Filmmusik-Komponist John Carpenter: Halloween, Escape from New York, Assault

Fällt der Name John Carpenter, denkt man unweigerlich an Blut und Horror. Kaum jemand hat das Genre des Horrors so nachhaltig geprägt wie John Carpenter, obwohl der große und nachhaltige Erfolg bis heute ausblieb. Ob mit Halloween, Die Klapperschlange, The Fog – Nebel des Grauens, Sie leben oder Big trouble in little China, John Carpenter hat sich eine treue Fangemeinde erarbeitet und sich nicht nur mit den Filmen, sondern auch mit der dazugehörigen Musik einen Namen gemacht. Er führt die zwei wichtigsten kreativen Säulen des Films zusammen, Bild und Filmmusik: John Carpenter

John Carpenter wurde die Musik und Kreativität in die Wiege gelegt. Geboren am 16. Januar 1948 im kleinen Ort Carthage, New York unweit der kanadischen Grenze, wuchs er als Sohn von Howard Ralph Carpenter auf, der als Professor für Musik und Musiker früh die kreative Ader seines Sohnes entdeckte. Sein Vater, der ein virtuoser Violinist galt, spielte seinem Sohn „Peter und der Wolf“ von Sergei Prokofjew  vor und erklärte ihm die Funktion der einzelnen Instrumente und der Themen. Welche Wirkung hat die Auswahl des Instruments und das Thema auf den Hörer und das Geschehen?

John, der sich selbst immer als Außenseiter und nicht zur Gesellschaft gehörig betrachtete, nutzte die Musik, um sich selbst in fremde Welten zu begeben. In seinem Kopf erschaffte er künstliche Welten, in die er entfliehen konnte und ersann auch gleich die passende Musik dazu, die nach eigener Aussage stark von Mussorgsky und Tchaikovski beeinflusst war. John Carpenter zog mit seiner Familie im Kindesalter nach Bowling Green in Kentucky. Dort lebten sie in einem Blockhaus auf dem Grundstück eines Museums. Er verbrachte seine Freizeit vor allem mit dem Hören von Musik und dem Ausdenken von Geschichten und Welten, die er heutzutage gerne mit „Open World“ Computerspielen vergleicht, die er gerne spielt:

„It was very much like the video games I love playing. They call them “open-world,” where you can go anywhere and do anything. This music, Mussorgsky or Tchaikovsky, allowed me to go anywhere and imagine anything. I was either in a science fiction, horror or western movie. I was the hero of my own fantasies. I was more connected to that world than I was to the world that I lived in.“ (Aus: https://daily.redbullmusicacademy.com/2019/02/john-carpenter-interview)

Die drei genannten Genres sollten dann auch die sein, in denen er sich später als Regisseur, Autor und Komponist am meisten bewegt. Seinem Vater blieb das Verhalten seines Sohnes nicht verborgen und somit motivierte er ihn, kreativ zu sein:

„What you need to do with your life is create something. I don’t know what it is – it doesn’t matter what it is. But you need to fall in love with it and create it.“

Kurzgeschichten und Videoaufnahmen mit der 8mm-Filmkamera seines Vaters folgten und legten den Grundstein für die spätere Berufswahl. Ein Kinobesuch in Bowling Green machte John Carpenter auf die Verbindung zwischen Musik und Film aufmerksam. Es war der Film „Forbidden Planet“, ein Science Fiction Film über ein unsichtbares Wesen und einem elektronischen Score. Insbesondere die elektronischen und futuristischen Klänge hatten es ihm angetan, die die damals für die Menschen unbekannte Welt des Alls perfekt unterstrichen.

Die Anfänge: Dark Star

Nach der Highschool besuchte John Carpenter schließlich die Western Kentucky University, an der sein Vater unterrichtete und den Fachbereich Musik leitete, und wechselte später in den Filmstudiengang der renommierten University of Southern California. Ein erster Erfolg war der Western „The Resurrection of Broncho Billy“ (1970), der 1971 einen Oscar in der Kategorie „Bester Kurzfilm“ gewann. Carpenter war als Autor, Editor und Komponist beteiligt. Sein erster großer Film als Regisseur war Dark Star (1974), ein Low Cost-Film, den er gemeinsam mit Daniel Thomas O’Bannon produzierte. Carpenter war für das Schreiben der Story, die Produktion und die Regie verantwortlich und musste auch die Filmmusik beisteuern, während sein Partner als Schauspieler auftrat und außerdem die Spezialeffekte kreierte. Was als Kurzfilm auf 16mm-Film begann, endete als 83-minütiger 35mm-Film mit einem Budget von 60.000 US-Dollar. Trotz des geringen Budgets und vieler Probleme aufgrund des schlechten Equipments, das beide nutzen mussten, verschaffte das Endprodukt den beiden jungen Kreativen die am Anfang einer Karriere dringend benötigte Aufmerksamkeit. O’Bannon wurde von George Lucas für sein Special Effects-Team für Star Wars verpflichtet, weil Lucas von den Special Effects von Dark Star so beeindruckt war. John Carpenter brachte die Produktion den Ruf ein, mit sehr geringem Budget herausragende Filme produzieren zu können. Nach einigen weiteren Low Budget-Produktionen folgte schließlich 1978 Halloween.

Halloween

Halloween erzählt die Geschichte um Michael Myers, der als sechsjähriger an Halloween seine ältere Schwester Judith auf brutale Art und Weise tötet und seitdem sein Leben in einer Psychiatrie fristet, aus dieser ausbricht und nun erneut die Menschen im Umfeld seines ehemaligen Wohnhauses tyrannisiert. Damit ist im Prinzip auch die komplette Handlung erzählt. Michael Myers haftet etwas Übernatürliches an, er steht für das Böse, das nicht endgültig besiegt werden kann. Die vielen Spinoffs zeigen, dass das Thema ebenso wenig ausstirbt wie Michael Myers selbst.

John Carpenter wurde damit beauftragt, das Drehbuch zu schreiben und Regie zu führen. Er verlangte die volle Kontrolle über die Produktion und steuerte auch die Musik bei. Gemeinsam mit seiner damaligen Lebensgefährtin Debra Hill verfasste er das Script. Die Halloween-Idee steuerte Filmproduzent Irwin Yablans bei. Das knappe Budget erforderte einen relativ unbekannten Cast. Für die spätere „Scream-Queen“ Jamie Lee Curtis war dies die erste größere Rolle, die sie schließlich einem riesigen Publikum bekannt machen sollte. Das Budget von gerade einmal 300.000 US Dollar erlaubte auch in Sachen Produktion keinen Luxus. Carpenter selbst erhielt 10.000 Dollar für seine komplette Arbeit zuzüglich 10 Prozent Anteil an den Filmeinnahmen.

Anmerkung: Der Film spielte damals rund 70 Millionen US Dollar ein und der weitere Verkauf der Film- und Aufführungsrechte an Videotheken, Fernsehsender usw. sowie die Veröffentlichung als Verkaufsvideo dürfte weitere hohe Einnahmen beschert haben. Leider hat Carpenter von diesem Geld nie etwas gesehen. Als 20 Jahre später Jamie Lee Curtis das Team von Halloween für Halloween H20 zusammentrommeln wollte, forderte Carpenter ein hohes Honorar ein. Dieses wurde jedoch abgelehnt und John Carpenter zog sich aus dem Projekt zurück. Zu hören ist aber sein berühmtes 5/4 Takt-Thema, eingebaut in einen orchestralen Score.

https://www.youtube.com/watch?v=GWOd9DT6y04&list=PLmlKT8S5Y9myE3Nkv566_mTupAXCLu9-t&index=1

Yablans war es auch, der den Vergleich mit „The Exorcist“, einem anderen großen Erfolgsfilm des Horror-Genres von 1973, ins Spiel brachte. Ob dieser Film John Carpenter auch hinsichtlich der Filmmusik inspiriert hat, ist nicht überliefert, aber naheliegend, hört man sich die beiden berühmten Filmthemen im Vergleich an.

Während „The Exorcist“ das berühmte Tubular Bells I Klavier-Thema von Mike Oldfield einsetzt und weltberühmt macht, greift John Carpenter auf ein ganz ähnliches Thema zurück. Beiden gemeinsam ist die unübliche Taktart:

Das berühmte Thema aus Mike Oldfields Tubular Bells wurde für den Film „The Exorcist“ verwendet und ist ähnlich prägnant wie Carpenters Halloween-Thema.

Mike Oldfield wechselt bei seinem Klavier-Thema zwischen einem 7/8 Takt und einem 9/8 Takt. Auf je drei 7/8 Takte folgt ein 9/8 Takt. Dann wiederholt sich die Abfolge. Gespielt werden durchgängig Achtel im Wechsel mit einer Art Pedalton-Achtel („e“ im Notenbeispiel).

John Carpenter setzt auf einen 5/4 Takt und hat mit seinem Halloween Thema wahrscheinlich das nach „Take 5“ bekannteste Stück im 5/4 Takt komponiert. Auch er setzt auf eine simple durchgängige Achtelrhythmik und nutzt eine Pedalton-Achtel, über die sich der Rest des Motivs abspielt. Anders als Mike Oldfield transponiert Carpenter sein Motiv allerdings, mal um eine große Sekunde, eine kleine Sekunde oder eine Quarte nach unten.

Das berühmte Halloween-Thema von John Carpenter. Die Idee entstammt einem Bongo-Pattern im 5/4-Takt, das ihm sein Vater beigebracht hat.

Die beiden repetitiven Themen verfehlen  ihre Wirkung beim Hörer nicht. Geradezu beschwörend hämmert das Klavier auf die Gehörgänge der Kinobesucher ein. Man kann nicht weghören und auch nicht wegschauen, wenn das ultimative Böse sein Unwesen treibt. Dass das Grauen und die Bedrohung nicht immer vieler Töne bedarf, hat auch John Williams mit seinem Thema zu „Der weiße Hai“ (1975) bewiesen.  Das Halloween-Thema von John Carpenter wurde auch abseits des Films ein großer Erfolg und steht heute auch als unabhängiges Musikstück für sich allein. John Carpenter komponierte die Soundtracks der weiteren Halloween-Teile (gemeinsam mit Alan Howarth, siehe unten).

The Fog – Nebel des Grauens

Auch mit „The Fog“ bleibt John Carpenter seiner Linie treu – sparsame Arrangements mit Klavier und einigen Synthesizer Drones eröffnen den Film. Obwohl das Budget dieses Mal mehr als dreimal so hoch war wie bei Halloween, Carpenter hatte 1 Million US Dollar zur Verfügung, verzichtet Carpenter auf Orchester. Das Team besteht aus lediglich vier Leuten: John Carpenter als Komponist und Musiker, Dan Wyman als Programmierer für die verwendeten Synthesizer, Jim Cypherd als Toningenieur und Bob Walter als Koordinator. Der Main Title von „The Fog“ wird mit einem Synthesizer Sound ähnlich einer Kirchenorgel eröffnet. Unweigerlich kommt mir „Das Phantom der Oper“ in den Sinn. Doch schon nach wenigen Sekunden startet das Klavierthema, das sofort an Halloween erinnert. Unterlegt ist alles mit einem perkussiven Ostinato und einigen Sound-Effekten.

Auch die weiteren Songs bleiben sparsam. Die verwendeten Synthesizer Sounds spiegeln das wider, was man von den Analogsynthesizern der späten 1970er- bis frühen 1980er-Jahren kennt und auch in jedem Chart Hit dieser Zeit hört. Ab und an hört man einige Effekt-Sounds, doch im Wesentlichen arbeitet Carpenter hier mit Standardkost. Es dürfte niemandem schwerfallen, diese Sounds als Presets in einem beliebigen analogen oder digitalen Synthesizer der Neuzeit zu finden. Dennoch ist es gerade das, was den Zuschauer abholt und in die unheimliche Szenerie von The Fog zieht. Carpenter musste keine künstlichen Welten erschaffen, sondern das Böse kommt wie bei Halloween in die uns bekannte Welt. Darüber hinaus unterstreichen die subtilen und wenig aufdringlichen Drones die Atmosphäre des Films und des Nebels. Nebel schluckt bekanntlich Geräusche und dämpft sie. Genau diese gedämpfte Geräuschkulisse wird von Carpenter erzeugt. Ein opulentes Orchesterarrangement wäre hier fehl am Platz. Die wenigen Töne und Motive, die sich beständig wiederholen, brennen sich in den Gehörgang und steigern die Spannung teils ins Unerträgliche.

Der Film wird ein großer Erfolg für Carpenter und das Filmstudio. Obwohl Carpenter den Film bis heute nicht als sein bestes Werk bezeichnet, sieht er die Musik als eine seiner besten Kompositionen an. 

Die Klapperschlange – Escape from New York

Der Film „Escape from New York“ wurde in Deutschland unter dem Titel „Die Klapperschlange“ veröffentlicht und geht auf ein Script zurück, das John Carpenter bereits Anfang der 1970er Jahre vollendet hat. Der Film ist in vielerlei Hinsicht wegweisend. Zunächst einmal ist es das Setting, das später unter dem Oberbegriff „Cyberpunk“ eine ganze Generation von Filmen unter sich vereint: Gezeigt wird ein futuristisches New York im Jahr 1997, in dem Manhattan in ein Hochsicherheitsgefängnis verwandelt wurde. In diesem hat sich eine eigene Gesellschaft etabliert, die aus den Gefangenen besteht. Gespielt wird außerdem mit den Ängsten der 1980er Jahre vor der totalen Vernichtung: Im Film droht der Nuklearkrieg zwischen den Weltmächten. Das postapokalyptische Setting des Films bestimmt auch den Charakter der Musik. Diese ist erneut größtenteils sparsam instrumentiert: Synthesizer Bass Ostinato, Drones, Lead Sounds, Klavier, einige futuristische Sound-Effekte, die stellenweise auch als Kulisse für „Alien“ hätten herhalten können. Dennoch unterscheidet sich der Soundtrack deutlich von den beiden Horrorfilmen zuvor:

• es kommen bei einigen Stücken Drumcomputer zum Einsatz
• manche Stücke besitzen eine einfache Song-Struktur
• es werden nicht ausschließlich Synthesizer und Klavier verwendet, auch eine E-Gitarre, ein E-Bass und eine Orgel sind zu hören
• Carpenter arbeitete mit Alan Howarth zusammen, einem Sound Designer für Sound-Effekte (StarTrek, Poltergeist, Jagd auf Roter Oktober, Running Man, Total Recall und andere) und Komponisten von elektronischer Musik. Gerade seine Sound-Effekte prägen das Setting. Sie schaffen das futuristische Ambiente und heben sich von den Standard-Sounds, die Carpenter für das Spielen seiner Motive verwendet, deutlich ab
• John Carpenter spielt mehr mit den Sounds, indem er sie beim Spielen editiert, Filter schließt und öffnet, die Hüllkurven beeinflusst und vieles mehr, seine Sound-Palette ist insgesamt größer geworden als bei den Filmen zuvor
• Bei einigen Stücken des Scores wird ausgiebig mit Arpeggiatoren und Sequencern gearbeitet

Insgesamt zeigt sich beim Durchhören des Soundtracks aber, dass John Carpenter seiner Linie insgesamt treu bleibt: Minimalismus, einfache Synthesizer Sounds für Motive und Themen, Verwendung des Klaviers, Bass Ostinato, Repetition und Sequenzierung von Motiven, Sound-Effekte und Drones prägen das Klangbild. Man merkt jedoch deutlich, dass seine Vorliebe für elektronische Musik sich auf seine Filmmusikkompositionen niederschlägt.

Stil und Sounddesign

John Carpenter bezeichnete sich in Interviews immer als bescheidenen Musiker, der keine einzige Note lesen könne und nur über rudimentäre Fähigkeiten am Instrument (Keyboards, Gitarre, Bass) verfüge.

Seine minimalistischen Motive und Themen resultieren laut Carpenter auch direkt aus seinen geringen instrumentalen Fähigkeiten. So griff er für das Halloween-Thema auf ein 5/4 Bongo-Pattern zurück, das ihm sein Vater mit 13 Jahren beigebracht hatte. Dieses Pattern spielte er mit zwei Tönen auf dem Klavier und transponierte das sich ergebende Motiv anschließend. Das Halloween-Thema war geboren. Es existierte als Klavierstück schon vor dem Film und nach dem Schnitt des Films entschied sich Carpenter, das Stück als Filmmusik zu nutzen.

„I have to admit that the minimalism is a result of my limited skills as a musician – I can’t play anything more complex. I can’t read music. It has to be simple. If I’m on a synthesizer and I’ve got a string pad, I can play around and make something interesting and more complex with it. My work doesn’t get more complicated than Halloween.“ (Aus: https://daily.redbullmusicacademy.com/2019/02/john-carpenter-interview)

Trotzdem verzichtete er anders als andere Filmmusikkomponisten auf ein großes Team, was aufgrund der oft minimalen Budgets für seine Filme ohnehin schwierig gewesen wäre. Arrangeure, die seine Themen für das Orchester adaptieren, sind ihm fremd. Stattdessen arbeitete er lieber mit einem einzelnen Partner zusammen, der seine Klangvorstellungen für ihn umsetzte und die eingesetzten Synthesizer programmierte, denn die Technik interessierte ihn weit weniger als der Klang. Der Sounddesigner Alan Howarth hatte demzufolge während seiner Zusammenarbeit mit John Carpenter großen Einfluss auf das klangliche Endergebnis. Mit dem Einsatz von Synthesizern wollte Carpenter ursprünglich seine geringen Spielfähigkeiten hinter dem Sound verbergen. Sie sollten zunächst ein Orchesterersatz sein, führten Carpenter aber schließlich mehr und mehr in die elektronische Musik. Howarth, der von 1976 bis 1980 Keyboard-Techniker für Joe Zawinul von Weather Report war, half ihm dabei, seine Sound-Visionen mit den Synthesizern umzusetzen.

Im Studio mit Alan Howarth, 1981: John Carpenter, Foto: Alan Howarth

Synthesizer & Studio früher

Die Zusammenarbeit dauerte von circa 1980 bis 1988 und begann in Howarths Pi West Studio. Dort hatten sie einen ARP Quadra, zwei ARP Avatars, Sequential Circuits Model 700 Programmer, einen Sequential Circuits Prophet-5 Rev3, einen Prophet-10, einen ARP Sequencer, einen Emulator 1 sowie einen Oberheim Four Voice Synthesizer zur Verfügung. Hinzu kam später noch ein Emulator 2 sowie eine Linn LM1. Beide starteten zunächst mit einer Tascam 80-8 1/2-Zoll Bandmaschine mit acht Spuren. Mit steigendem Bedarf an Spuren wurde diese durch eine Stephens 24-Spur Bandmaschine mit 2 Zoll Bändern ergänzt und beide Maschinen per SMPTE synchronisiert. Für die Synchronisation zum Video sorgte ein Audio Kinetics Q-Lock.

Mit dem steigenden Budget für Big Trouble in Little China wuchs auch das Studio. Howarth baute ein größeres Studio und ersetzte die Stephens-Bandmaschine durch eine Ampex MM1100 24-Spur Maschine. Mittlerweile im MIDI-Zeitalter angekommen, wurde das Studio durch einen Apple Mac Plus mit MOTU Performer als Sequencer ergänzt. Neuzugänge bei den Synthesizern waren ein Prophet VS, ein Kurzweil 250. Bei den Drum Computern kamen ein E-mu SP12 Drumulator sowie eine Linn Drum LM2 zum Einsatz. Voller Stolz berichtet Howarth in Interviews davon, dass außerdem 1986 ein New England Digital Synclavier angeschafft werden konnte.

Im Studio mit Alan Howarth, 1983: John Carpenter, Foto: Alan Howarth

Escape from Hollywood: Hinwendung zur Live-Musik

Nicht für alle seine Filme steuerte Carpenter auch die Filmmusik bei. So arbeitete er für den Film „The Thing“ (1982) mit Ennio Morricone zusammen. Trotz des hohen Produktionsaufwandes blieb der Film weit hinter den Erwartungen zurück, was Carpenter dem gleichzeitigen Erscheinen von Spielbergs „E.T“ zuschrieb. Für die Adaption von Stephen Kings „Christine“ hingegen arbeitete er erneut mit Alan Howarth zusammen. Sein letzter erfolgreicher Film als Regisseur war „Starman“ (1984), für den er allerdings nicht die Filmmusik beisteuerte. Aufgrund zahlreicher Flops und schlechter Kritiken wurde es für John Carpenter in den 1990er-Jahren im Filmbusiness immer schwieriger. Der mit großem Aufwand produzierte Film „Big Trouble in Little China“ (1986), für den John Carpenter erneut Kurt Russel vor die Kamera holte, war ein finanzielles Desaster. Der Film spielte noch nicht einmal die Hälfte des verbrauchten Budgets wieder ein. Für Carpenter war das eine große Enttäuschung und er fühlte sich zunehmend entfremdet vom Filmbusiness und Hollywood. Er zog sich aufgrund ausbleibender Aufträge aus dem Big Business zurück und war in den 1990er-Jahren eher in Independent Filme involviert. Carpenter widmete sich außerdem einzelnen Seitenprojekten wie Episoden von TV-Serien, Musik für Computerspiele und schließlich auch der Live-Musik. Außerdem ist er Co-Produzent einer Comic-Heftreihe.

Synthesizer & Studio heute

Nach dem Ende der Zusammenarbeit mit Howarth und dem Abschied von Hollywood nutzte Carpenter für seine Projekte hauptsächlich einen Korg Trinity und einen Triton. Seine Frau kaufte ihm einen Computer mit Logic Pro und nach einer Einarbeitungszeit mithilfe seines Sohnes startete Carpenter die Arbeit mit seiner ersten DAW, die er bis heute einsetzt. Statt der früher genutzten Hardware-Synthesizer waren es nun die Software Instrumente von Logic Pro, die Carpenter spielte und mit Logic aufnahm.

Am 03. Februar 2015 erschien Carpenters erstes Studioalbum „Lost Themes“, das er gemeinsam mit seinem Sohn Cody und seinem Schwiegersohn Daniel Davies einspielte. Eigentlich hatte John Carpenter nie geplant, ein Album zu veröffentlichen. Seine Agentin war es, die ihm ohne sein Wissen einen Plattenvertrag verschaffte. Carpenter selbst beschreibt das Album als Filmmusik ohne Film. In der Tat scheint die Zeit stehen geblieben zu sein. Das Album knüpft direkt an die Filmmusik Carpenters aus den 1980ern an, wirkt im Vergleich zu den oft sehr sparsam arrangierten Filmmusiktiteln aber etwas überproduziert. Schon der erste Track „Vortex“ erinnert an eine Mischung aus Jean-Michel Jarres „Equinoxe, Pt. 5“ und Jan Hammers Musik zu Miami Vice. Das Album erhielt durchaus gute Kritiken und wurde von den Fans sehr gut angenommen. Es folgten zwei weitere „Lost Themes“ Alben und eine Tour. Die Band ist mit Carpenter, seinem Sohn, seinem Schwiegersohn und einer professionellen Rhythmusgruppe besetzt. Für die Tour nutzen Carpenter und sein Sohn hauptsächlich Apple Laptops mit Mainstage, um die Sounds aus Logic live auf der Bühne zu reproduzieren. Als Master Keyboards kommen ein Yamaha MX49 für Cody und ein M-Audio Keyboard für seinen Vater zum Einsatz. Cody nutzt außerdem einen Dave Smith Mopho X4 sowie einen Roland System 1 Synth.

Carpenter genoss das Live-Spielen dermaßen, dass er es als seine zweite Berufung erkannte. Von Hollywood hat er sich längst verabschiedet. John Carpenter ist tot, es lebe John Carpenter.