechnik, Atonalität und Geräuschcollagen beschäftigt und werden als Wegbereiter der EM angesehen. Noch experimentierfreudigere wie Paul Hindemith, Edgar Varese, Olivier Messiaen und John Cage waren die ersten, die mit elektronischen Klängen tatsächlich neue Musik schufen. Hindemith regte auch Oskar Sala und Friedrich Trautwein zur Konstruktion des Trautoniums an, das lange Zeit das fortschrittlichste Instrument seiner Art war.

Das Mixtur Trautonium (Quelle Wikipedia)

Die Hauptakteure der EM sind bis hinein in die 60er Jahre größtenteils der Neuen Musik zuzuordnen. Das erklärte Ziel war, die westliche Orchestermusik von ihrem starren Regelwerk zu befreien und in neue Klangdimensionen vorzustoßen. Dabei handelte es sich um keine einheitliche Richtung, sondern eher um einen Sammelbegriff für Experimente aller Art, von ausgeklügelten Tonsetzereien bis hin zu anarchischem Tabubruch. Dasselbe gilt bis heute für die Elektronische Musik, sie ist sehr variantenreich und zu einem großen Teil experimentell, mehr als jede andere Musikrichtung.

Aber auch wenn die Neue Musik eher als schwer verdauliche Kost gilt, viele ihrer EM-Werke aus der Frühphase sind sehr harmonisch und durchaus hörbar, z.B. die Stücke, die Messiaen für das Ondes Martenot schrieb. Aus der Zeit vor dem zweiten Weltkrieg ist leider nur wenig davon erhalten geblieben, dazu gehören neben den Werken von Messiaen, Sala und Hindemith die „First Airphonic Suite“ (1929) von Joseph Schillinger und die „Imaginary Landscape No. 1“ (1939) von John Cage. Vereinzelt bezogen auch konservativere Musikschaffende Elektronik mit ein, wie z.B. Richard Strauss in der „Japanischen Festmusik“ (1940). Ein Link zu Hörbeispielen findet sich am Ende des Textes.

Entartete Kunst in den Augen der NS-Ideologie

Der zweite Weltkrieg bremste die weitere Entwicklung zunächst. Die Menschheit verlegte sich auf den Bau von Stalinorgeln und Jerichosirenen, im Dritten Reich wurden 1938 viele Musikrichtungen zu „entarteter Kunst“ erklärt. Elektronische Musik fiel nicht explizit in diese Kategorie, denn der Begriff wurde erst nach dem Krieg geprägt, wohl aber die Neue Musik, und Instrumente wie das Theremin galten in der NS-Ideologie als „jüdisch“ und „unnatürlich“. Viele moderne und sozialkritische Komponisten, z.B. Hindemith, Schönberg und Webern wurden mit Aufführungs- und Berufsverboten belegt, einige ihrer Kollegen ermordet. Sogar Fans indizierter Musik konnten im KZ landen, wie es den Hamburger „Swing-Kids“ widerfuhr. Eine Ausnahme war Hindemiths Schüler Oskar Sala, der den ersten deutschen Comicfilm „Armer Hansi“ (1944) mit einem aus Kriegstrümmern geborgenen Trautonium vertonen durfte, auch Strauss konnte dieses Instrument einsetzen.

Mixturtrautonium nach Oskar Sala (Quelle Wikipedia)

Bald nach dem Krieg kam jedoch wieder Schwung in die Sache. EM wurde zunehmend als eigenständige Musikrichtung eingestuft, und es wurde nun systematische Forschung an diversen Instituten betrieben, die sozusagen als Durchlauferhitzer für Komponisten, Musiker und Techniker fungierten und wesentlich zur weiteren Entwicklung beigetragen haben. In Deutschland wurde 1953 das Studio für elektronische Musik des WDR in Köln gegründet, kurz darauf das Elektronische Studio der TU Berlin. Das weltweit erste dieser Art war entgegen vieler Angaben das privatwirtschaftliche EM-Studio der Manhattan Research Inc. (USA 1946).

Das erste EM-Studio wurde 1946 gegründet (Quelle: 120years.net)

Das Studio für elektronische Musik des WDR in Köln

Das Kölner Studio gilt als das einflussreichste in dieser Periode, viele junge Musikschaffende durften sich hier austoben, z.B. Karlheinz Stockhausen, von dem eines der bekanntesten Stücke aus dieser Klangwerkstatt stammt, der „Gesang der Jünglinge“ (1955),  aber es wurde auch Pionierarbeit geleistet in Sachen elektronischer Komposition, Produktion und Klangsynthese. Man darf nicht vergessen: Elektronik war immer noch ungewohntes Werkzeug für Musiker (und Hörer), auch wenn Mikrofone und Verstärker inzwischen weit verbreitet waren.

Zukunftsweisende Geräte wie das Tempophon wurden verwendet, das mit einem rotierenden Tonkopf auf Tonband arbeitete und es ermöglichte, Aufnahmen zeitlich zu manipulieren (Time-Stretching). Es gab erste Versuche, mit Hilfe von Rausch- und Sinustongeneratoren additive Synthese und Sprachresynthese zu betreiben, und auch damals noch utopische Ideen wie das Morphing von Klängen entstanden. Viele ließen sich mit der verfügbaren Technik jedoch noch nicht zufriedenstellend verwirklichen. Einer der geistigen Väter des Kölner Studios, Werner Meyer-Eppler, gilt mit seinem Buch „Elektrische Klangerzeugung. Elektronische Musik und synthetische Sprache“ auch als Namensgeber der Musikgattung, zumindest im deutschen Sprachraum. Im Angloamerikanischen hieß sie von Anfang an „Electronic Music“.

In anderen Ländern war man ebenfalls nicht untätig. In den USA entstanden mehrere Institute, wie das Columbia Tape Music Studio (später wurde es zum Columbia-Princeton Electronic Music Centre). Gründungsmitglieder waren u.a. Steve Reich und Terry Riley, die die Minimal und Pattern Music entwickelten, bei der rhythmische und meist einfach gehaltene tonale Phrasen immer wiederholt und langsam variiert werden (repetetive Musik). Ein Stil, der durch Philip Glass zu einiger Popularität gelangte und Jahrzehnte später ein wesentlicher Bestandteil der Techno-Musik wurde.

Das Columbia-Princeton Electronic Music Centre (Quelle: 120years.net)

Am Experimental Music Studio der University of Illinois wurden bereits Computer für musikalische Aufgaben eingesetzt, zunächst nur für kompositorische Zwecke (z.B. die „Illiac Suite“), denn die Rechenleistung der damaligen Röhrengehirne war damals wirklich noch bescheiden. Aber die Grundlagenforschung an US-Universitäten führte zu für die EM wesentlichen Entwicklungen späterer Jahrzehnte wie z.B. der MIDI-Schnittstelle, der Sampling-Technologie oder der Frequenzmodulation.

In Frankreich richteten Pierre Schaeffer und Pierre Henry das Groupe de Recherches Musicales ein, ein Institut zur Erforschung und Produktion der Musique Concrete, die den Futurismus der 20er Jahre wieder aufgriff und nur mit manipulierten Aufnahmen von Geräuschen aus Natur und Technik arbeitete. Pierre Boulez und Luc Ferrari waren hier ebenfalls tätig, außerdem einer, der in den 70ern zu einem EM-Superstar werden sollte: Jean Michel Jarre.

Italien steuerte das Studio di Fonologia Musicale bei, England das BBC Radiophonic Workshop, aus dem der Soundtrack zur in den 60ern sehr populären TV-Serie „Dr. Who“ stammt, die Niederlande das Center for Electronic Music in Eindhoven und Japan das Nippon Hoso Kyokai.

Nach wie vor waren es zwischen 1945 und 1965 hauptsächlich die Vertreter der Neuen Musik und ihrer moderneren Spielarten wie der Musique Concrete, der seriellen Musik und der Minimalmusik, die elektronische Instrumente verwendeten. Bekannte Namen sind neben den oben genannten Iannis Xenakis, Herbert Eimert, Hans Ulrich Humpert, Arthur Honegger und Edgar Varese. Ein umfassendes Verzeichnis findet sich in der Linksammlung.

Der Verdienst dieser Komponisten an der Entwicklung der EM ist unbestreitbar, und viele ihrer Techniken gehören heute zur Musik wie die Butter zum Brot, z.B. die Einbindung und Manipulation von Geräuschen, die gezielte Steuerung der Klangfarbe, die Verwendung geräuschhafter Klänge oder das Arbeiten mit Plattenspielern. Sie beeinflussten auch direkt die Entwicklung neuer Instrumente, zum Teil waren sie sogar selbst Konstrukteure. Aber in der Unterhaltungsmusik spielten sie keine große Rolle, und oft war die Elektronik nur Mittel zum Zweck. Im Vordergrund standen eher komplizierte Kompositionstheorien, mathematische Verfahren und abstrakte Überlegungen.

Oskar Sala, Morton Subotnick, Edward Artemiev und mehr…

Die eigentlichen Väter der elektronischen Klangerzeugung des späten 20. Jahrhunderts sind Musiker wie Oskar Sala, Morton Subotnick, Edward Artemiev, Louis und Bebe Barron sowie Raymond Scott. Sie begannen, elektronische Musik als völlig eigenständigen Musikstil zu betreiben und ließen sich mehr von den faszinierenden Klängen ihrer Instrumente inspirieren als von kopflastigen Theorien.

Das erste rein elektronische Album: Soothing Sounds for Baby von Raymond Scott (Quelle: 120years.net)

Scott’s „Soothing Sounds for Baby“ (1963) und Subotnicks „Silver Apples of the Moon“ (1967) gelten als erste rein elektronisch produzierte Alben, und die erste vollständig elektronische Filmmusik wurde von Louis und Bebe Barron für einem Klassiker der Science Fiction geschaffen: „Forbidden Planet“ (1956, deutsch „Alarm im Weltall“). Die Barrons arbeiteten mit selbstgebauten Schaltungen und viel Tonbandgeschnipsel, leisteten also im Alleingang echte Pionierarbeit. Fußnote der Geschichte: Für die revolutionäre Filmmusik wurde ihnen eine Auszeichnung verwehrt. Die amerikanische Gewerkschaft der Filmmusiker (die echte, nicht die Typen mit Hut und Sonnenbrille aus „Blues Brothers“) setzte mit Hilfe eines Anwalts durch, dass es sich nicht um Musik, sondern nur um Töne handele. Ein Fall von kurzsichtiger Maschinenstürmerei, der leider symptomatisch für eine damals weit verbreitete Einstellung gegenüber der EM war. Die ungewohnten Klänge waren nicht jedermanns Sache, und der Automaten-Charakter der neuen Instrumente führte zu Vorurteilen (die Musiker könnten ja gar nicht spielen, sondern drückten nur Knöpfe usw.).

In den 60er Jahren war die Entwicklung der Technik soweit vorangeschritten, dass vielseitige Instrumente gebaut werden konnten, die jedoch experimentelle Einzelstücke waren, oft modular aufgebaut und aufgrund ihrer Größe auf den Studiobetrieb beschränkt, allerdings noch nicht mit dem Bedienkomfort der späteren Synthesizer. Vielmehr handelte es sich dabei um eine Zusammenstellung verschiedenster Geräte, die aus allen Bereichen der damals verfügbaren Technik stammten.

Der RCA-Synthesizer

Das Milan Electronic Music Studio (Quelle: 120years.net)

Der RCA-Synthesizer dagegen war schon fortschrittlicher und sogar programmierbar mittels gelochter Papierstreifen. Die Konstrukteure Harry Olsen and Herbert Belar versuchten auch, durch mathematische Analyse und computergestützte Variation populärer Stücke vermarktbare Musik zu produzieren, was aber an der damaligen Rechenleistung scheiterte (auch heute dürfte das noch ein eher schwieriges Unterfangen sein). Überhaupt entstanden viele Ideen überraschend früh, konnten aber lange Zeit nicht befriedigend umgesetzt werden. Die Technik war noch nicht leistungsfähig genug, kompliziert und schwer zu bedienen. Das sollte sich jedoch bald ändern, denn die Entwicklung der Transistoren machte rasche Fortschritte.

Der RCA-Synthesizer (Quelle: 120years.net)

Bob Moog oder der Quantensprung der elektronischen Musikinstrumente

In den 60er Jahren erfand bekanntlich ein junger Elektrotechniker namens Bob Moog den spannungsgesteuerten Synthesizer und verhalf der elektronischen Klangerzeugung damit zu einem Quantensprung. Das Revolutionäre daran waren nicht nur gut klingende Oszillatoren und Filter, sondern auch die einheitliche Steuerung der Parameter durch Spannung. Erst dieses Konzept ermöglichte die einfache Verknüpfung verschiedenster Module und damit bis dahin unbekannte Vielfalt beim Sounddesign und Kontrolle über den Klang. Die Synthesizer von Don Buchla mit der gleichen Technologie entstanden etwa zur selben Zeit, waren aber kommerziell nicht so erfolgreich

Robert Moog (Quelle: 120years.net)

Es fanden sich auch schnell Musiker, die sich der neuen Instrumentengeneration annahmen, z.B. Annette Peacock, der die Ehre gebührt, als erste Gesang mit einem Synthesizer bearbeitet zu haben, Don Preston, der später Keyboarder bei Frank Zappa wurde, und einige deutsche „Krautrock“-Bands, die eine andere Musik machen wollten als den Rock/Pop angloamerikanischer Prägung, darunter illustre Namen wie Kraftwerk und Tangerine Dream.

Moog Modular System 55

Switched-on Bach“ (1968)

Aber vor allem einem war es zu verdanken, dass Synthesizer  bald in aller Ohren waren: Walter Carlos mit seinem Album „Switched-on Bach“ (1968). Die Idee, klassische Musik eines allseits beliebten Komponisten rein elektronisch zu interpretieren, war schlichtweg genial, denn die ungewohnten Klänge fanden sich nun in einem vertrauten, gut hörbaren Kontext und so eine viel größere Akzeptanz als in experimentellen Machwerken. Auch war das Album sehr sauber produziert und enthielt keine geräuschhaften Klange, die bis dahin immer wieder Hörer vergrault hatten.

Wendy Carlos „Switched-On Bach“ 1968

Diese Scheibe war die Initialzündung für die weitere Entwicklung, die in den 70ern eine bunte Vielfalt an Stilrichtungen hervorbrachte. Davon wird der nächste Teil dieser Serie handeln.

Die Fortsetzung dieser Serie finden Sie HIER.

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