Workshop Modular Synthesizer: Pulsbreitenmodulation und mehr

Monophone Synthesizer waren das Beste, was Oxygéne und Equinoxe passieren konnte. Monsieur Jarre hatte keine Möglichkeiten, sich bombastischen Klangteppichen oder übertriebenen Leadsounds hinzugeben, ganz im Gegenteil. Er musste sich um jede Stimme, beinahe um jeden Ton, bemühen. Er bastelte seine Akkorde (von der Eminent Orgel oder dem frühen Korg Polyphonic Ensemble abgesehen) mühsam aus vielen Melodielinien zusammen. Und gesetzt den Fall, dass mit einigen Eminent-Streichern die Akkordwelt der Komposition tatsächlich ausreichend erschöpft war, musste das dennoch vorherrschende klangliche Vacuum erst durch interessante Hintergrundsequenzen oder kleine Melodiefetzen ergänzt werden. Ohne diese Vielschichtigkeit, ohne Überlagerung von Melodien zur Schaffung von Akkorden hätte es Oxygéne nie gegeben.

Die berühmte Laser-Harp triggert einen Elka Synthex-Sound. Obwohl das Instrument 8-stimmig ist, kommt es – wie hier – häufig nur monophon zum Einsatz

Polyphone Möglichkeiten boten sich nur im kleinen Rahmen. Die dürftigen Sounds aus Orgeln und String-Machines wurden mit Phaser noch etwas verschönert, und auch Yamahas CS-60 konnte seines wenig stimmstabilen Charakters wegen als polyphones Instrument sicher nicht wirklich punkten.

Was blieb, war das weite Feld der monophonen Klangerzeuger. Ob ARP-2600, EMS VCS3, AKS, Oberheim SEM oder andere Exoten – sie machten letztlich die Würze in der Suppe und die Musik zum Erfolg. Zwar ist Jean-Michel Jarre vielen seiner wichtigsten monophonen Weggefährten bis heute treu geblieben, doch ihr Einsatz änderte sich schon nach kurzer Zeit. Mit zunehmend polyphonen und modernen Synthesizern erledigten „große Kaliber“ (Fairlight, Elka Synthex, JD-800, u.a.) das Thema der Klangteppiche und Bombastik, während ARP-2600 & Co. fast ausschließlich nur noch als Effektmaschinen und für rhythmisch-impulsive Sequenzen verwendet wurden. So blieb eine gewisse, charakteristische „Hülle“ erhalten, doch der musikalische Inhalt – und damit der Gesamteindruck vieler neuerer Werke – war ein deutlich anderer…

Was hat dies nun mit dem Thema der Oszillator-Schichtung und dem Doepfer A-100 zu tun? Mehr als man denkt: Die Grundproblematik und der mögliche Lösungsansatz rund um „Monophonie als Baustein und Schlüssel zur echten Polyphonie“ sind gerade bei einem Modularsystem allzu deutlich vorhanden…

Monophonie als Basis zur ‚echten‘ Polyphonie

Es macht eben einen Unterschied, ob man 4-stimmige Akkorde auf einem polyphon ausgelegten Instrument (sagen wir einem Access Virus) greift, oder ob man mittels des A-100 Modularsystems 4 einzelne Tonspuren mit jeweils einer Stimme anlegt, die dann erst in Summe den gewünschten mehrstimmige

n Akkord ergeben.

Der Nachteil hierbei ist natürlich das deutlich umständlichere Handling. Man muss sich die einzelnen Tonlinien innerhalb der Akkorde erst überlegen oder gar notieren, jede Spur dann einzeln aufnehmen und schließlich alles mischen. Der Vorteil allerdings ist eben genau (!) diese Prozedur. So kann man im Zuge der Mehrfach-Aufnahme individuell jeder Stimme eine leicht geringfügig variierende Klangfarbe geben (oder sie gar mit völlig anderen Klängen besetzen), hie und da ein Vibrato einbauen, einzelne Spuren minimal höher/tiefer justieren (verstimmen), „nur“ der obersten Stimme – der Melodielinie innerhalb der Akkorde – ein schönes Delay verpassen, etc. Auch wird es – im freien Spiel – nicht gelingen, alle Stimmen wirklich rhythmisch exakt einzugeben – geringfügige zeitliche Verschiebungen innerhalb der Akkordtöne sind also garantiert. Doch gerade das ist ein wichtiges Wesensmerkmal der Musik! Je „natürlicher“ der Gesamteindruck ist, umso angenehmer und „interessanter“ ist das klangliche Geschehen. Das musikalische Resultat ist folglich nicht (nur) die Frage des Ideenreichtums eines Künstlers, sondern auch eine Frage der technischen Umsetzung! Und die beginnt im Bewußtsein, was Poly-Phonie in ihrem Kern wirklich bedeutet…

Der A-110 VCO als monophone Klang-Basis zur Polyphonie. Abbildung: Das (Frequenz) Range-Poti lässt sich über den markierten Bereich weiterschalten…

Es gibt in der Musiktheorie übrigens einen Begriff für jene Mehrstimmigkeit, die Wesensmerkmale von Mono- und Polyphonie in sich vereint. Man spricht von „Homophonie“, einer Sonderform der Mehrstimmigkeit, die vor ca. 450 Jahren rund um die Entstehungszeit der Oper in Mode kam und in der alle Stimmen denselben Rhythmus haben. Der Name leitet sich vom griechischen homophōnía „Gleichklang“ ab. Es ist eine Satztechnik, in der die Melodiestimme (die Gesangsstimme) führt, während die anderen Stimmen (Begleitinstrumente) dieser untergeordnet sind. Damit die Sprachverständlichkeit des Gesangs erhalten bleibt, müssen alle beteiligten Stimmen (Gesang und Instrumente) denselben Rhythmus haben. Auch vollgriffige und gleichzeitig gespielte Akkorde haben in vielen Fällen melodischen Charakter und erklingen genau genommen homophon. Doch wird der Begriff im modernen Musikjargon meist durch „Polyphonie“ ersetzt, auch wenn es nicht ganz korrekt ist…

Ein VCO – polyphone Musik?

Natürlich benötigt es NICHT mehrere (gleichzeitige) Stimmen, um mehrstimmige Musik machen zu können. Hier sei Klangbeispiel Nr. 13 quasi als Beweismittel empfohlen, das nur mit einem einzigen (!) A-110 VCO entstanden ist. Mehrspur-Aufnahmen machen es eben möglich. Sie sind heute sogar einfacher denn je und auf Wunsch kostenlos: Zum Einsatz kam hier die Audio-Freeware Audacity (daher wohl auch der eine oder andere Drop-Out).

So ist es – aus dem Blickwinkel der Musikpraxis – nur bedingt sinnvoll, Modularsysteme nach ihrer Größe, Komplexität oder nach Anzahl ihrer Module zu bewerten. Solche Fakten sagen letztlich nicht viel über das musikalische Endresultat aus. Es genügt bereits ein bescheidenes System mit einem (!) VCO, VCF, LFO, VCA und einer Hüllkurve. Schon damit lässt sich – mit Multi-Tracking – sehr respektable (und lebendige) polyphone Musik erzielen. Spezielle Module wie Ringmodulator oder das A-188-1 BBD Module (eines von Dieter Doepfers Lieblingsmodulen) erweitern die klanglichen Möglichkeiten natürlich um so mehr. Doch die Basis beginnt bei „einer“ gut geformten Stimme rund um VCO-VCF-VCA.

Egal, welche Art elektronischer Klangkunst man nun produziert, es lohnt sich auf alle Fälle, das Bewusstsein „eines gut geführten Tones“ (zumindest im Ansatz) gegen den unbedachten Einsatz polyphoner Klangteppiche auszutauschen. Muss nicht heißen, dass dies als Allheilmittel für musikalisch ansprechende Ergebnisse zu verstehen ist, doch macht es – selbst wenn man sich später wieder den vollgriffigen Akkorden oder Klangteppichen hingibt – im Kopf einen deutlichen Unterschied. Ein kleiner Denkansatz eben, dass gerade polyphone Musik ursprünglich „bei einer Stimme“ beginnt.

Die nachfolgenden Klangbeispiele der „Oszillator-Schichtung“ sind mit einer Minimalausstattung des A-100 Modularsystems entstanden: A-110 VCO, A-109 VC Signal Processor (nur 24 dB Filter), A-143-2 Quad ADSR (nur eine Envelope) sowie A-132-3 Dual VCA – unter Verwendung von Mehrspur-Aufnahmen. Es bedarf also nicht viel Aufwand, um ein großes Potenzial an Möglichkeiten selbst für polyphone Musik zur Verfügung zu haben.

Zur Realisierung ansprechender polyphoner Musik genügt bereits ein kleines Modularsystem…

Damit endet der Basis-Workshop rund um analoge Oszillatoren bzw. rund um den CEM-basierten High-End VCO A-111 sowie den Standard VCO A-110. Die Beiträge sollen im Ganzen aufzeigen, wie wichtig kleinste Gesetzmäßigkeiten der Physik – wie etwa die Schwingungseigenschaft der Schwebung – sind, dass ein Ton (häufig) de facto aus mehreren Tönen / Schwingungen besteht, welch unterschiedliche musikalische Klangbilder sich mittels Oszillator-Synchronisation erreichen lassen (je nach Art und Einsatz der Modulationsquelle), wie gut sich modulare VCOs als CV-Quelle im Studio eignen, über welch enormes klangliches Potenzial eine simple Pulswelle verfügen kann, und wie sich mit der Schichtung monophoner Linien hervorragende (und im wahrsten Sinne „echte“) polyphone Musik erzeugen lässt.

In den nächsten Folgen widmen wir uns den Hüllkurven.