Feature: Spielen in einer Band – Tipps und Tricks für angehende Musiker

Elektromusiker werden über den folgenden Artikel wahrscheinlich des Öfteren ein Schmunzeln über ihre Lippen huschen sehen, behandelt er doch einen Bereich, welchen der Fortschritt der Technik eben gerade selbige Künstler dazu befähigte, unter Zuhilfenahme von DAWs etc. alle Frequenzbereiche alleine abzudecken, die es für eine unterhaltsame Audiodarbietung benötigt. Ich erinnere mich noch gut, wie ich vor ca. 25 Jahren auf dem Höhepunkt des Eurodance mit dem Produzenten eines sehr erfolgreichen deutschen Projektes und seines Kumpels zu Abend aß und eben jener Kumpel mich fragte, was ich musikalisch mache. Auf eine kurze Erklärung meinerseits folgte seinerseits die Phrase, welche mich mein Leben lang begleiten sollte: „So richtig mit Mucke?“ Es bedurfte meinerseits mehrerer Nachfragen, was er mit diesem Satz meinte und erst nach mehreren Minuten wurde mir klar, dass der Herr „Produzentenkollege“ sich gar nicht vorstellen konnte, abgesehen von wenigen internationalen Superstars, monetär erfolgreiche Musik noch in einer klassischen Bandkonstellation umzusetzen. Die damaligen Charts hatten noch eine Bedeutung und gaben ihm in der Tat recht. Von daher die Frage, braucht es heutzutage noch eine Band, um produktiv Musik zu machen?

Warum überhaupt eine Band?

Um sich das Konstrukt einer Band vor Augen zu führen, muss man auch hier in die Vergangenheit springen, um sich die Entwicklung des „Kapellenstatus“ vor Augen zu führen. Bevor die Verstärkermanufakturen Ende der 40er- Jahre anfingen, zunächst Gitarristen und später auch Bassisten in ihrer Wahrnehmung hervorzuheben, fristeten beide Instrumentengattungen ein trauriges Dasein innerhalb der Big Bands seiner Zeit. Die Lautstärke eines Instruments richtete sich damals ausschließlich nach seiner natürlichen Lautstärke und in diesem Segment hatte niemand eine Chance gegen das Blech. Noch heute sind faktisch alle Blechbläser im Orchestergraben mehr oder minder taub, sofern sie nicht mit Gehörschutz gespielt haben.

Die stete Weiterentwicklung der Verstärkertechnik ermöglichte es dann in relativ kurzer Zeit, dass nicht mehr eine Big Band Orchesterwand zur Beschallung einer Halle benötigt wurde, sondern eine vergleichsweise übersichtliche Zahl an Musikern es schaffte, ein ausgewogenes Klangbild über alle Frequenzen hinweg zu entwicklen, losgelöst von der Hallen- oder gar Stadiengröße. Eine deutlich geringere Anzahl an Musikern erreichte eine deutlich höhere Zahl an Zuhörern, was die Umsätze und Gewinnspannen in die Höhe schießen ließ. Je nach Musikrichtung etablierte sich im Laufe der Dekaden insbesondere im Rock/Heavybereich die Quartett/Quintett-Formation, je nachdem ob man mit oder ohne Keyboarder arbeiten wollte.

Jedem Instrument war ein bestimmter Frequenzbereich zugeordnet und sowohl die beschränkende Technik, als auch das musikalische Vorstellungsvermögen sorgte dafür, dass man sich frequenztechnisch nicht gegenseitig behinderte. Der gesamte musikalische Fokus lag auf der Suche nach dem persönlichen Stil, dem ultimativen Song und dem ständigen Kampf, den Gesang insbesondere bei Live-Konzerten ohne Rückkopplungen über die Lautstärke der anderen Instrumente zu heben. Das Prinzip „You Get What You See“ traf zu 100 % zu und lediglich das Mellotron war mit seinen vorher aufgenommenen Tonbändern in der Lage, live Klänge zu entwickeln, die man NICHT auf der Bühne sehen konnte.

Wer immer Musik über alle Frequenzen machen wollte, war auf Mitmusiker angewiesen, welche die Instrumente spielten, welche man selber nicht beherrschte bzw. selbst wenn man die Instrumente spielen konnte, in einer Live-Version des Songs übernahmen, sofern man nicht ein Frequenz- oder Arrangementloch riskieren wollte. So weit, so gut.

Spielen in einer Band – Tipps und Tricks für angehende Musiker

Die Abhängigkeit von Dritten änderte sich massiv mit der Einführung der Mehrspurtechnik. Nicht nur dass man beliebige Solopassagen bei einer Aufnahme beliebig oft wiederholen konnte, um die persönliche Darbietung zu optimieren, man war auch erstmals in der Lage, bei entsprechend handwerklichen Fähigkeiten, eine ganze Band in Personalunion einzuspielen. Was auf der einen Seite als eine Befreiung der Komponisten/-Musiker wahrgenommen wurde, sorgte auf der anderen Seite dafür, dass die Erfahrungswerte und handwerklichen Fähigkeiten der auf ihr Instrument spezialisierten Musikern wegfielen, was meistens zu Lasten der Qualität des finalen Produktes führte.

Um dies wiederum auszugleichen, entwickelten die Instrumentenhersteller immer mehr elektronische Instrumente, welche darauf ausgerichtet waren, analoge Instrumente, respektive die damit einhergehenden Musiker obsolet erscheinen zu lassen. Als erstes erwischte es die Drummer, welche insbesondere in den Achtzigern massiv darunter litten, dass ihr Natur-Drumset durch völlig undynamische Sounds ersetzt wurde, dazu meistens von Menschen programmiert, welche so viel Ahnung vom Schlagzeugspiel hatten, wie ein Specht vom Messerwerfen. Aber auch die Erfindung des Samplers sorgte dafür, dass der Keyboarder die zentrale Anlaufstelle in jedem Studio war, war er doch derjenige, dessen Instrument am einfachsten die nötige Steuerspannung für AKAI und Kollegen liefern konnte. Auch hier wurde so viel wie möglich getan, um den menschlichen Faktor innerhalb der Musik auf ein absolutes Minimum zu reduzieren.

Die sozialen Folgen des Technik-Overkills

Um auf die Ausgangsfrage dieses Artikels zurückzukommen. Braucht man heutzutage noch eine Band, um Musik zu machen? Technisch gesehen absolut nicht. Die Industrie bietet mittlerweile alles, was man sich nur vorstellen kann. Nicht nur dass man über die Studiotechnik nahezu jedes Instrument mittels Emulation oder vorgefertigter Loops reproduzieren kann, man kann sich auch komplette Begleitbands als Hardware-Pedal oder auch als Backingtracks anhören, bei denen das Instrument, welches man selber spielen möchte, einfach ausgespart wird.

Es wird also alles Mögliche von Seiten der Industrie getan, dass du dich möglichst wenig „quälen“ must. So wie auch dein Kumpel und dessen Kumpel und so weiter. Songs raushören? Wozu, irgendeiner wird schon die Tabs aufgeschrieben haben. Den ganzen Song spielen? Wozu, es reicht, wenn meine Kumpels das Hauptriff erkennen. Das Problem ist nur, was nicht anspruchsvoll unter massivem persönlichen Einsatz erarbeitet wird und von jedem reproduziert werden kann, hat keinen Wert.

Ich erinnere mich noch gut, wie bereits vor vielen Jahren, als ich selber noch unterrichtet habe, die ersten Schüler nur noch das Hauptriff, evtl. noch einen wichtigen Teil des Solos lernen wollten. In Anbetracht, dass sie niemals vorhatten, in einer Band zu spielen, ging es immer nur darum, kurz die Aufmerksamkeit ihrer Freunde auf YouTube, Instagram oder Facebook zu erhaschen, um sich dann dem nächsten Riff zu widmen. Stell dir vor, du wolltest Tennis lernen, aber immer nur den Aufschlag üben, damit alle am Rand des Platzes aufgrund des guten Aufschlags wohlwollend mit dem Kopf nicken. Ein komplettes Match mit einem Gegner könntest du aber nie spielen, da du weder Vorhand, Rückhand, Volley etc. spielen könntest. Was für einen Wert hätte also dein Tennisspiel? Gar keinen.

Mir ist natürlich klar, dass sich die Musikwelt komplett und zwar ausschließlich zu ihrem Schlechten gewendet hat. Jedes zweite Instagram Video, welches mir der Algorithmus aufgrund meines Berufs vorschlägt, zeigt mir ein völlig überschminkte und bis zum Anschlag gestylte junge Frau, welche in Unterwäsche Schlagzeug zu einem bekannten Titel spielt. Kein Name der Musikerin, auch nur wie bei den Gitarristenschülern die ersten paar Takte des Songs und wieder weg. Intrinsischer Wert der Darbietung gleich null, selbst wenn das Handwerk gut ist.

Wer meine anderen Artikel gelesen hat, wird sehr wahrscheinlich wahrgenommen haben, dass ich die Figur des typischen Musikers, welcher von seiner Musik in Form von Komposition und Live Darbietung leben kann, als aussterbende Gattung betrachte. Schon heute kann in einer mehr oder minder erfolgreichen Band fast immer nur eine Person von den Einnahmen leben, der Rest besteht aus Mietmusikern, welche je nach Aufwand für ihre Live-Darbietung und Studioarbeit bezahlt werden und welche ohne zusätzliche Jobs nicht überleben könnten. Wirtschaftlich gesehen ist eine Musikgruppe so gesehen immer zum Scheitern verurteilt.

Im Gegenzug ist der soziale Aspekt des Musizierens in einer Gruppe geradezu existentiell. Ein kleines Beispiel. Nahezu jeder Gitarrist denkt, er könnte Bass spielen, „ist ja das Gleiche, nur mit dickeren Saiten“. Das Ganze geht genau so lange gut, bis man hört, was unter dem Strich herauskommt. In der Tat bleibt zumeist ein Bass-spielender Gitarrist übrig, welcher einfach nur die Gitarrenspuren zu einem Großteil doppelt und keinerlei Ahnung hat, welche harmonische und melodische Funktion ein Bass in einer Band bekleidet. Ebenso könnte man einem Geiger einen Kontrabass in die Hand drücken. Der würde dich aber zu Recht auslachen, aber das ist eine andere Geschichte.

Ich habe wahrscheinlich über 80 % meines musikalischen Wissens dadurch erlangt, indem ich Musikern und Technikern zugehört habe, welche eine oder mehrere Instrumente etc. besser beherrschten als ich, um dann ihr Wissen dem meinem hinzuzufügen. Dabei habe ich auch mit Musikern zusammen gearbeitet, welche menschlich so dermaßen neben der Spur waren, dass es kaum auszuhalten war, handwerklich aber komplett outstanding waren. Auch hier konnte ich eine Menge lernen, zumindest bis zu dem Punkt, wo man den Raum verlassen musste, sonst wäre man geplatzt. Es gibt kaum einen Musiker, von dem man nichts lernen kann und sei es nur, wie man es auf gar keinen Fall machen sollte.