Ratgeber: So wird deine Musikproduktion besser

Kennt ihr das? Ihr sitzt mit eurer akustischen Gitarre auf der Couch. Ihr klimpert. Ziellos, aber immerhin – und plötzlich habt ihr eine Idee. Eine bestimmte Akkordfolge oder Melodie, die euch gelingt, hat es euch angetan. Ihr steht auf. Merkt euch das Motiv, schleppt euch in euer kleines, privates Studio, nehmt die E-Gitarre in die Hand, fahrt alles hoch, und …

Nix.

Rein gar nichts passiert. Ihr spielt das Motiv erneut, aber diesmal fühlt es sich anders an. Irgendwie nicht richtig. Ihr nehmt es auf, aber es scheint, dass das gesamte kreative Momentum euch abhanden gekommen ist vom Weg von der Couch und bis alles hochgefahren und ready to go ist. Es gibt wenig, was als Musiker mehr frustriert als das: einen Impuls zu haben, ihm sogar im ersten Augenblick zu folgen – nur um ihn im nächsten Moment wieder zu verlieren. Ich habe in den letzten Wochen viel darüber nachgedacht, warum das so ist. Denn tatsächlich war ich in meinem Homestudio umgeben von Pedals, Gitarren und Synthies – bis ich vor ein paar Wochen eine Umstellung wagte. Es dämmerte mir nämlich langsam, dass hier ein Zusammenhang besteht: zwischen dem Instrumentarium und der Ideenfindung, der Inspiration und der Ideenumsetzung. Warum fühle ich, obwohl ich ein Arsenal an Tools und durchaus auch Ideen habe, so oft ohnmächtig, wenn es an die Umsetzung besagter Ideen geht? Ich stellte mir die einfache Frage: Wie werde ich als Musiker nicht kreativer, sondern produktiver?

Produktivität bei Kunst – und das Gear Aquisition Syndrome

Nun stellt sich natürlich die Frage: Muss ein Künstler/Musiker produktiv sein? Das kommt natürlich immer auf den eigenen Anspruch an. Aber ich wage mal zu behaupten: Die meisten sind nicht so produktiv, wie sie es gerne wären. Woran liegt das? Einer der Hauptpunkte meiner Meinung nach: die Auswahl.

Egal, wo wir hingehen, werden wir von einer Auswahl an Produkten regelrecht erschlagen. Sei es die Auswahl an Shampoos, an Cornflakes, an Hosen oder Klamotten überhaupt, Tiefkühlpizzen oder Rasiercremes. Der Journalist Richard Reeves hat beim Guardian 2019 einen tollen Artikel namens „Starbucks v Dunkin‘: how capitalism gives us the illusion of choice“ rausgehauen, den ich zu dem Thema nur jedem empfehlen kann. Was das mit dem Musizieren zu tun hat? Nun – auch der Markt für Musikequipment ist erschlagend. Egal, in welche Ecke du blickst – Kopien von Kopien von Kopien umgeben uns. Das ist per se nichts Schlechtes – es treibt Innovation an. Wettbewerb brachte den Kemper und Chase Bliss Audio hervor. Aber es gibt so viele Overdrive-Pedale, Fuzz-Maschinen, Jazzmaster-Neuauflagen, Modeling-Hyperspeed-Boards und Grooveboxen, die einen Riss ins Zeit-Raum-Kontinuum leisten können, dass man manchmal nicht weiß, wo einem der Kopf steht.

Vor Kurzem geriet ich in einer Facebook-Gruppe einer recht bekannten Pedalfirma in einen kleinen Shitstorm. Ich bin seit Jahren in der Gruppe und stellte fest, dass die Boards immer größer, die MIDI-Verkabelungen immer komplexer und die Pedalauswahl immer obskurer wurde. Monat auf Monat auf Monat folgten neue Boards. Doch in all der Zeit teilte fast niemand Musik, die er oder sie mit diesen Schlachtschiffen produzierte. Also fragte ich: „Leute, wo ist die Musik? Wir bauen hier Boards zum Preis eines Kleinwagens, aber zu hören bekommen wir nichts von niemandem.“ Dafür wurde ich angegangen – verständlicherweise. Immerhin ist das eine Pedalgruppe, keine Share-your-music-Clique.

Doch in meinen Jahren als semiprofessioneller Musiker ist mir dieser Zusammenhang immer wieder aufgefallen: Musiker, die sehr, sehr viel Equipment um sich anhäufen, produzieren vergleichsweise wenig Musik. Und einer der produktivsten Musiker, die ich persönlich kenne, besitzt eine abgegriffene Telecaster, einen Fender Blues Junior und einen Roland TR-08. Viel mehr hat der Gute nicht. Viel mehr braucht er nicht. Also – was geht hier vor sich?

Wie du als Musiker professioneller & produktiver wirst

Unser Mann Simon Schneid hat hier einen hervorragenden Beitrag zum Thema Gear Aquisition Syndrome geschrieben. Und erst Anfang des Jahres machte diese Fresh News die Runde, die aufzeigte, welche hässlichen finanziellen Folgen G.A.S. so haben kann. Doch mir geht es hier nicht um das Syndrom per se – die Kaufsucht von Equipment ist ein eigenes Thema. Mir geht es um das Verhältnis von Equipment und Produktivität – und die Tatsache, dass beides zum Teil in einem negativen Verhältnis steht.

Denn auf dem Papier sollten uns diese Tools eigentlich entfesseln. Das, was heutzutage in einem Hobby-Studio steht, wäre für einen Produzenten in den 70ern unvorstellbar gewesen. Was man mit ein paar Behringer, einem Harley Benton Bass und ein paar Volcas theoretisch produzieren kann, ist eigentlich unermesslich. Und trotzdem befinden sich in meinem Umkreis Musiker, die seit Jahren nichts mehr Vernünftiges produzieren oder aufnehmen, obwohl sie sich allwöchentlich mit neuem Equipment zudecken. Sie schwadronieren über die neuen Features, Soundkapazitäten und -fähigkeiten ihres Synthies, aber sobald die Sprache auf Musik kommt, wird ausgewichen.

Nun muss der Vollständigkeit halber gesagt werden: Ich kenne Musiker, die trotz vielen Equipments irre produktiv sind. Doch ich lehne mich jetzt mal ganz weit aus dem Fenster und wage zu behaupten: Die sind in der Minderheit. Tatsache ist: Unsere Zeit ist begrenzt. Die Woche hat nur sieben Tage, ein Tag hat vierundzwanzig Stunden, und jeder hat eine Menge zu tun. Wenn man gerade nicht zu 100 % von Musik lebt, frisst es natürlich wesentliche Zeit, wenn man nichts weiter tut als Gebrauchsanleitungen zu lesen. Das mag arg reduktionistisch anmuten, aber es entspricht meiner eigenen Erfahrung: Ich weiß nicht, wie viele Stunden ich damit zubrachte, MIDI-Boards zusammen- und wieder auseinanderzubauen, ohne einen Track mit ihnen aufgenommen zu haben. Eben weil ich mir den Kopf darüber zerbrach, warum dieser CC-Befehl bei Pedal X einen Bypass triggerte, obwohl die Kanäle getrennt waren. Kreativer wurde ich so nicht. Produktiver mit Sicherheit auch nicht. So habe ich mit der Zeit realisiert: Die Tools, die meine Kreativität eigentlich entfesseln sollten, erstickten sie im Keim.

Tipps & Tricks für mehr Produktivität als Künstler und Musiker

Es wäre mir jetzt ein leichtes, euch herkömmliche „Produktivitätstipps“ an dieser Stelle zu geben. Und die sind per se nicht verkehrt – es gibt ein paar grundlegende Gedanken, die man sich zu seinem eigenen Schaffensprozess machen sollte:

Disziplin & Zeitmanagement – oder warten auf die Muse?

Ein großes Thema ist und bleibt hierbei die liebe Muse. Ganz ehrlich? Ich glaube nicht an die Muse. Ich persönlich sehe mich inzwischen (!!!) als relativ produktiven Künstler, aber das auch erst, seit ich mich von der Idee verabschiedet habe, auf Inspiration warten zu müssen. Setzt euch feste Zeiten – und auch wenn es widersprüchlich klingt: Nehmt die Emotionen erstmal raus.

Ich bin nämlich davon überzeugt – auch wenn wir es nicht realisieren, wir stecken bis zum Hals voll mit Ideen. Jede und jeder einzelne von uns trägt so viele in sich, dass es einen selbst erstaunen kann. Doch die Aktivierung dieser Ideen ist das Schwierige. Und zu warten, bis einen die Muse küsst, eure Künstlerlibido euch in einem gewaltigen Sturm überkommt und abholt – das passiert selten. Ihr solltet euch lieber auf Tennis mit der Künstlerlibido einstellen – macht Termine aus, und schlagt die Bälle so lange hin und her, bis sich etwas entzündet.

Das richtige Projekt aussuchen – und alte Ideen ruhen lassen

Ernest Hemingway sagte mal: In order to grow, you have to kill your darlings. Wir alle haben diesen einen Song – oder Songs – dieses eine Projekt bei uns in der Library, an dem wir seit Jahren arbeiten, ohne dass es fertig wird. Ich plädiere nicht dafür, die Arbeit an einem solchen Ding in die Tonne zu kippen. Doch oft ist die Arbeit an diesen Mammutprojekten vordergründig eins: ein Lernprozess. Und der Output dieses Lernprozesses ist oft per se nicht sonderlich großartig. Aber ihr habt was gelernt – und das war der wirkliche Gewinn. Jetzt muss man nur ehrlich zu sich selbst sein: Ist es diese Idee wert, auf eigenen Füßen zu stehen? Oder war sie viel mehr ein Vehikel, um zu lernen, wie man verzerrte Gitarren angemessen mixt oder die Vangelis Atmosphäre einfängt?

Als Musiker Prioritäten setzen – und sich nicht in Details verlieren!

Wenn du nur wenig Zeit hast, musst du eine Entscheidung treffen: Was ist wichtig, was nicht? Die richtige Fokussierung spielt hier eine Rolle – und ein Blick auf die 80/20-Regel, die davon ausgeht, dass 80 % aller Ergebnisse durch 20 % der Maßnahmen erzielt werden. Entscheidet euch für das Richtige. Wichtig hierbei: Blockiert euch nicht durch die zu starke Fokussierung auf Details – vor allem zu Beginn!

Man kann Tage auf der Stelle treten, weil man einen perfekten Crunch-Sound sucht, die perfekte Kick oder Snare und landet in einem Tunnel. Lasst das! Findet Platzhalter, die taugen, die euch von A nach B bringen und vertagt die Perfektionierung auf einen späteren Tag, wenn das Projekt fortgeschritten ist.

Produktivität als Musiker – welche Rolle spielt das Gear?

Eine große, zweifelsohne. Das hier ist nicht zwangsläufig ein Appell dafür, sich weniger Gear zu kaufen oder das, was man hat aus dem Fenster zu schmeißen. Nein – viel mehr geht es darum, sich für das richtige Gear zu entscheiden, das einem im Prozess wirklich zuarbeitet und hilfreich ist. Da muss man ehrlich mit sich selbst sein: Fördert dieses Glitch-Pedal meine Kreativität oder habe ich es mir wegen G.A.S. gekauft? Bin ich kreativer und arbeite ich an Ideen dank dieser Box mehr und fleißiger – oder verliere ich mich einfach in Soundscapes und gut ist? Nichts gegen Soundscapes. Ich selbst liebe es, meinen Count to Five durch ein paar Meris-Pedale zu jagen und so Zeit zu verbringen. Aber wer wirklich produktiver sein will, muss sich ehrlich fragen: Reicht mir das? Ist das wirklich die beste Verwendung meiner Zeit?

Deshalb möchte ich an dieser Stelle nochmal auf meine eigene Erfahrungen eingehen. Mein eigenes kleines Studio bestand aus einem Kemper, zahlreichen Plug-ins, Amp-Abnahme für Vintage-Fuzz-Sounds sowie ein paar Moog Desktop-Synthies. Immer und immer wieder habe ich die Erfahrung gemacht: Bis ich alles hochgefahren habe, bis ich mich für den Amp entschieden habe, die richtigen Plug-ins geladen habe, mir darüber im Klaren werden muss, an welcher Passage der Laney samt Beetronics Fuzz zum Einsatz kommt, vergehen manchmal Stunden – und mein Drive ist zum Erliegen gekommen. Was dann oft folgte, waren frustrierende Stunden, bei denen ich nicht so richtig wusste, wohin ich eigentlich kreativ treibe. Man probiert sich aus, nichts zündet, nichts funktioniert. Ich hatte doch gerade eine ziemlich gute Idee, die sich in meinem Kopf hervorragend anhörte. Also, wo ist das hin?

Der Aha-Effekt kam mir, als ich eines Abends in meinem Bett lag und durch meine Fotos und Videos scrollte. Dabei fiel mir auf, dass ich unzählige Clips von mir beim Riffen aufgenommen habe: Einfach nur mit meiner Charvel, an meinem Yamaha THR Übungsamp, aufgenommen mit Handy. Ganze Songs waren da hinterlegt, Riffs, Schnipseln und Ideen – eine kleine Bibliothek. Mir war das Ausmaß gar nicht bewusst. Ich konnte also produktiv sein! Tatsache ist: Ich war mit Gitarre + Übungsamp wesentlich produktiver als mit Kemper und Heimstudio. Das waren eine ordentliche Erkenntnis, die umgehend dazu führte, dass ich meinen eigenen Prozess überdachte.

Ich nahm die Dichte raus, die Überfrachtung an erschlagenden Optionen, an Variablen, die mich vom Pfad abbringen könnten. Ich senkte meinen Anspruch auf Perfektion herab. Wichtiger wurde es, die Ideen rauszukriegen, anstatt mich ständig zu bewerten, zu überprüfen und meine Ideen damit im Keim zu ersticken. Ich verkaufte Equipment, kaufte anderes neu, verschlankte das Ganze, mit einem einfachen Ziel: den Weg vom Impuls bis zur Aufnahme so kurz und gering wie möglich zu halten. Mein aktuelles Setup? Gitarre -> Quad Cortex -> DAW. Und fertig. Pedale werden zur Hand genommen, wenn die Lust da ist. Oder wenn es an das Garnieren von Ideen geht. Aber ich will verdammt sein, wenn ich nochmal Jahre damit zubringe, mich in Equipment reinzuarbeiten, mit dem ich am Ende maximal fünf bis zehn Minuten Musik insgesamt produziere.

An dieser Stelle ein Schlusswort von Trent Reznor, aus einem Interview mit dem Fader Magazin im Jahre 2013:

When I see what’s accessible today, just on a laptop, even in just GarageBand or on your iPad, the scope of sound design and compositional tools—fuckin kids are spoiled today! There’s a limitless amount of shit you can do with that stuff. But back then, you didn’t look at it like, I can only make one sound at a time. When you invested in that piece of gear, you—or at least I—spent years learning every trick you could learn with that thing and exploring it to its fullest. Today, it’s kinda like the consumption of music: you have access to so much, and I think people rarely spend as much time as they used to getting what they can out of it.

Muss ein Künstler produktiv sein? Nicht unbedingt. Aber es macht mehr Spaß. In diesem Sinne also:

Sure, buy cool shit.

But make sure to make cool shit with it.