Making Of: New Order – Power, Corruption and Lies (1983)

Wir reisen zurück in die 80er Jahre, vor den Kulissen der grellen Neon Leuchtreklamen und ihren als Leinwand dienenden grauen Innenstädten spielte sich ein popkulturelles Theater eines neuen Hedonismus ab. Haarspray Missbrauch, Punks, die Dark Wave Ästhetik der New Romantics, androgyne Frontmänner, Ökos , Popper und Yuppies, das waren alles Insignien dieses politisch und gesellschaftlich von Umbrüchen geprägten Jahrzehnts. Doch nichts ist für diese Zeit so signifikant wie der musikalische Wandel, der ausgehend vom Garage der 60er Jahre beeinflussten Punkszenen Ende der 70er, zusammen mit den frühen elektronischen Produktionen aus Pop, Dancemusic und Disko schon bald eine musikalische Stilexplosion entfaltete.

Das Aufkommen von Synthesizern und Effekten in den 70ern hinterließ anders als Flower Power Ende der Sechziger einen starken Eindruck auf die Generation, die in den 70ern mit Kraftwerk, Giorgio Moroder, Tangerine Dream, Jean Michel Jarre und David Bowie aufwuchs. Aus den Postpunk-Bands dieser Ära wurden schnell kleine Synthesizer-Orchester, die mit damals neuster Technik musikalisches Neuland betraten und den britischen New Wave auslösten. Heute will ich mich deshalb mit New Order an einer der ganz großen Bands dieser Zeit wagen und wir schauen uns mit Power, Corruption and Lies ihr vielleicht bestes Album an. Außerdem gehe ich der Frage nach, wie das eigentlich passiert ist, dass ausgerechnet eine Postpunk-Band mit Blue Monday einen Dancefloor-Hit hatte, sogar den erfolgreichsten der Independent-Musikgeschichte. Streng genommen ist Blue Monday zwar nicht auf dem originalen Release des Albums, aber der Song gehört doch irgendwie zum erweiterten Konzept der Platte und entstand parallel in denselben Aufnahmesessions.

Wie kommt jemand meiner Generation eigentlich auf New Order?

Als 86er Jahrgang bin ich zwar nicht aktiv in den 80er Jahren musikalisch sozialisiert worden, sondern eher ein typisches 90er Jahre Kind der frühen Generation Y, aber seien wir mal ehrlich, wir kamen selbst in den 90er Jahren nicht um die 80er herum. Überall im Radio tönten noch die Hits dieses von Hall-Effekten und Synthesizern geprägten Jahrzehnts mehr oder weniger gleichberechtigt neben den Chart-Hits der 90er Jahre und ihrem grellen Eurodance und Technopop. 1999/2000 waren für mich eigentlich die ersten prägenden Jahre großer Entdeckungen, ich fing an, mich mit Bands zu beschäftigen und kaufte meine ersten richtigen Musikmagazine. Im Prinzip ist in der Zeit noch alles ohne Internet und Smartphones ausgekommen und für neue Plattenveröffentlichungen bin ich wie die meisten Musiknerds einmal die Woche die lokalen Plattenläden abgelaufen, um mir die neuen LPs anzuhören und meistens auch zu kaufen.

Warum ich jetzt all das hier schreibe, mag im ersten Moment verwundern, aber ich will auf was ganz Bestimmtes hinaus, nämlich die Neigung, dass man im ernstzunehmenden Independent-Bereich poprelevanter Musik eine ausgesprochene Kohärenz gegenüber der Vergangenheit hat. Denn wenn ich mir die Frage stelle, wann ich eigentlich aktiv angefangen habe, ältere Musik zu hören, also vor allem die Platten, deren Alter meine Generation übersteigt, finde ich nicht direkt eine Antwort darauf. Es war einfach normal zu lesen, dass Band XY nach Pink Floyd klang oder sich von Wavebands oder Krautrock beeinflussen ließ. Zwangsläufig entwickelt sich daraus ein Interesse, diese Zusammenhänge zu verstehen. Und so dürfte es sehr vielen Musikern meiner Generation ergangen sein. Also standen neben den zeitgenössischen Bands und Künstlern schon bald Talking Heads, The Cure, Siouxsie and the Banshees, Bowie, Einstürzende Neubauten oder auch Can, Neu! und Kraftwerk im Plattenregal und heute eben auf der Festplatte oder auf Spotify.

Eine dieser ikonischen und vielzitierten Bands, um die man nicht herumkommt, ist sicherlich New Order, kaum eine andere Band aus der Phase der frühen 80er wurde so oft als Einfluss genannt, wenn es um Indierock der späten 1990er und 2000er geht. Dabei muss man nicht immer gleich raushören, dass eine Band New Order hörte, letztlich ist es sogar recht redundant, etwas mit einem so speziellen Sound zu kopieren, es ist eher die grundlegende Attitüde, die in den 00er-Jahren dazu geführt hat, dass eine ganze Generation an Indie-Bands auf einmal wieder tanzbar wurde (ohne jetzt beurteilen zu wollen, ob das was Gutes oder Schlechtes ist). Aber das ist ja heute nicht unser Thema, denn wie bei den anderen Making-Ofs auch, soll es heute um die Entstehung dieses Juwels gehen, das bis heute nachhallt und der Musikgeschichte seinen Stempel aufgedrückt hat, New Orders Power, Corruption and Lies.

Über die Band New Order

Wie viele sicherlich wissen, waren New Order die Nachfolge-Band von Joy Division. Beheimatet in Manchester waren sie eine der ersten Bands des Independent-Labels Factory Records, die dort die erste LP veröffentlichten und neben Orchestral Manoeuvres in the Dark, Cabaret Voltaire und den Happy Mondays die bekannteste Band im Lineup des Labels.
Damals vereinbarte man bei Joy Division, dass falls eines der Bandmitglieder aussteigen sollte, den Bandnamen zu ändern, manchmal denke ich dabei leider an eine selbsterfüllende Prophezeiung, denn tragischerweise ist kurz darauf genau das passiert, nur der Grund war ein anderer. Nach den ersten Erfolgen und gerade einmal zwei Alben nahm sich Ian Curtis, der Sänger von Joy Division, am 18. Mai 1980 das Leben. Es war die Nacht vor der ersten geplanten US Tour, er litt unter Epilepsie, Depressionen, Eheproblemen und einer immer wieder aufflackernden Drogensucht. Viele seiner Texte zeichneten ein düsteres Bild seiner Seele, zudem kam noch dazu, dass er Aufgrund von Medikamenten starke Stimmungsschwankungen hatte. Obwohl Ian Curtis schon immer mit einer gewissen Todessehnsucht kokettierte, nahm keiner seiner Bandkollegen wirklich ernst, was da in ihm vorging, so war es damals ein großer Schock für die Band, die das wohl erst viel später aktiv aufgearbeitet und verstanden hat.

Der damalige Manager der Band Rob Gretton riet der Band, all die Gefühle, Emotionen und Songs dieser Zeit einfach wegzusperren, nicht mehr darüber nachzudenken und nach vorne zu schauen und genau das taten die verbliebenen Musiker auch. Also wurde schnell beschlossen, etwas Neues aus der Taufe zu heben, eben New Order, wahrscheinlich auch, um namentlich an den traurigen Umstand zu erinnern. Die restliche Band musste sich daraufhin etwas erweitern, Gitarrist Bernard Sumner übernahm nun den Gesang, Peter Hook war nach wie vor Bassist, Stephen Morris Drummer und seine damalige Freundin Gillian Gilbert wurde als Keyboarderin engagiert, die mit ihrer ehemaligen Band „The Inadequats“ Joy Division sehr nahe stand, es sollte alles im Freundeskreis bleiben. Die Angaben darüber, wer was bei New Order gespielt hat, sind aber nicht besonders strikt, denn fast alle in der Band spielten mehr oder weniger mehrere Instrumente oder waren maßgeblich mit dem Programmieren des Sequencers beschäftigt, einen richtigen Hauptsongwriter gab es nicht, die Songs entstanden im Kollektiv und jeder steuerte Melodien und Rhythmen bei. Gerade der technische Fortschritt ermöglichte einen regen Wechsel der Rollen innerhalb der Band.

Die Anfänge von New Ordner

Das erste New Order Album Movement von 1981 war noch stark vom ursprünglichen Sound Joy Divisions geprägt, sie übernahmen sogar zwei unfertige Songs, die in der Woche vor Ian Curtis Ableben entstanden. An sich sind sich die meistens Fans einig, dass die ersten richtigen New Order Songs erst nach Movement entstanden. Für mich ist dieses Album ein Übergang, viel von der Energie der späteren New Order Songs war auch schon auf Movement vorhanden z. B. bei Dreams Never End, wo man förmlich das Gefühl hat, einen Hybrid aus Joy Division und New Order zu hören. Das Album war insgesamt noch recht traditionell instrumentiert und hatte an den Stellen, an denen Peter Hook sang, einen eher düsteren Einschlag. Alles in allem ein sehr gutes Postpunk-Album, das rein von der Qualität und Intensität des Songwritings lebt. Trotzdem begannen hier ein paar Elemente bereits in die Zukunft der Band zu weisen. Synths, Drummachines, Synthstreicher und Soundexperimente mit Effektgeräten waren prominenter im Einsatz als noch bei Joy Division, gerade der Sound des Solina Stringensembles, des Sequential Circuits Pro-One, Simmons SDS V Drums und einer Synare III geben hier schon mal einen interessanten Kontrapunkt zu den pulsierenden und melodischen Arpeggios des E-Bass, die schon bei Joy Division funktioniert hatten. Auch war das Artwork von Peter Seville, von den Farben her freundlicher gestaltet, der Haus-Designer von Factory, war maßgeblich für viele ikonische 80er Jahre Artworks verantwortlich. Die LP bekam die Katalognummer FACT 50. Mit diesem System wurden nicht nur Singles und Alben von Factory katalogisiert, sondern auch Gebäude, Ausstellungen und mit FAC 191 sogar eine Katze (die sich in der Hazienda rumtrieb), FAC steht für Singles und Objekte, FACT für Alben und FACD für CDs.

Auf dem Weg zu New Orders Power, Corruption and Lies

New Order hatten natürlich einen Bonus, streng genommen waren sie keine Newcomer und die Band war instant im Bewusstsein der Öffentlichkeit und etabliert, bevor sie überhaupt einen eigenen Katalog hatten, für viele Bands wäre das wahrscheinlich ein Nachteil gewesen, für New Order war es aber ein Vorteil und sie spielten sich schnell frei. So tourten sie Anfang der 80er Jahre in den USA, was Joy Division damals verwehrt blieb. Gerade der Aufenthalt in New York stellte mit seiner lebendigen Clublandschaft irgendwo zwischen Punk, Afrobeat, Funk, Disco und Clubmusik eine interessante Mixtur dar, die man in Europa in dieser Form in Diskos/Clubs nicht hörte. Die Band war sehr fasziniert von diesem Cultureclash und sollte bald als Inspiration für viele der Experimente der kommenden Jahre dienen. Bald schon sollte die Band sogar selbst einen großen Teil zur europäischen Dance- und Clubkultur beitragen.

Um das an der Stelle kurz zu halten, ich könnte in Sachen Factory Records und dessen Inhaber Tony Wilson und seiner Beziehung zur Band noch viel weiter in die Tiefe gehen, werde mich hier aber ein bisschen beschränken, da wir sonst den Rahmen sprengen. New Order waren in der Tat recht involviert in die Manchester Szene und dem Factory Label, 1982 machten sie zusammen mit dem Label den Club The Haçienda auf, der genau diese New York Cluberfahrung kanalisieren sollte. Dafür wurde eine alte viktorianische Textilfabrik nahe des Zentrums umfunktioniert, der Club bekam die Katalognummer FAC 51 und bestand bis 1997. Das Interiordesign stammte von Ben Kelly und viele der Plakate wurden von Peter Seville designt.

Die FAC 51 The Haçienda, eine Innenansicht

Im Prinzip war das schon Teil einer Strategie, die für New Order unabdingbar wurde, das Kuratieren der Haçienda Acts, das Eintauchen in die Clubmusik, das Herausgeben von Compilations, all das hatte einen Teil zu der Musik New Orders beigetragen.

Die Suche nach dem richtigen Sound

1981 entstand mit der 12 Inch Single Procession/Everything’s Gone Green (FAC 53) zwei Songs als ein erster Prototyp des Versuchs, eine tanzbare Single für Clubs zu machen. vor allem Everything’s Gone Green wahr schneller als die Stücke auf Movement, der Song war elektronischer und hatte einen konstanten, repetitiven Beat samt Synthesizer-Sequenz und diente so als Blaupause für die nachfolgenden Projekte. Eigentlich waren schon fast alle Elemente eines klassischen New Order Songs vorhanden, allerdings war die Stimmung noch recht düster und psychedelisch angehaucht. Als Einflüsse für diese Mixtur werden von der Band The Clash, Kraftwerk, Cabaret Voltaire, Lou Reed, Iggy Pop, David Bowie und Dance-Singles von Giorgio Moroder, Klein & MBO, Sparks und Sylvester angegeben. Für die Zeit war das im Angesicht einer Postpunk-Band zwar keine Überraschung, viele Bands aus der Zeit elektronifizierten sich und wurden tanzbar, aber New Order meinten es ernst. Sie wollten etwas Neues und machten sich Gedanken über einen Hybrid aus Postpunk und Sequencer orientierten Ansätzen, wie die von Moroders Donna Summer Platten.

Eine der Quintessenzen war auch der ungewöhnliche Ansatz, den E-Bass Peter Hooks als Melodie Instrument einzusetzen. Das fing schon bei Joy Division an, aber als tragendes Element wurde der Bass bei New Order immer melodiöser. Es gibt verschiedene Storys, die dahinter stehen, Peter Hook sagt selber, dass er eigentlich keine Ahnung vom Bass hatte oder wie man ihn „korrekt“ spielt, schaut euch dazu unten das Video an. Ian Curtis fiel damals auf, dass Hook seinen Bass hauptsächlich im hohen Register der oberen Bünde spielte und fand es so gut, dass daraus ein Stilmittel wurde. Er machte das, um sich besser zu hören, laut anderen Quellen zufolge soll auch der erste Basslautsprecher Joy Divisions ein Loch in der Membran gehabt haben, der deshalb bei tiefen Tönen unangenehm verzerrte. So oder so wurde dieses Element immer mehr betont und aus anfänglich simplen Tonläufen wurde mit der Zeit das Leadelement daraus, das man heute noch mit New Order assoziiert. Typischerweise spielte er einen Yamaha BB1200S Bass in Kombination mit einem Electro Harmonix Clone Theory Chorus durch einen Hiwatt 200 Verstärker.

Dieser ikonische Chorus-Sound ist überall auf sämtlichen alten Aufnahmen New Orders zu hören, ich bin mir noch nicht mal sicher, ob es überhaupt je eine Aufnahme aus den 80ern gab, wo man den Bass trocken hört. Verfeinert wurde das Ganze oft mit dezentem Hall oder Delay. Der Clou daran ist aber, dass dadurch die unbespielten Bassfrequenzbänder Raum für Synthesizerbässe freimachten, vor allem, wenn zusätzlich noch eine elektronische Kickdrum die Bassdrum ersetzt. Der E-Bass spielt also Gitarren-Linien, während der Synth den Bass ersetzt und die Gitarren wiederum kurze Staccato-Elemente einstreuen. Dazu gesellt sich der unaufdringliche Gesang Bernard Sumners, der mit seiner Kopfstimme einen leichten Hauch von Romantik in den Sound einbringt und in Verbindung mit den Texten ein ganz anderes Bild zeichnet als Joy Divisions unterkühlter Bariton-Gesang. Wenn wir jetzt noch die Keyboardstrings mit in den Topf schmeißen, sind wir fast beim berühmten Blue Monday Sound.

1982 verfeinerten sie diese Rezeptur mit der darauffolgenden 12 Inch Single Temptation (FAC 63), die bis heute vielleicht mein Lieblingssong dieser Phase ist. Angestachelt von den Experimenten der 12 Inch Singles entschloss sich Stephen Morris, eine Drummachine zu kaufen. Die Oberheim DMX gab fortan oft den Takt an, aber es war anfangs gar nicht so leicht, alles miteinander zu synchronisieren.

Die meisten Geräte, die New Order benutzten, waren noch nicht mit MIDI ausgestattet und für einen teuren Sequencer hatte man kein Geld. Sumner baute daraufhin einen PowerTran ETI 1024 Sequencer aus einem DIY-Kit, mit dem sie zwar die Synthesizer anspielen konnten, aber nicht die Drummachine, die Sync-Standards waren, wie man weiß, in den 80ern mehr als divers. Über ihren damaligen Produzenten Martin Hannet kam man an einen Tüftler namens Martin Usher, der New Order ein Gerät baute, mit dem mehrere unterschiedliche Instrumente synchronisiert werden konnten. Trotzdem war das sehr tricky, der Sequencer musste im Stepwrite-Verfahren über Binärcodes programmiert werden und dabei passierten viele kleine Fehler und Live lief so manches Instrument davon. Aber alles in allem hatten sie jetzt die Möglichkeit, die Maschinen wie geölt von alleine laufen zu lassen, wenn es funktionierte, klang es toll, neu und aufregend, schnell entstanden mit der neuen Freiheit völlig andere Ansätze und Strukturen.

Und das waren eine Menge Maschinen, neben den schon erwähnten Sequential Circuits Pro-One, Simmons SCSV, Solina Stringensemble gesellte sich noch ein ARP Quadra, Moog Source, E-mu Systems Emulator I, zwei Sequential Prophet-5 und ein PowerTran Transcendent 2000. Falls jemandem noch ein Synth oder Effektgerät aus der Frühphase von New Order einfällt, schreibt’s gerne in die Kommentare.

Der Moog Source ist für die meisten Basslines eingesetzt worden

Die Sessions für Blue Monday und Power, Corruption and Lies

Mit diesem Setup ging es dann 1983 ins Studio, um Blue Monday und Power, Corruption and Lies aufzunehmen. Nachdem man sich diesmal dafür entschied, das Album alleine ohne den Produzenten Martin Hannet zu produzieren, buchten man die Britannia Row Studios im Stadtteil Islington, London. Das Studio gibt es in der Form nicht mehr, zumindest nicht an der Stelle, es handelt sich um das von Pink Floyd aufgebaute Studio, in dem Animals und The Wall produziert wurden. Angeblich hatte das Studio eine faire Preispolitik und förderte so aktiv den künstlerischen Nachwuchs. Das Studio war mit 60 Kanälen einer Neve 5116 Konsole mit 4-Band-Equalizern ausgestattet. Dazu kamen zahlreiche Limiter und Kompressoren von Universal Audio, Audio and Design und Neve. Das Effekt-Rack war für die Zeit top-modern und mit den gängigen frühen Lexicon, AMS und Eventide Halleffekten ausgestattet. An dieser Stelle muss ich sagen, dass ich nicht bis ins letzte Detail recherchieren konnte, was wo und wie viel eingesetzt wurde, falls ein Leser noch ein paar Ergänzungen hat, würde ich mich freuen und rufe hiermit dazu auf zu ergänzen. Dasselbe gilt auch für die Gitarren, die Liste ist hier lang und es ist nicht im Detail bekannt, wo was eingesetzt wurde. Als Toningenieur wurde Michael Johnson engagiert mit Assistenz von Barry Sage und Mark Boyne.

Blue Monday

Ich hab’s eingangs schon mal erwähnt: Blue Monday ist nicht auf dem originalen Release von Power, Corruption and Lies, allerdings findet sich der Song auf der Special Edition, dem US-Release der CD, einigen Kassetten-Versionen und es gibt auch eine UK-Fassung von Power, Corruption and Lies mit The Beach, das wiederum ein Edit von Blue Monday ist, ich komme also nicht umhin, Blue Monday mit zu besprechen. Außerdem bildet es zusammen mit Temptation die stilistische Grundlage des Albums, das selbst ja gar keine Single-Auskopplungen hatte.

Diese Logik ist bis heute fast schon einzigartig, ein Album zu promoten, dessen bekanntester Song eben nicht auf dem Album ist, eben typisch New Order. Alle Veröffentlichungen waren Teil eines fast schon musealen Katalog-Konzepts, die versehen mit den richtigen Nummern, zu Hause wie Ausstellungsexponate gesammelt werden konnten, samt aufwendiger Gestaltung und Kunstanmutung, die sogar im Verbund mit den Videos ein noch stringenteres Bild ergaben.

Die Blue Monday 12 Inch Single

Als erstes entstand bei den Sessions also Blue Monday, das für das Album nicht nur eine Art vorab 12 Inch Single war, sondern auch benutzt werden sollte, um bei Konzerten als Schlussakt zu laufen, bei der New Order theoretisch nur auf Play drücken mussten, um dann von der Bühne zu gehen, denn Zugaben gab die Band grundsätzlich nicht und man suchte nach einer art Äquivalent. Mit etwas über sieben Minuten ist der Song nahe an der Lauflänge eines Club-Edits, auf der B-Seite befand sich mit The Beach eine Instrumentale Alternativversion des Songs womit man insgesamt auf 14 Minuten dieses außergewöhnlichen Song-Hybriden kam.

Die Idee dafür kam von Sumner und Morris, die sich mit der neuen Oberheim DMX Drummachine beschäftigten. Der Beat wurde gelayert, eine Kick- und Snare-Figur laufen von vorn bis hinten durch, das Ganze hat einen Flanger-Effekt, der von einem EHX Polychorus stammte. Ergänzend wurde in einem Kellerraum des Studios eine zweite Kick mit dem natürlichen Hall des gefliesten Kellerraums aufgenommen, die dann als Sample durchlief. Die zusätzlichen Drumsounds wurden live mit Synkopen der Simmons Drums ergänzt und von Peter Hook immer dann gespielt, wenn er grad nicht die Hauptmelodie auf dem E-Bass spielte.
Die typische E-Bass Melodie von Peter Hook ahmte einen Ennio Morricone Soundtrack nach, auch hier ist wieder dieser typische Chorus-Sound zu hören, der vom EHX Clone Theory kam. Die Basssequenz kam von einem Moog Source, der wiederum von einer Donna Summer B-Seite inspiriert war, diese wurde dann von einer höheren Sequenz von Gillian Gilberts Prophet-5 ergänzt, bei der der Startpunkt verrutschte, als man gerade aufnahm. Die Band fand den Fehler allerdings musikalisch und blieb somit im Mix. Die Streicher-Sounds stammen vom zweiten Sequential Prophet-5 Revision 1, der immer die Aufgabe hatte, ergänzende Parts zu spielen, was erklärt, warum die Streicher nie gleichzeitig mit den ikonischen Brasssounds ertönen. Dazu gesellten sich Samples, die in den Emu Emulator 1 geladen wurden, ein Chorsound, der vom Track Uranium von Kraftwerks Album Radioaktivität stammte, der wiederum von einem Vako Orchestron erzeugt wurde, eigentlich witzig, ein Sample eines Samples sozusagen. Dann noch eine Vocoder-Linie mit Sumners Stimme, falls jemand weiß, welcher Vocoder hier Verwendung fand, schreibt es bitte in den Kommentaren, das interessiert sicherlich ein paar Leute und ich konnte es einfach nicht in Erfahrung bringen. Das Video zeigt ein kurzes Interview, in dem die Band dem ahnungslosen Moderator ihre Instrumente erklärt, danach folgt eine kleine Live-Performance samt falschem Start der Sequenz. Besonders lustig ist, dass sie die analogen Synthies als oldfashioned bezeichnen, so alt wahren die nun auch wieder nicht, vor allem nicht aus der heutigen Perspektive heraus. Sumner ist hier mit seiner schüchternen Art und chronischem Lampenfieber einfach sehr sympathisch.

Der ganze Song erhebt sich wie ein für den Club konstruierter maschineller Sturm und tackert für die Zeit mit energischem Druck und einer gewissen Maschinengewehr-Ästhetik konsequent auf den Dancfloor zu. Der anklagende Text liest sich konträr dazu wie eine abstrakte Arie von Anschuldigungen. Aufgrund der vagen Aussagen und Sumners Verschlossenheit weiß man bis heute nicht genau, was er da eigentlich besingt. Es könnte um Beziehungen gehen, manche vermuten Drogensucht oder Kindesmissbrauch als Thema. Fest steht, der Song hat eine andere Thematik, als der Clubsound vermuten lässt und unter uns, ich mag rätselhafte Texte.

Der Song war, als er rauskam ein, Riesenhit, es gab allerdings keinen Radioedit und somit wurde der Song aufgrund seiner Länge selten im Radio gespielt. Die Single bekam die Nummer FAC 73 und bescherte der Band einen Auftritt bei Top of the Pops. Die Single war die bis dahin erfolgreichste 12 Inch und konnte sich in vielen Ländern in die Top Ten absetzen. Natürlich wurde der Song in Clubs rauf und runter gespielt, selbst heute noch kann man den Song gut auflegen, der geht quasi immer. Leider ist das Thema des Erfolgs ein zweischneidiges Schwert, denn New Order machten mit jedem verkauften Exemplar Verlust. Das Hüllendesign, das wie immer von Saville stammte, war einer Floppy-Disk nachempfunden und hatte gestanzte Ausschnitte, die die Produktionskosten über den Verkaufspreis hoben, den Factory veranschlagte. Also versuchte man, sowenig Wind um die Single zu machen, wie es nur irgendwie ging, es gelang New Order aber nicht, der Song wurde ein Hit und ein Klassiker, erst eine späte Auflage wurde billiger produziert, da war es aber schon zu spät.

Das Album

Nun zum eigentlichen Album Power, Corruption and Lies (FACT 75), im Prinzip gilt hier fast das Gleiche wie für Blue Monday. Die Songs waren allerdings etwas zahmer arrangiert, langsamer und stilistisch ist das Ergebnis weniger High-Energy als New Wave der romantischen Sorte. Die Songs sind melodiös, eingängig, einfühlsam und energetisch, an manchen Stellen ergeben sich leicht ins düster gehende Collagen.

Das Grundgefühl ist durchaus erhebend und bildet den typischen Klang New Orders in all seinen Nuancen ab. Der Titel Power, Corruption and Lies entstand, nachdem Sumner eine Ausstellung von Gerhard Richter in der Kunsthalle Köln besuchte. Richter hatte auf die Wand des Museums mit Farbe exakt diese Worte an die Wand gesprüht. New Order hatten seit jeher eine Art Desinformationspolitik, wenn es um Songinhalte und Titel ging. Oft wahren es Parolen oder Schlagwörter, die nicht immer im Zusammenhang mit den eigentlichen Songideen standen. Das spielt wiederum perfekt in dieses künstlerische Ausloten von Konzeptkunst. Das Artwork war entlehnt von einem Gemälde von Henri Fantin-Latour von 1890, das in der National Gallery in London hängt. Peter Seville entwarf einen Farbcode, der auf der Frontseite rechts oben verschlüsselt den Namen der Band und des Titels des Albums enthielt. Auf der Rückseite befand sich dann der Schlüssel zum Dekodieren. Dieser Code fand auch bei Blue Monday und einigen anderen Veröffentlichungen Verwendung. Das Artwork verströmt eine gewisse Schwere, mit seinen Rosen, die eine biedere Eleganz ausstrahlen, aber auch etwas Romantisierendes an sich haben. Das hatte auch was Ironisches an sich, zusammen mit dem Titel ergab sich so ein ambivalentes Gesamtbild.

Backcover von Corruption, Power and Lies mit dem Farbcode

Zu den Songs

Age Of Consent ist der perfekte Opener für das Album. Eine typische, hochtönende E-Bass Melodie mit Chorus eröffnet zusammen mit einem Uptempo-Beat, der von einem Schlagzeug mit polyrhythmischen Fills ausgeschmückten Gerüst vor sich hin poltert. Dazu gesellen sich die schönen Prophet Streichersounds und Gitarrenmelodien, die immer mal wieder hereinprasseln und Kontrapunkte zu der repetitiven Bassfigur liefern. Sumner singt dazu über Misskommunikation in Beziehungen, das aneinander Vorbeireden und über Worte, die in Nachrichten hinterlassen und wie sie später bereut werden. Das alles in leicht rätselhaften Chiffren, die fast schon allgemein klingen. Der Titel scheint dabei ironisch den Inhalt zu brechen, Age of Consent, also Zeitalter der Zustimmung. Der Song ist einer der schönsten Independent Tanzstücke überhaupt und bietet mit seinem Inhalt viel Projektionsfläche.

Darauf folgt mit We All Stand ein Song, der thematisch und musikalisch davon abrückt. Ein langsam rollender Polyrhythmus, der wieder aus einem Grundbeat besteht und mit Snare-Synkopen angereichert wird, eröffnet den Song. Ausgestattet mit viel Hall baut sich schon allein durch das Schlagzeug ein dystopischer Sog auf. Der Keyboardsound hört sich an wie ein E-Piano, das von den leicht slidenden Basssounds Peter Hooks fast einen Lounge-Charakter bekommt, der in seiner dunklen Färbung viel von Joy Division intus hat. Dazu gesellen sich E-Gitarren und ein mit Kriegsthematik herumspielender Text. Das Ganze schraubt sich zu einer Art Beschwörungsformel hoch, die irgendwie an eine New Wave Version von The End von den Doors erinnert.

Als nächstes folgt mit The Village ein lupenreiner Synthpop-Song. Textlich eine Liebesbekundung gerichtet an wen oder was auch immer. Liebe als ein Teil der Existenz an sich.

Oh, our love is like the flowers
The rain, the sea and the hours

Mit den typischen Moog Source Bass-Sequenzen und den helleren Prophet-5 Sequenzen reiht es sich voll und ganz in die Formel ein. Ein wirklich beschwingter Song mit Herzschmerz-Feeling. Das Schlagzeug hat auch hier diesen unverkennbar polternden New Order Polytouch. Manchmal frag ich mich, wie sie überhaupt auf diese Beats gekommen sind. Sie zerteilen das rhythmische Gefüge des Songs in kurze, abgehackte Parts und phrasieren damit die Struktur, in die dann kleine Gitarrenstakkatos und Rhythmuselemente eingefügt werden. Dabei klingen sie sehr tight. Die einzige andere Band, von der ich so was in der Form gehört habe, sind the Cure, die aber nicht ganz so schnell und energetisch bei der Sache waren wie New Order und sogar oft bei so etwas Akustikgitarren verwendet haben.

Über 5 8 6 will ich eigentlich gar nicht soviel sagen, es ist ein Surrogat zu Blue Monday, hier hat sich New Order versucht selbst zu kopieren, obwohl ein guter Song, wäre mir an der Stelle the Beach oder Blue Monday lieber gewesen. Instrumental ist es aber dasselbe Prinzip, nur etwas langsamer. Der Text hat hier was Paranoides, wann immer wieder „Heard You Calling“ und „Can You Hear Me Calling you“ gesungen wird und ich werde das Gefühl nicht los, dass der Song was mit Ian Curtis zu tun hat.

Your Silent Face ist wieder einer dieser Synthpop-Perlen und hat eine ähnliches Arrangement und Instrumentierung wie The Village. Ein sehr stimmungsvoller, eher langsamer Track, der eine Hohner Sopran-Melodika featuret.

Auf Ultravilonece gibt es kleine hochpeitschende Boomkicks dieses typischen Synare III Sounds, die man schon auf Joy Division Platten hören konnte. Die Polyrhythmen poltern auch hier vor sich hin und hypnotisieren zusammen mit dem Moog-Bass samt beschwörungformelartigem Text und einer Melodie, die wie Abwandlungen der anderen Songs klingt. Auch schrubbt hier eine Gitarre mit Flanger rauf und runter und bildet einen Teil des Rhythmus. Überhaupt ergibt sich trotz der Verschachtelung immer ein Sog auf diesem Album, denn irgendein Element läuft immer konstant durch, hier vor allem der Moog.

Daran schließt gleich ein Song mit ähnlichem Feeling an. Ecstacys Alleinstellung ist ein roboterhafter Vocoder-Sound und eine dazu passende Moog Bassline, die wie immer von Hooks Bassmelodie konterkariert wird. Der Song hat von den Melodien her einen leichten Devo Einschlag.

Abschließend gibt es mit Leave Me Alone einer wunderschönen Indierock-Song mit melancholischer Melodie. Das Schlagzeug hat einen kurzen Halleffekt. Die Gitarren sind hier viel mehr im Fokus und der Bass übernimmt hier mal nicht die Führung. Von was hier gesungen wird, wird von Sumner selbst infrage gestellt!

From my head to my toes
From the words in the book
I see a vision that would bring me luck
From my head to my toes
To my teeth, through my nose
You get these words wrong
You get these words wrong
Everytime
You get these words wrong
I just smile

Oben könnt ihr euch in der eingebetteten Playlist durch das Album skippen. Power, Corruption and Lies war natürlich sehr erfolgreich und in vielen Ländern in den Charts. Sonderlich kommerziell erfolgreich waren New Order aber nie. Factory hatte eine ziemliche Misswirtschaft und man zerstritt sich daraufhin schnell, die Hazienda lohnte sich nicht richtig und war vor allem unter der Woche leer und zu allem Überfluss stand die Band Anfang der 90er vor dem Ruin. Erst 2001 kam es zu einem Comeback, das nach dem letzten Album von 1993 viele euphorisch stimmte, aber einige Strömungen des Britpops der 90er mit einbezog. Ich habe nichts gegen das Comeback, aber den Zauber der frühen Alben und Singles kann man nur schwerlich rekreieren.