Making Of: Orchestral Manoeuvers In The Dark, Architecture & Morality (1981)

Orchestral Manoeveures in the Dark, kurz OMD, gelten als eine der einflussreichsten und kommerziell erfolgreichsten Synthpop/New Wave-Bands der 80er Jahre. Der prätentiöse Bandname deutet schon darauf hin, dass es hier nicht um irgendeine gewöhnliche Band geht. Vielmehr standen immer schon konzeptuelle Ideen im Vordergrund, die gerne im Licht von Kultgrößen wie Kraftwerk, Brian Eno oder David Bowie schwelgen. Heute soll es hauptsächlich um ihr, mit 4 Millionen verkauften Exemplaren erfolgreichstes Album gehen: Architecture & Morality.

Bild aus „Electronics & Music Maker“ 1981, mit freundlicher Genehmigung von mu:zines – http://www.muzines.co.uk/articles/orchestral-manoeuvres-in-the-dark/3645

Gleich vorab, ein herzliches Dankeschön an mu:zines, die uns freundlicherweise ihre Magazinscans zur Verfügung gestellt haben. Die Seite ist ein Online-Magazin-Archiv mit Schwerpunkt 70er und 80er Jahre Musik/Musikelektronik, ich kann die Seite nur empfehlen, lohnt sich sehr zu stöbern und man entdeckt sehr interessante Sachen.

Zur Geschichte der Band OMD

Die britische Band wurde 1978 von Andy McCluskey (Gesang, E-Bass, Gitarre, Keyboard, Synthesizer) und Paul Humphreys (Gesang, Keyboards, Synthesizer) in Wirral, Merseyside gegründet und entstand aus der Vorgänger Band The Id. Die Beiden waren aber auch in einigen anderen lokalen Projekten involviert, eins davon, VCL XI, benannt nach einer falsch abgelesenen Bezeichnung einer Röhre auf dem Back Cover von Kraftwerks Radioaktivität, widmete sich schrägen elektronischen Experimenten mit Tapes, Radios und DIY Synthesizern.

Dem Duo gelang es ziemlich schnell, einen Plattenvertrag mit Factory Records abzuschließen, schon 1979 kam ihre erste Single Electricity raus, ein kleiner Achtungserfolg für die junge Band. Die Beiden spielten daraufhin als Vorband von Joy Division und kurz darauf auch für Gary Numan in relativ großen Venues, was sie schnell ins Bewusstsein der aufkeimenden New-Wave-Szene spülte.

1980/1 – das erste Album von Orchestral Manoeuvres in the Dark

Live war man immer noch zu Zweit unterwegs, na ja fast, ein TEAC 4-Track-Recorder, getauft Winston, war zu der Zeit sozusagen das dritte Bandmitglied. Schnell war Humphreys und McCluskey klar, dass sie nicht mit der Mentalität des Independent-Labels Factory Records zurechtkamen.

Hier ist der TEAC 4-Track-Recorder prominent im Vordergrund

Sie suchten sich für das gesammelte Live-Material, das als Grundlage für das selbstbetitelte erste Album von OMD dienen sollte, ein anderes Label. Mit DinDisc fand sich schnell ein neuer Musikverlag, der als Virgin Sublabel ein relativ hohes Budget zur Verfügung hatte. Das Album war zwar kein riesiger Hit und war auch nicht als solcher geplant, hatte aber zur Folge, dass sich die Band vom Vorschuss ein eigenes Studio einrichten konnte: The Gramophone Suite. Sie heuerten dann Malcolm Holmes von The Id für die Drums an und Martin Cooper, der auf dem Album ein paar Saxophon-Parts beisteuerte.

Das Album ist heute sicherlich Kult – roher Elektropop mit Punk-Einflüssen, stark geprägt von Kraftwerk, Neu! und Brian Enos rockigeren Solo-Alben. Alle Synthesizer-Arpeggios und Melodien wurden per Hand gespielt. Das Live-Drumming wurde oft mit gestimmtem White-Noise direkt auf den Tasten der Klaviatur diverser Synthesizer gespielt (meistens Synthesizer der Korg MS-Serie), ungewöhnlich, aber legitim, strebte man doch den ikonischen Transistor-Drumsound von Kraftwerk an. Dazu gesellt sich der Klang einer Elgam Symphony Combo-Orgel, ein bisschen Korg MS-10 nebst Korg Micro-Preset M-500. Mit kleinen Hymnen wie Messages und Electricity hatten sie schnell eine ausgezeichnete Reputation, für den Durchbruch reichte es aber erst mit dem zweiten Album.

1980/2 – Organisation, das zweite Album

Das Album heißt übrigens wie Kraftwerks Vorgänger-Formation – Organisation, die mit Tone Float nur ein einziges Album hinterließen, das zudem auch nie wieder neu aufgelegt wurde (Ich habe dieses Album als Bootleg, es ist interessant, aber eher eine hippieeske Randnotiz als ein richtiges Kraftwerk Album). Warum Orchestral Manoeuvres in the Dark genau das im Kopf herumgeisterte, weiß ich zwar nicht, aber eine subtile Referenz zu ihrer damaligen Lieblingsband ist es allemal.

Im selben Jahr, als ihr Erstlingswerk entstanden war, war Organisation ihr erster größerer Erfolg. Die Antikriegs-Single Enola Gay, benannt nach dem Hiroshima Bomberflugzeug, eroberte im Sturm die britischen Charts und verkaufte sich weltweit 5 Millionen Mal. Das Album selbst ist relativ düster gehalten, mit seinen an Joy Division angelehnten Songs.

Prominenterweise gesellt sich hier eine Roland CR-78 zu den handgespielten Drumparts und auch die anderen Bandmitglieder wurden stärker ins Bandgefüge mit eingebunden, was der Organizität des Albums guttut und nicht mehr so roh und unbearbeitet wirkt wie noch auf dem Vorgänger. Neben den typischen Korg MS-10 Noise-Drums kommt noch ein MS-20 und ein Pearl Syncussion SY-1 Drumsynth mit an Bord, die jeweils mit zwei Pads getriggert wurden.

Die Formel ist aber noch eindeutig dieselbe, nur alles eben ausgefeilter. Der neu angeschaffte Sequential Circuits Prophet-5 Rev. 2 spielt zudem einen schönen, ausladenden und polyphonen Pad-Sound, während man mit den Roland SH-02 und SH-09 die perfekte Synth-Bass-Begeleitung fand und zusammen das letzte quintessenzielle Puzzleteil des klassischen OMD-Sounds vervollständigte. Genau diese Mischung an Instrumenten und synthetischen Drums findet sich dann auch auf Architecture & Morality.

1980 – 1981 – im Vorfeld von Architecture & Morality

Eine der tragischeren Dinge, die auf der Organisation-Tour passiert sind, hatte eine ungeahnte Auswirkung auf den Nachfolger des Albums. Der Band wurde der geliebte Prophet-5 Rev. 2 gestohlen. Laut Aussage der Band haben sie dann einen Rev. 3 kaufen müssen, weil es die Rev. 2 nicht mehr gab, sie fanden zwar den Sound nicht so überzeugend wie den des Rev. 2 und hatten Probleme, den ursprünglichen Sound der originalen Presets hinzubekommen. Das ergab auch durchaus Sinn, waren in den ersten und zweiten Sequential Circuits Prophet-5 Versionen noch die SSM-Chips verbaut, kamen im Rev. 3 die CEM-Chips von Curtis zum Einsatz, die zwar stimmstabiler waren, aber einen etwas dünneren, weniger warmen Klang hatten.

Sequential Circuits Prophet-5

Laut Band gewöhnten sie sich aber schnell daran und lernten diesen Synthesizer als Ideenbringer sehr zu schätzen, bis heute ist er bei OMD im Einsatz. Zur Tour gesellte sich noch Dave Hughes als Live-Keyboarder, der eher unbeabsichtigt, einen großen Einfluss auf die Aufnahmen des nächsten Albums haben würde. Der Fuhrpark erweiterte sich dann noch maßgeblich um Polymoog und Yamaha CS10.

OMD machten sich dann schnell auf zum großen Wurf, der letztendlich Architecture & Morality werden sollte. Während einige unfertige Songskizzen in der Gramophone Suite erarbeitet wurden, meldete sich Dave Hughes mit einer interessanten Anfrage. Er leitete gerade die Aufnahmen für einen Chor in Liverpool, der in den Amazon Studios vor Ort produziert wurde. Hughes fragte die beiden OMD Köpfe, ob sie nicht Lust hätten, aus eben diesem Material Tapeloops mit Einzelnoten zu erstellen, wofür sie im Austausch eine Kopie des Materials erhalten würden. Angeregt vom Experimentierdrang sagten sie schnell zu und endeten so mit einem Katalog an Einzelsounds gesungener Vokale und Wörter ,bestehend aus Frauen-Chorälen. Ein ganzer Tag wurde nur damit verbracht, diese Bandschleifen zu schneiden, zu kleben und so die besten Stellen in Einzelnoten-Loops zu zerlegen.

Bild aus „Electronics & Music Maker“ 1981, mit freundlicher Genehmigung von mu:zines – http://www.muzines.co.uk/articles/orchestral-manoeuvres-in-the-dark/3645

Das Erstellen von Tapeloops war sowieso schon immer eine der Grundtechniken bei OMD, die schon in den Anfangstagen oft verwendet wurde, als Backingtrack live, für Rhythmusaufnahmen oder auch kleine Soundexperimente, die als Geräusch-Loops im Hintergrund liefen oder Songs einleiteten.
Diesmal waren es eben Chor-Sounds.

Souvenir und die Choraufnahmen – ein Durchbruch für Orchestral Manoeuvres in the Dark

Humphreys mischte diese Loops mithilfe des Mischpults in der Grammophone Suite zu Akkorden zusammen. Fader wurden minutiös ausgepegelt, um den perfekten Klang des Akkords zu bekommen und die Bandmaschine in der Geschwindigkeit heruntergefahren, um tiefere Noten zu erreichen. Sie mixten diese Chor-Akkorde mit dem unfertigen Song-Souvenir. Der Song stammt aber nicht aus der Feder McCluskeys, der normalerweise sang und Texte schrieb, stattdessen war hier zum ersten Mal Martin Cooper mit als Co-Songwriter tätig, der zu der Zeit immer mehr festes Bandenmitglied wurde, gesungen und komponiert hat aber hauptsächlich Paul Humphreys, der dem Song einen ganz anderen, helleren Klang gibt, als wenn ihn McCluskey gesungen hätte. Ergänzend kamen noch Effekte und Prophet-5 Sounds dazu, die zusammen einen Teppich bilden, als Gegenpol eine handgespielte Synth-Melodie, die das Thema ergänzt, ein bisschen Saxophon und eine Synth-Bassline. Dazu findet sich auch ein akustisches Schlagzeug ein, das auf den weiteren Songs immer den Kontrapunkt zu den synthetischen Drumsounds bildet und den Songs in Kombination mit den Orgel- und Mellotron-Sounds etwas akustische Natürlichkeit verschafft, die es in der Form auf den frühen OMD Alben nicht gab.

An sich ist auf dem ganzen Album manchmal nicht exakt rauszuhören, woher welcher Pad-Klang eigentlich genau stammt, diese ganzen Keyboard-Teppiche mit ihrem Reverb beladenen Klang sind sozusagen ineinander verwoben und bilden fast schon eine Wall of Sound. Angetrieben von diesem neuen Klang sollte sich hier schon abzeichnen, dass Architecture & Morality in eine eher ätherische, ambienthafte Grundrichtung gehen wird, zumal viele der Songs langsamer waren als die früheren.

Mellotron – All over the Place

Obwohl sich Frontmann McCluskey nicht so mit dem Song identifizieren konnte, fand man schnell einen gemeinsamen Nenner, der Architecture & Morality in diese neue Richtung trieb. Angestachelt von dem Chorexperiment, das übrigens auf dem gesamten Album immer wieder zu hören ist, einigte sich die Band schnell darauf, ein Mellotron anzuschaffen. Angeblich handelte es sich hier um ein MK-II Modell, das später von einem Novatron 400 SM abgelöst wurde. Laut Aussage der Band war das Mellotron nötig, um die neu entdeckte Affinität zu Chor-Sounds besser kontrollieren zu können, den Chor quasi direkt unter den Fingern zu haben und tonal spielen zu können.

Und genau das sollte das ganze Album prägen – ein Ausloten der Möglichkeiten eines Mellotrons und das Arbeiten mit den Chor-Loops. Ungeachtet dessen benutzte man aber auch den Cello- und Violinen-Werkssound des Mellotrons intensiv. Vor allem auf den Songs Georgia, She’s Leaving und Sealand hört man den typischen Sound des Mellotrons klar heraus. Aber auch auf den anderen Songs war es überall untergebracht.

Mit Michael Douglas holten sie sich dann noch einen weiteren Keyboarder in die Band, der vor allem Live wichtig wurde, das Album besteht aus so vielen Spuren, dass es schier unmöglich war, in der kleinen Besetzung von zuvor weiterzuspielen. Zusammen mit Malcolm Holmes als Drummer und Martin Cooper als zusätzliche Verstärkung, der wieder dezent sein Saxophon einbrachte, hatten sie jetzt ihr klassisches Lineup beisammen.

Bild aus „Electronics & Music Maker“ 1984, mit freundlicher Genehmigung von mu:zines – http://www.muzines.co.uk/articles/junk-culture/7890

Orchestral Manoeuvres in the Dark – Architecture & Morality – die Sessions

Diese fruchtbare Orientierungsphase der ersten Sessions in der Grammophone Suite bildeten schnell einen Grundstock an neuen Songs und Ideen, die dem Namen der Band alle Ehre machten, auf kein Album der Band passt der Bandname Orchestral Manoeuvres in the Dark besser als auf Architecture & Morality. Zusammen mit den Rohaufnahmen ging es dann ab ins Virgin eigene Studio the Manor in Shipton-on-Cherwell, Oxfordshire, bekannt vor allem durch Mike Oldfields Tubular Bells, dem ersten Virgin Album und Artrock/Patternmusik Meilenstein, also durchaus ein namhaftes Studio mit der ländlichen Atmosphäre eines alten Herrenhauses, mit zwei Studio-Räumen und einem durch Mike Oldfield mitverursachten, interessanten Fundus an Tasteninstrumenten, die damals für Tubular Bells angeschafft wurden und teilweise im Bestand des Studios blieben. Außerdem hatte das Studio einen 16-Spur Ampex Recorder, Dolby Noise-Reduction, verschiedenste Halleffekte wie Plattenhall, Tapeechos, Spring-Reverbs, ein Drum-Reverb und ein Grand Piano zur Verfügung, Letzteres wurde auch von der Band genutzt nebst den verschiedenen Hallgeräten. Als Produzenten waren neben OMD noch Richard Manwaring und Mike Howlett verantwortlich. Simon Heyworth wiederum war für Mastering und Sound zuständig.

Virgins The Manor Studio

Die Songs von Architecture & Morality

Oben habe ich wieder das komplette Album als Playlist eingebettet und zwar samt der Bonustracks der Special-Edition,  Architecture & Morality besteht ursprünglich aus 9 Songs, der Rest sind B-Seiten und andere Versionen, klickt euch einfach durch.

Ich denke, das Album hat in gewisser Weise drei unterschiedliche Komponenten. Zuerst waren da diese ätherischen, ambientartigen Soundscapes, die man vor allem Humphreys zuschreiben kann und die ruhigeren Songs darstellen. Die anderen von McCluskey vorangetriebenen Ideen sind von Kirchenchören, gregorianischem Gesang und russischer Folklore beeinflusst und sollten in indirekter Weise eine gewisse pastorale Wucht induzieren, die aber nicht nach Kirchenmusik klingen sollte, sondern eher ein pseudoreligiöses Gefühl beim Hörer auslösen will, was sich auch in den Texten widerspiegelt. Dann waren da noch die OMD typischen Synthpop-Elemente, die natürlich von den Vorgängeralben beeinflusst waren und nicht fehlen dürfen.

Bild aus „Electronics & Music Maker“ 1984, mit freundlicher Genehmigung von mu:zines – http://www.muzines.co.uk/articles/junk-culture/7890

Den Anfang des Albums macht The New Stone Age. Ein komisches, blechernes Knarzen und White-Noise-Zischen leitet einen 4 to the floor BD/Kick-Beat der Roland CR-78 ein und macht den Start, bevor eine scheppernde Rhythmusfigur der E-Gitarre McCluskeys reinpoltert. Dazu noch ein Synthhorn-Sound, der sich schräg durch den Song fräst. Ein komischer, leicht experimenteller Opener, der einen aufs Glatteis führt. Der Text verstärkt diesen Eindruck noch und man fühlt sich danach leicht irritiert, was man da gerade gehört hat. Eine merkwürdige Art, so ein Album anzufangen, aber doch steckt hier klassische OMD Logik dahinter.

She’s Leaving lenkt vom lärmenden Opener sofort in die gegenteilige Richtung ab. Ein schöner, romantischer Synthpop-Song mit einer schmelzenden, schönen Melodie, die einen in Beschlag nimmt. Das alles wird noch durch die String-Sounds des Prophets angereichert, die dem Ganzen einen ordentlichen Zuckerguss überziehen. Im Hintergrund werkelt hier eine Mixtur aus Pads der Violinen und Chorsounds des Mellotron. Die akustischen Drums werden mit den Pearl Syncussion SY-1 Drums erweitert, ein Drumsynth, der über Triggerpads gespielt wird und schon auf Organisation Verwendung fand. Der Song entwickelt mit seinem Stop-and-go-Arrangement immer wieder aufbäumende Klangwolken, die am Schluss noch durch den E-Bass McCluskeys und ein überwältigendes Anschwellen des Sounds in pompöse Gefilde voranprescht. Eine kleine, aber liebliche Urgewalt sozusagen.

Weiter geht’s mit dem schon besprochenen Souvenir, nur soviel noch, der Song war die erste Single des Albums und stieg in die britischen Charts ein und war ähnlich erfolgreich wie Enola Gay. Ich mag denn Song zwar aber persönlich und habe oft das Gefühl, dass es der seichteste Song des Albums ist, zwar wichtig für die Logik und den Sound des Albums, aber eben auch sehr poppig und etwas nichtssagend.

Sealand eröffnet mit einer Melodika und tackernden HiHats, die einen Spring-Reverb Einsatz nahelegen, gut erkennbar an dem resonanten Pling, der entsteht, wenn man Percussion durch die Hallspirale schickt. Dazu noch ein röhrender Pulssound eines Basssynths, wahrscheinlich handelt es sich dabei um einen Roland SH-09 oder SH-02. Die orgelartige Prophet Melodie spielt dann zusammen mit der Melodika eine Harmonie, die sich mit Flötenklängen des Mellotrons abwechselt, bevor am Schluss der Cello- und Violinen-Klang auch gut zu hören sind und den Soundteppich anschwellen lassen. Ein insgesamt sehr ruhiges pastorales Instrumentalstück, das sich erst gegen Mitte in eine gesungene Ballade verwandelt. Nach diesem Teil setzt ein scheppernder Drumpart ein, nur um am Ende, diesmal ohne die Rhythmussektion, wieder zurück in den von Strings und Cellos geprägten Teppich zurückzukehren. Ohne Frage, ein brillantes Stück, gehört für mich zu ihren besten Songs.

Joan Of Arc, die zweite Single-Auskopplung, fängt mit Stimmfetzen und Glockenspielklängen und einem Text über ein katholisches „Mädchen“ an und schlägt damit sofort in das mit Religion kokettierende Konzept des Albums. Bei dem „Mädchen“ handelte es sich natürlich um Johanna von Orléans, der heilig gesprochenen Nationalheldin Frankreichs. Ein sehr merkwürdiges und ungewöhnliches Thema für einen Song. McCluskey orientierte sich hierbei vor allem an Kraftwerk und Eno, die seiner Meinung nach in der Regel auch Songs über ungewöhnliche Themen schrieben. Liebe als Thema ist hier im übertragenden Sinne gemeint, also dem Umstand geschuldet, wie sich Johanna von Orléans dem Glauben verschrieb und sich letztlich dafür geopfert hat und als Märtyrerin in die Geschichte einging. Harter Tobak für ein schräges Liebeslied.
Zum Song selber: ein weiterer, sehr gut arrangierter Popsong mit den typischen Insignien des Albums bestückt. Schön ist hier auch der runde Basssynth der OMD typisch ein handgespieltes Arpeggio ist. Im Chorus des Songs entladen sich dann die elegischen Stringpads und stimmen so eine Hymne ein. In England schaffte Joan Of Arc es auf Platz 5 der Charts und kam aber nicht in allen Ländern als Single raus.

Der nächste Titel ist die mit Abstand, bekannteste und erfolgreichste Single OMDs und wurde zum meistgespielten und meistverkauften Song des Jahres 1981 mit hohen Chart-Platzierungen in Deutschland, Japan, England und Holland – Maid Of Orleans. Zudem gleich der zweite Song, der sich mit Johanna von Orléans beschäftigt. Die Inspiration dafür kam McCluskey in Frankreich, nachdem die Band auf Tour Schauplätze der Jungfrau von Orléans besichtigte. McCluskey begab sich daraufhin in die Bücherei und befasste sich intensiv mit dem Thema, es war vielleicht noch nicht mal so ein großer Zufall, das 550. Jubiläum des Todestags der Heiligen stand nämlich bevor. Ich bleibe dabei, komische Idee für einen Song, aber großartige Komposition. Der Rhythmus war übrigens von Aufnahmen der Edinburgh Military Marching Band inspiriert, die wohl McCluskeys Mutter gern gehört hat.

Andy McCluskey in eigenen Worten über den Song, übernommen von der offiziellen OMD Seite:

„The intro was a problem for radio and we did do edited versions where it was shortened. The idea came about because we actually had the song recorded but thought the track started oddly and needed something else to announce it’s arrival. At the time of A+M we were making a lot of music that was ambient soundscapes. The natural thing was to give the song an intro that set up the feel for the main themes to resolve out of the noises.
It’s not meant to ‚mean‘ anything specific, just set up a feeling to let the track grow out of the strange noises. I think that it worked well!
BTW.. for the sound anoraks… most of the noises are melotron vocal sounds slowed down/sped up and greatly distorted simply by completely overdriving the old Helios desk in The Manor Studio. Pink noise and snare drum in lots of reverb.“

Der Song Architecture And Morality ist wieder wesentlich experimenteller und über und über voll mit dem Chor und Cellos des Mellotrons. Man hört aber auch gleich zu Beginn eine der Chor-Loop-Snippets. Zusammen mit der repetitiven Melodie und einem pulsierenden Synth-Percussion-Sound gibt es hier wieder dieses fürs Album typische Wechselbad an Soundscapes und postoralen Klängen.

Georgia ist ein schnellerer Popsong mit typischer OMD Melodie und fetten Synthtubas, die dem Song schon fast etwas Albernes geben. Im Hintergrund dudeln Fieldrecordings von Radiosnippets und Geräuschen.

The Beginning And The End ist der gelungen Abschluss für dieses ätherische Album und seinen fast schon zu vollgepackten Sound-Eskapaden. Hier gibt ein Chor-Sample und die Gitarre den Ton an und entlassen einen mit einem träumerischen Ende, begleitet von einem Piano, in die unprätentiöse Realität des Alltags.

Architecture & Morality war Orchestral Manoeuvres in the Darks großer Erfolg, die Singles verkauften sich zusammengerechnet über 8 Millionen Mal und insbesondere Maid Of Orleans dominierte den Klang des Jahres 1981. Der Titel wurde von Martha Ladly, von Martha and the Muffins, vorgeschlagen und spielte auf das Buch Architecture and Morality des Historikers David Watkin an. Das Artwork war hier auch wieder von Peter Saville und Brett Wickens. Ersterer gut bekannt als Hofdesigner von Factory Records.

Bild aus „Electronics & Music Maker“ 1981, mit freundlicher Genehmigung von mu:zines – http://www.muzines.co.uk/articles/orchestral-manoeuvres-in-the-dark/3645