Interview: Aly James zu VSDSX (Simmons) und VProm (Linn LM-1)

Abseits von den namhaften Majors hat ein ausgebuffter Typ namens Aly James, der weit mehr ist als nur ein Plug-in-Programmierer, einige extrem spannende Plug-ins auf den Markt gebracht. Darunter einen Digital-Klon der legendären Linn LM-1, aber auch des kultigen Simmons SDS-V Brains. Das Spannende daran ist, dass alle Software-Varianten nicht mit Samples arbeiten. Tatsächlich sind seine Plug-ins Reproduktionen der originalen Schaltungen – und das macht sie so spannend.

Und natürlich werden wir nach und nach seine außergewöhnlichen Plug-ins nun auch auf AMAZONA.de vorstellen und soviel sei verraten: Die Dinger sind einfach der Hammer. Heute möchte ich euch aber zunächst den Menschen hinter den Apps vorstellen, Aly James – oder wie er sich selbst nennt: AJ

Peter:
Hallo AJ, du hast mir geschrieben, dass du Autodidakt bist. In welchen Bereichen?

AJ:
Oh Mann, so ziemlich alles, haha! Ich bin der festen Überzeugung, dass man alles schaffen kann, wenn man voller Entschlossenheit ist und sich ins Zeug legt, vor allem, wenn man mit dem, was man vorhat, im Einklang steht, verstehst du?

Als ich noch ein junger Mann war, habe ich es mir zur Aufgabe gemacht zu lernen, wie man Instrumente wie Bass, Gitarre, Keyboards und Schlagzeug spielt. Als ich in den Groove des Musizierens eintauchte, begann ich auch mit dem Aufnehmen und Mischen herumzuspielen. Und dann wurde ich neugierig, wie diese Klänge überhaupt entstehen. Damals begann ich, mich mit den Feinheiten der Klangerzeugung auseinanderzusetzen und einen Blick hinter die Elektronik zu werfen.

Aly bei der Entwicklung eines Gitarren-Pedals

Ich habe angefangen, Gitarrenpedale zu bauen. Das hat mich direkt in die Welt der digitalen Signalverarbeitung (DSP) und Codierung geführt. Man könnte meinen, dass ich in diesem Bereich über eine fundierte Ausbildung verfügte, aber nein, meine formale Ausbildung war ziemlich dürftig.

Versteh mich nicht falsch, ich habe eine Menge Ressourcen, Bücher über DSP, Mathematik und Elektronik gelesen, aber das wahre Geheimnis bestand darin, mich kopfüber in jedes Konzept zu stürzen und auszuprobieren. Ich drehte und wendete die Dinge und ignorierte manchmal das Regelwerk, um wirklich ein Gefühl dafür zu bekommen, was vorsichging.

Und lass uns über das Internet reden. Es war ein Game-Changer. Ich meine, es war für mich wie eine riesige Bibliothek voller Goldnuggets. Von Schaltplänen bis hin zu wissenschaftlichen Arbeiten – es war eine Schatztruhe voller Wissen, nur einen Klick entfernt. Weißt du, es ist verrückt, wie anders die Dinge heute im Vergleich zu früher sind. Damals war es wie die Suche nach der Nadel im Heuhaufen, um an Informationen zu kommen. In letzter Zeit beschäftige ich mich sogar mit KI und nutze sie als Begleiter, um mein Forschungsspiel zu verbessern. Es ist, als würde ich meinen inneren Iron Man kanalisieren, mit einem Hauch von Jarvis-Magie.

Ich behaupte nicht, ein DSP-Guru, Musik-Wunderkind oder Wirtschaftsmogul zu sein. Nein, ich bin einfach ich selbst – ich nehme neue Informationen auf und verwende sie direkt. Ich habe immer das Gefühl, dass ich mein Spiel verbessern und nach mehr streben kann. Es geht darum, Musik, Wissenschaft und alles, was mir sonst noch einfällt, zu einer Art Superkraft zu verbinden.

Mein Gehirn ist wie eine Ideenfabrik auf Hochtouren, die links und rechts Konzepte produziert. Eine Idee zu haben, geht viel schneller, als sie umzusetzen, daher muss man sorgfältig auswählen, welche Idee man behalten möchte.

Peter:
Erzähle uns etwas über deine frühe Karriere als Musiker, Programmierer und Tontechniker.

AJ:
Meine Hintergrundgeschichte? Nun ja, meine Wurzeln waren ziemlich einfach – die Familie deckte nur das Nötigste ab, Essen auf dem Tisch, aber wir waren nicht gerade ein Clan von Intellektuellen, wenn du verstehst, was ich meine. Niemand in meiner Familie war Musiker oder interessierte sich für Wissenschaft, also habe ich mein eigenes Ding gemacht. Es war, als hätte ich mein eigenes Universum erschaffen und ich war immer begeistert, es mit jedem zu teilen, der bereit war, mir zuzuhören.

Damals drehte sich bei mir alles um die Manga-Kunst. Zeichnen war mein Ding. Und obendrein verspürte ich den Drang, zu tanzen und zu singen, was mich schließlich dazu brachte, Musik zu machen. Als Teenager liebte ich Funk-Musik – James Brown, Sly Stone, P-Funk und die modernen Legenden der Zeit wie Janet, Michael Jackson und Prince.

Damals begann ich, mich mit Bass, Gitarre, Keyboards und Schlagzeug zu beschäftigen und all diese verschiedenen Vibes zu erkunden. Mein Geschmack entwickelte sich wie eine Achterbahnfahrt – von der Anbetung von Gitarrengöttern bis hin zum Eintauchen in Jazz-Fusion, Hip-Hop und sogar einige experimentelle elektronische Spielereien.

Meine Reise begann mit der Rohausrüstung. Stell dir Folgendes vor: Ich lerne Bass, auf einer flotten Akustikgitarre zu spielen und schloss eines Tages meine erste E-Gitarre direkt an die HiFi-Anlage an. Sagen wir einfach, es war ein totales Durcheinander. Ich fand es urkomisch und augenöffnend, als ich dadurch die Fuzz-Verzerrung entdeckte. An den Wochenenden und nach der Schule habe ich Jams und Ideen auf einem 4-Spur Cassettenrecorder von Fostex aufgezeichnet und diese Mixtapes mit handgezeichneten Covern oder seltsamen Science-Fiction-Collagen aus den 70ern akribisch erstellt.
Während ich mein Spiel verfeinerte, kämpfte ich um mein erstes Multieffekt-Biest – einen BOSS SE-70. Ich habe das Baby mit dem Geld aus einem Ferienjob bekommen. Dieses Ding war wie ein Klangportal, das die Geheimnisse der Klangmanipulation enthüllte und meine Obsession für Effekte entfachte. Ich spielte mit Signalketten, drehte Knöpfe und formte Sounds. Ich hatte den SE-70 an jede Tonquelle geklebt, die ich finden konnte.

In seinem Funk-Element, Aly James

Im Laufe meiner ’20er-Jahre spielte ich in der lokale Musikszene. Bands gründen, Solo-Sachen machen – ich war voll dabei, habe es dann aber vorgezogen, alleine zu arbeiten, um schneller von Punkt A nach Punkt B zu gelangen. Ich habe sogar einen Vertrag mit einem örtlichen Studio abgeschlossen und meinen AKAI-Digitalrecorder für freie Studiozeit eingetauscht, wenn im Studio nichts los war. Ein wahrgewordener Traum – oder? Aber hey, es lief nicht alles reibungslos. Eines nachts löste ich versehentlich den Alarm im Studio aus – meine Ohren klingelten tagelang!

Die Zeit verging wie im Flug und ich ergatterte einen Job als Aufnahme-Sound-Experte in diesem Studio. Ich habe das praktisch ein Jahrzehnt lang an verschiedenen Orten gemacht, Musik gemacht, produzierte Tracks für lokale Bands, Hip-Hop-Crews, produzierte Werbung im Radio und Fernsehen und produzierte meinen eigenen Jam-Sessions.

Damals hatten wir alle große Träume und jagten dem Musikstar nach. Aber ich fing an, die Dinge anders zu sehen.

Der ganze Aufwand nur für kommerziellen Erfolg, das Verfolgen von Trends – das ging mir langsam auf die Nerven. Ich lehnte Geschäftsabschlüsse ab, die nicht zu mir passten und fand Trost darin, echte, authentische Dinge zu schaffen. Um die Dinge am Laufen zu halten, habe ich eine bahnbrechende Entscheidung getroffen: Ich habe die Musik vom Geld abgekoppelt. Dieser Schritt ließ mich die Musik so genießen, wie sie wirklich ist.

Von da ab ich übernahm Teilzeitjobs, einen davon als Landschaftsarbeiter und war umgeben von Pflanzen, frischer Luft – es war eine tolle Atmosphäre. Wenn man Freiheit hat, braucht man nicht viel. Dieser neue mentale Raum brachte mich dazu, mich mit Elektronik zu beschäftigen. Nach Jahren der Musik hatte ich das Gefühl, dass es dieses Neuland beim Verständnis von Klang auf einer tiefen Ebene gibt. Also stieg ich in die Elektronik ein, baute Audiospielzeuge und Gitarrenpedale – und wagte dann den Sprung in die digitale Dimension.

Digitale Werkzeuge veränderten das Spiel – weniger Fesseln, weniger Hardware-Drama und eine taschenfreundliche Möglichkeit, virtuelle Instrumente zu bauen. Also habe ich mich Schritt für Schritt mit dem Erlernen von DSP und C++ beschäftigt. Unterwegs begann ich, Utility-Plug-ins für mein persönliches Arsenal zu entwickeln. Und diese Reise? Das brachte mich dazu, das Aly James Lab zu gründen und Plug-ins und Effekte zu erfinden, die meine Musik- und Technikwelten wie ein Alchemist verbinden.

Peter:
Welche Musik hast du komponiert und produziert – und wann war das?

AJ:
Oh Mann, ich bin seit 1996 in diesem Spiel und habe Songs aufgenommen, die das gesamte Spektrum an Klängen abdecken. Manchmal habe ich für lokale Bands gejammt, mich mit Hip-Hop-Crews zusammengetan und sogar Radio- und Fernsehwerbung gemacht.
Lass uns nun über einen Wendepunkt sprechen: Ich wurde 2008 Vater, ich war 30. Es war wie ein neues Kapitel, ein Neuanfang, wenn man so will. Ungefähr zu diesem Zeitpunkt begann ich, die Vision zu entwickeln, dieses Aly James Lab-Konzept, das in meinem Kopf brodelte. Seitdem habe ich nicht mehr wirklich das Bedürfnis verspürt, meine persönliche Musik auf traditionelle Weise der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, das Musikgeschäft veränderte sich ohnehin. Mein Kick liegt darin, Musik zu machen und nicht nur Tracks zu veröffentlichen.
Musik, Mann, es ist wie eine geistige Verwirrung und eine Seelenreinigung zugleich. Es ist wie ein geistiger Zauberwürfel, der einfach einrastet. Schallwellen wirken auf Körper und Geist. Niemand bringt Babys das Tanzen bei, aber sie tanzen trotzdem, wenn sie Musik hören – oder? Ich bin fest davon überzeugt, dass jeder die Möglichkeit haben sollte, Musik zu genießen, weißt du? Was mich betrifft, ich habe endlos an Jams herumgebastelt und meine Fähigkeiten verbessert.
Meine Musikausbildung kam aus vielen Quellen, aber dieser Funk-Kern? Das ist mein Herzschlag, mein Groove. Dieser flippige Geist dringt in alles ein, was ich berühre. Mir geht es um diesen rohen, ungefilterten Rhythmus, bei dem die Seele des Künstlers die Oberhand gewinnt. Und weißt du was? Für mich geht es vor allem darum, die Ausreißer und Pieptöne, die kleinen Macken einer Aufnahme zu akzeptieren. Diese Unvollkommenheiten? Sie sind Teil der Geschichte, die erzählt wird. Ich bin zweifellos der One-Take-Typ.
Aber hier ist der Deal: Obwohl ich in letzter Zeit kein vollwertiges persönliches Projekt aufgegeben habe, habe ich es mit Demos für meine Plug-ins gemacht. Du kannst dir diese auf SoundCloud anhören.

Posing AJ

Peter:
Konntest du als Komponist und Musiker von deinem Einkommen leben?

AJ:
Oh, du tauchst jetzt in die Realität ein. Hier also die Zusammenfassung: Es gab Momente, in denen mein Musikgeschäft die Rechnungen deckte, aber es ist wie eine Achterbahnfahrt – durchgehend Höhen und Tiefen. Die Sache ist, sich auf lange Sicht ausschließlich darauf zu verlassen? Das ist eine ganz andere Herausforderung. Ja, ich hatte den Anflug von Erfolg, als meine Musik an den richtigen Stellen landete, aber davon, meinen Lebensunterhalt gut zu verdienen? Es ist, als würde man ein sich bewegendes Ziel verfolgen. Es wäre möglich gewesen, versteh mich nicht falsch, aber es ist wie ein ununterbrochener, ständiger Trubel und Networking. Und seien wir ehrlich, ich war nicht gerade der König des Networkings. Jeder hasst Networking, ich hasse es nur noch mehr.

Peter:
Wie genau verlief dein Einstieg in die Welt des Programmierens und Chiptunings?

AJ:
Ah! Das ist war eine wilde Fahrt. Stell dir folgendes vor: Ich hatte diesen verrückten Traum, den epischen Sound meiner Kindheitsspielkonsole nachzubilden – der SEGA Genesis oder der SEGA Megadrive, je nachdem, wo du dich gerade befindest. Es hatte diesen knorrigen FM-Synthesizer-Chip namens YM2612, der diese funkige, einzigartige Stimmung ausstieß. Also bin ich in das Kaninchenloch der FM-Synthese vorgedrungen, habe den Code hinter der Magie dieses Chips geknackt und war begeistert. Meine Vision? Es hatte zwei Geschmacksrichtungen: Erstens wollte ich den Sound genau treffen, aber mit meiner eigenen Note.

Zwei Jahre später habe ich mein allererstes Plug-in entwickelt, das FMDrive. Ich glaube, das war 2013. Mann, das war ein persönlicher Meilenstein. Ich saß da mit einem Plug-in, das für meine Ohren reines Klanggold war. Aber verstehest du das – ich hatte nicht vor, es wegzuschließen. Ich habe eine Reihe von Musikdemos erstellt und beschlossen, sie zu veröffentlichen, allerdings mit einer Wendung. Anstatt eine Schiffsladung zu verlangen, war der Preis sehr niedrig. Und Alter, es ist losgegangen wie eine Rakete. Es wurde zum Tor zu den Chip-Musik-Vibes, ohne dass man einen Doktortitel in Chip-Tuning brauchte. Ich habe sogar Requisiten vom legendären Yuzo Koshiro bekommen – das war eine Reise!

Und das ist nicht alles. Ungefähr zur gleichen Zeit habe ich das Super PSG-Plug-in eingestellt. Es drehte sich alles um den Soundgenerator-Chip SN76489 von Texas Instruments – die Rede ist von Arcade-Spielen, Heimcomputern und Konsolenmagie. Ich habe es aufgeschlagen, um es zusammen mit FMDrive zu rollen und der Mischung das gewisse Extra zu verleihen. Ich war verrückt danach, diese Chips zu treiben, um in Echtzeit atemberaubende Klänge zu erzeugen, wie bei einem richtigen Instrument.

Das war der Moment, in dem mein Weg von diesem wilden Pfad der Plug-in-Erstellung abwich. Und die geheime Soße? Es geht um Werkzeuge, die ich auch selbst nutzen würde, Dinge, die mich auf einer tiefen Ebene ansprechen. Wenn auch andere damit einverstanden sind, dann ist das nur das Sahnehäubchen.

Von da an war es eine Reise, Mann. Ich habe mir alle möglichen Plug-ins ausgedacht, von denen einige immer noch im Schatten liegen. Es ist wie eine Suche nach klanglicher Erkundung, bei der jedes Projekt neue Türen des Wissens öffnet. Und um eines klarzustellen: Das ist kein normaler 9-to-17-Gig. Ich habe im Aly James Lab das Sagen und leite die Show alleine. Es mag anstrengend klingen, aber ich erlaube mir die Freiheit, zu stolpern und mich zu drehen, wenn ich muss.

Vom Brainstorming von Konzepten über das Knacken von DSP-Codes bis hin zum Erstellen von Visuals, dem Zähmen von Websites, dem Erstellen von Handbüchern, dem Durchhalten an der Support-Front, dem Erstellen von Musikdemos und der Rolle als Big Boss der gesamten Operation – Mann, das ist ein Jonglierakt. Es liegt nicht nur an der Technik, sondern auch am geschäftlichen Trubel. Mit jedem Tag lerne und verbessere ich mich und verfeinere diesen Prozess mehr und mehr.

Ach ja und übrigens, ich mache immer noch nicht den ganzen Werbe- und PR-Zirkus mit. Wahrscheinlich haben viele Leute noch nichts von mir in der Presse gehört, es war immer nur das Gehör. Diese Interviewsache ist für mich irgendwie neu. Nenn mich verrückt, aber das ist einfach meine Art, Mann.

Peter:
Seitdem hast du eine ganze Reihe verschiedener Plug-ins veröffentlicht. Bitte gib uns einen Überblick.

AJ:
Schnall dich an, denn ich habe einige echte Klangjuwelen erschaffen. Als Erstes haben wir VProm – eine perfekte Emulation der legendären Linn LM-1 Drum-Machine-Sounds. Aber das ist keine gewöhnliche Replikation. VProm geht tiefer und fängt die Seele der LM-1-Hardware selbst ein. Du kannst daraus eine Linndrum oder ein Oberheim DMX formen oder es einzigartig machen, das ist Vintage-Chip-Gold. Dieses Biest verfügt über einen emulierten DAC mit variabler Abtastrate pro Sound und modulierte Filter – das ist ein ganz anderes Maß an Authentizität. VProm hat Fans auf der ganzen Welt. Warum? Weil es benutzerfreundlich ist und die Leute zweifellos die Einfachheit schätzen. Es wird nicht nur in Home-Studios verwendet, vielen Legenden aus der Funkmusikszene von Minneapolis und sogar dem neuen Jack-Swing-Maestro Teddy Riley nutzen es und haben Gefallen daran gefunden! Sogar Doktor Fink, der erste Keyboarder von Prince, spielte ein Solo auf einer der Musikdemos für mein VProm ein. Aber schau, ich bin begeistert, solange meine Sachen Inspiration auslösen, wer auch immer es sein mag.

Dann folgte VSDSX, meine Interpretation des klassischen Simmons SDS-V-Drum-Brains. Diese Drums haben die 80er-Jahre definiert, Mann – diese ikonischen sechseckigen Kits mit analogen Synthesizer-Vibes. VSDSX ist das einzig Wahre, ein virtueller analoger Drum-Synthesizer, der deine Beats zum Hüpfen bringt. Und es basiert nicht auf Samples, oh nein. Bei diesem Ding dreht sich alles um die Klangformung in Echtzeit und es enthält ein neues Update, um die Klangmagie noch weiter zu steigern. Dein Spiel hat direkten Einfluss auf den Klang und du hast dabei die volle Kontrolle über jeden Parameter. Es ist wie ein scheußliches Schweizer Taschenmesser für dein Drumset.

Dann gibt es noch OB-Xtreme, meine Hommage an den Oberheim OB-X. Dies begann als Nebenprojekt, ein kleines OB-X, wenn man so will, entwickelte sich aber zu einer vollwertigen OB-X-Emulation. Dieses Plug-in hat den düsteren, rauen Vibe perfekt im Griff. Acht Stimmen und ein CPU-Killer 8×8 polyphoner Unisono-Modus, Echtzeit-Action – es ist ein analoger Spielplatz direkt in deiner DAW.

Und noch einer:  Schaut euch Elastic Bender EL-2 an, mein abgefahrenes virtuelles dynamisches Pitchbender-Pedal. Denk an Auto-Wah, aber für die Tonhöhe. Es hat das klassische Pitch-Shifter-Mojo, aber mit dynamischer Modulation, das von deinem Input gesteuert wird.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass es bei meiner Reise darum ging, Plug-ins zu entwickeln, die die Seele ikonischer Ausrüstung einfangen und ihnen gleichzeitig eine moderne Note verleihen.

Peter:
Wäre es nicht einfach gewesen, Hunderte von Samples aus einem Simmons SDS-V zu erstellen und sie dann in ein Plug-in zu packen?

AJ:
Oh, das würde man doch denken, oder? Aber Moment – so einfach ist das nicht. Die Simmons SDS-V-Drums sind wie eine Symphonie sich bewegender Elektronen – Oszillatoren, Filter, Modulatoren, Hüllkurven und vieles mehr, die alle harmonisch zusammenspielen. Bei VSDSX geht es nicht nur um die Sounds selbst, sondern auch um die gesamte Schaltung und den Vibe. Die wahre Magie liegt darin, sowohl die Sounds als auch die Art und Weise, wie alles verkabelt ist zu optimieren. Es ist, als würde man in die Maschine hineinsteigen, die Gänge einstellen und sie nach ihrem Geschmack tanzen lassen.

Denk mal darüber nach: Der Versuch, all das Gute in Samples zu stopfen, käme einer Lagerraum-Apokalypse gleich. Wir reden von Gigabyte über Gigabyte, wofür?

Der Punkt ist, die Simmons-Drums sind durch analoge Synthese entstanden. Bei VSDSX geht es darum, diesem Erbe treu zu bleiben. Es geht darum, die Seele der Original-Hardware zu umarmen und ihr eine digitale Note zu verleihen, die so real ist, wie es nur geht. Ich denke, so hält man die Stimmung aufrecht.

Peter:
Soweit ich gesehen habe, kann man im VDSX keine Presets aufrufen, um die verschiedenen Simmons Brains zum Leben zu erwecken.

AJ:
Du hast Recht und hinter diesem Ansatz steckt eine bewusste Begründung. VSDSX basiert hauptsächlich auf SDS-V und dieser böse Junge hatte nur 3 Basis-Presets pro Modul, das vierte war ein Benutzer-Preset, daher bestand die Designphilosophie und der Geist der Original-Hardware darin, Musiker einzuladen, sich ins Detail zu stürzen und sich selbst etwas auszudenken, eigene Signature-Sounds.
Stell dir das VSDSX wie ein erweitertes SDS-V vor, das Teile von SDS3, SDS7 und SDS1 enthält, ohne eine direkte Emulation von SDS 1, 3 oder 7 zu sein. Außerdem habe ich optionale Funktionen eingebaut, die nicht direkt auf der OG-Ausrüstung verfügbar sind.

Peter:
Gibt es heute noch eine Nachfrage nach den typischen Simmons-Sounds? Oder kaufen Vintage-Liebhaber dein Plug-in nur aus nostalgischen Gründen?

AJ:
Klar, Vintage-Liebhaber können dem Ruf der Nostalgie nicht widerstehen – das ist klar. Aber rate mal, es ist mehr als nur eine Reise in die Vergangenheit.

Peter:
Welche Produkte können wir als nächstes von dir erwarten?

AJ:
Vieles kocht, brodelt vor sich hin …
Obwohl ich noch nicht alle Details verraten kann, gebe ich gerne einen Vorgeschmack auf das, was kommt.
Erwarte zunächst die übliche Dosis an Updates und Upgrades mit einem anhaltenden Fokus auf die Bereitstellung authentischer und einzigartiger Klangerlebnisse, die die Lücke zwischen Vintage-Hardware und modernen Produktionsanforderungen schließen.
Derzeit habe ich alle Hände voll zu tun mit sechs laufenden Projekten.

Ich kann zwei verraten, die anstehen:
1) Die bevorstehende Veröffentlichung von ClapTrap 2, einem speziellen Plug-in, das die legendären ClapTrap-Konzepte von Simmons aufgreift und erweitert. Dieses Plug-in erfasst die Essenz der Erzeugung von Vintage-Clap-Sounds, sowohl analog (MK1) als auch digital (MK3). Wir sprechen von Vintage-Clap-Sounds, sowohl analog als auch digital, alles in einem saftigen Paket.

2) Als nächstes kommt der Syncussion SY-4X, dieser ist für echte Drum-Synthesizer-Fans. Ich nehme den legendären Pearl Syncussion SY-1 und drehe ihn auf elf. Ich liebe die Syncussion, aber der 4X-Mann. Es ist, als hätte man vier Syncussion-Einheiten in ein Biest verwandelt, 8 Kanäle, komplett mit mehr Modulationsmodi und anderen raffinierten Überraschungen.

Zu guter Letzt arbeite ich an meiner längst überfälligen persönliche Variante des mächtigen Fairlight CMI IIX namens SamPlight. Der soll in naher Zukunft das Licht der Welt erblicken. Wenn es um SamPlight geht, verzichte ich darauf, irgendwelche Veröffentlichungstermine festzulegen. Dieses Projekt hatte eine Menge Wendungen und ich werde keine Versprechungen machen, die ich nicht halten kann. Ich habe aus der Vergangenheit gelernt und wenn ich dieses Mal einen Termin ankündige, können deine musikbegeisterten Ohren darauf wetten, dass es ein echter Hammer wird.

Peter:
Vielen Dank AJ für deine tollen Produkte, deinen unermüdlichen Einsatz und dieses schöne Interview. Wir wünschen dir viel Erfolg für die Zukunft.