Feature: Braucht man heutzutage noch ein Musiklabel?

Braucht man heutzutage insbesondere im Gitarrenmusikbereich noch ein Musiklabel? Auch wenn man subjektiv die persönliche Antwort unmittelbar parat hat, ist es auf den zweiten Blick eine nicht ganz so leicht zu beantwortende Frage. Warum, könnt ihr in diesem Feature nachlesen.

Musiklabel für Gitarrenbands – warum eigentlich?

Nur ganz kurz, einen Hauch Geschichtsstunde, warum spricht man überhaupt von einem Label? Nun, die großen Verwertungsgesellschaften, sprich Plattenfirmen, nahmen seinerzeit mehrere Künstler unterschiedlicher Stil- und Ausrichtungen unter Vertrag. Um diese sowohl besser katalogisieren wie auch wirtschaftlich besser verwalten zu können, wurde eine Plattenfirma in mehrere Labels unterteilt, was sich dann in den unterschiedlichen Aufdrucken auf den Vinylplatten widerspiegelte. Im Laufe der Dekaden verschwammen auch aufgrund der Einführung der Indie-Plattenfirmen, welche sich zumeist auf nur eine Musikrichtung spezialisierten, die unterschiedlichen Begriffe, so dass heutzutage der Begriff Label mehr oder minder mit dem Begriff Plattenfirma gleichzusetzen ist.

Musiklabel – was ist das überhaupt?

Im Prinzip erledigt(e) die Plattenfirma die Aufgaben, welche der Künstler nicht machen wollte oder aufgrund der mangelnden Ausbildung nicht machen konnte. Zu Beginn der Verwertung von Musik bis hinein in die frühen Achtziger bekam der Künstler einen Künstlervertrag, welches ihm eine Umsatzbeteiligung von bis zu ca. 10 % des HAP (Handelsabgabepreis) an jedem verkauften Tonträger zusicherte. Alle anfallenden Kosten wie Tonstudiomiete, Pressung der Tonträger, Studiomusiker, Verpflegung und Übernachtung der Musiker während den Aufnahmen, Promotion, Marketing etc. übernahm die Plattenfirma und sicherte sich im Gegenzug dafür auch mind. 90 % der Einnahmen. Die großen Plattenfirmen verfügten zumeist über eigene Tonstudios, welche sich mit festangestellten Technikern im Dauereinsatz für die Künstleraufnahmen befanden.

Das Ganze änderte sich mit der Einführung des Bandübernahmevertrages. Hier war der Künstler, respektive das Management erstmals selber mit in der Verwaltung beauftragt, da es von der Plattenfirma einen festen Vorschuss gab, für den der Künstler ein oder mehrere Alben abliefern musste. Man konnte das Studio frei wählen und je nachdem, welchen Kurs man mit dem Studioinhaber ausgehandelt hatte, konnte man einen Teil des Vorschusses für private Zwecke verwenden, solange das Endergebnis auch den Verantwortlichen der Plattenfirma zusagte. Der Vorschuss ist verrechenbar, sprich man erhält so lange keine Tantiemen, bis der Vorschuss durch Verkäufe wieder eingespielt wurde. Da dies auf Kosten des Künstlers geht, wird der Künstler NACH Tilgung des Vorschusses in einem höheren Mass am Gewinn beteiligt, im Durchschnitt bis zu rund 20 % des HAP.

Die beiden oben genannten Geschäftsmodelle haben sich mittlerweile jedoch zu einem Großteil mit der Einführung des Homerecordings und der Streaming-Dienste als obsolet herausgestellt. Obwohl die Streaming-Dienste bekanntermaßen erbärmlich geringe Margen an die Labels ausschütten, werden immer noch knapp 50 % der Umsätze mit Streaming-Diensten getätigt, was darauf schließen lässt, dass weit über 90 % der Weltbevölkerung Musik nahezu ausschließlich über Streaming Dienste konsumiert. Nur wenige Vinyl- und CD-Liebhaber halten mit ihren Käufen dagegen, was dazu geführt hat, dass nur noch internationale Superstars entsprechend große Einnahmen generieren können. Die Situation ist mit den Preisen der Konzertkarten vergleichbar. Wenn Metallica 200,- Euro für eine Karte aufruft, ist das Stadium nach wenigen Stunden ausverkauft, wenn die Local Hero Band 20,- Euro haben möchte, klagt jeder über die hohen Eintrittspreise.

Die logistischen Auswirkungen der technischen Revolution

Natürlich sind die technischen Möglichkeiten, welche eine DAW seit Jahren ermöglicht, schlicht und ergreifend fantastisch und ermöglichen Aufnahmen, welche für sehr kleines Geld gute Ergebnisse bringen. Ich möchte jetzt auch gar nicht das Fass der Klangqualität analog vs. digital, Original vs. Simulation aufmachen, denn eins sollte man sich immer vor Augen führen, für die wirtschaftlichen Ergebnisse interessiert es einen Dreck, wie ein Klang erzeugt wurde. Im Gegensatz zu früher sichern High-End-Produktionen heute keine wirtschaftlichen Vorteile mehr, da spätestens mit dem Mastering-Prozess selbst der handwerklich größte Müll auf 0 dB gezogen nur wirklichen Fachleuten offenbart, ob zum Beispiel ein Chris Lord Alge an den Reglern saß oder ob Greti und Kleti Plug-in-Presets ein- und ausgeschaltet haben.

Womit wir mitten in der Label-Diskussion sitzen, denn ein Label hat heute nur noch 3 Funktionen, zum einen einen gesicherten Vertrieb, möglichst weltweit stellen, eine professionelle Marketing-Abteilung bieten und eine Reputation nach außen gewährleisten. Auch wenn die Major-Companys allein mit ihrem Back-Katalog immer noch gigantische Umsätze erzielen, so wird von den meisten Labeln insbesondere bei Newcomern nur noch ein kleiner Vorschuss, in der Mehrzahl der Fälle überhaupt kein Vorschuss mehr gezahlt.

Dies bedeutet im Umkehrschluss, dass der Künstler entweder in seinem Homestudio alles selber zusammenklebt oder aber er nimmt Geld in die Hand und bezahlt ein Mietstudio für die Aufnahme seiner Musik. So oder so muss der Künstler zunächst finanziell in Vorleistung treten, bevor er einen oder mehrere Songs unter das Volk bekommt. Spätestens hier fragen sich die ersten Leser, warum man dann überhaupt noch ein Label benötigt, welches übrigens bei den sogenannten 360 Grad Deals auch gerne noch einen prozentualen Anteil an den Live-Gagen haben möchte. Was ist die Gegenleistung der Labels?

Musiklabel und die Leistungen

Um es kurz auf den Punkt zu bringen: Wer seine Musik als Hobby betreibt, eine gute Zeit haben möchte und seinen Freunden, Familien und einer übersichtlichen Schar von Fans seine Musik zugänglich machen möchte, braucht definitiv kein Label. Viele Dienstleister bieten gegen eine monatliche/jährliche oder teilweise auch einmalige Gebühr die Listung der persönlichen Aufnahmen in allen großen Streaming-Diensten weltweit an. Eine gewisse Qualität darf dabei nicht unterschritten werden, aber wer bereits hier scheitert, sollte sich überlegen, ob seine Musik wirklich veröffentlichungswürdig ist. Ansonsten, CDs und Vinyl kann man in Kleinstauflage fertigen und dann über den persönlichen Online-Shop oder Marketplace etc. veräußern, fertig. Einnahmen 100 % abzgl. der Provisionen der jeweiligen Vermittler. Alles, wirklich alles, was es benötigt, um den persönlichen Erguss zu bewerben, bleibt an einem selber hängen, was meistens dazu führt, dass sich aber auch der Radius des persönlichen Bekanntheitsgrades nicht erweitert.

Hier kann ein etabliertes Label wirklich punkten, vorausgesetzt, es ist wirklich an dir und deinen Leistungen interessiert. Ein etabliertes Label verfügt in der Regel über eine etablierte Marketing-Struktur, welche aus festangestellten Mitarbeitern und Freelancern besteht, welche wiederum den Kontakt zur Fachpresse etc. halten. Einmal im Rooster des Labels angekommen, kann man auf eine gut sortierte Datenbank mit entsprechenden Kontakten zugreifen, damit die persönliche Leistung zumindest schon einmal an mehr oder minder interessierte Schreiberlinge, teilweise sogar Journalisten gerät.

Dies bedeutet aber noch nicht, dass auch entsprechende Artikel oder Interviews mit dir abgedruckt werden, da dies zu einem Großteil von der Schaltung entsprechender Anzeigen abhängt. Alle Print-Magazine betonen zwar stets, dass sie nicht käuflich sind, aber jeder Fachmann weiß, dass man mit dem reinen Verkauf der Magazine nur einen verschwindend geringen Teil der Produktions- und Personalkosten decken kann, so dass Werbung der entscheidende Punkt in der Produktplanung darstellt. Nur Tesla kann sich erlauben, keine Werbung für seine Produkte zu schalten.

Dies führt dazu, dass man teilweise in der völligen Perversion der Musikverwertung angekommen ist. Ich kenne einige Künstler, welche nicht nur die Produktion ihres Albums komplett selber bezahlen, keinerlei Vorschuss vom Label erhalten und auch das gesamte Marketing wie Anzeigenschaltung etc. selber bezahlen, vielmehr bezahlen sie auch noch das Label für die Nutzung ihrer Infrastruktur. Im „normalen“ Leben verfügen alle Musiker über einen regulären Job, mit dem sie genug Geld verdienen, um sich als Hobby das „Rockstar-spielen“ leisten zu können. Man stelle sich diese Situation im normalen Handwerk vor, ein Maurer, der sich alle Utensilien selber kauft und den Bauherrn dafür bezahlt, dass er bei ihm eine Mauer umsonst hochziehen darf. Auf die Reaktion der Gewerkschaften und anderer Maurer wäre ich wirklich sehr gespannt.

Wie soll sich der Künstler verhalten?

Eine finale Hilfestellung ist wie gesagt nicht leicht zu geben. Ich persönlich würde ganz einfach eine ehrliche Kalkulation aufstellen. Ohne Label zu arbeiten bzw. ein eigenes Label zu gründen, bedeutet die totale künstlerische Freiheit, bedeutet aber auch die Übernahme sämtlicher finanzieller Kosten und jede Menge Kalt-Aquise, was einen menschlich zum Teil an seine Grenzen bringt. Denn über eins sollte man sich immer im Klaren sein, niemand, wirklich NIEMAND, hat auf dich und deine Musik gewartet, völlig egal, wie gut, ausgefallen und unterhaltsam du bist.

Wer dennoch von der Qualität seiner Musik überzeugt ist und einen mittleren fünfstelligen Betrag pro geplantes Album für Tonträgerfertigung, GEMA, Marketing, Promotion, Toursupport, Tonstudiomiete, Reisekosten, Fotograf, Videokünstler, Social-Media Manager uvm. bereitstellen kann und will, kann auch ohne Label arbeiten. Dazu kommt noch, dass man diese Arbeit nicht abends nach einem regulären 9 to 5 Job nebenbei erledigen kann. Letztendlich ist so etwas nur zu gewährleisten, wenn man entweder als Privatier unterwegs ist oder dank einer Erbschaft über eine längere Zeit einen finanziellen Spielraum hat, der einem den Rücken frei hält.

Das Schöne ist jedoch, wenn man mehrere Jahre durchgehalten hat und seine Musik so weit etablieren konnte, dass man von der jeweiligen Szene wahrgenommen wurde, kommen die Labels von ganz alleine auf einen zu und bieten ihre Unterstützung an, meist zu deutlich besseren Konditionen, als es zu Anfang der Karriere der Fall war. Auch hier immer daran denken, dieses Verhalten ist völlig normal und legitim, Plattenfirmen sind Wirtschaftsunternehmen, keine Kulturförderprogramme! Es ist wie immer und überall in jedem anderen Job auch, es ist nichts Persönliches, es geht einfach nur ums Geld. Wenn man sich diese Weisheit stets vor Augen hält, tut alles gleich nicht mehr so weh.

Ich wünsche jedem viel Erfolg mit der Vermarktung seiner Musik!